puroteatro

Entre el estupor y la vergüenza

2012-01-20T07:25:00.000-08:00

DENUNCIA Y RECLAMO. La actriz y directora teatral rosarina Patricia Pareja habla de las situaciones denigrantes que vivieron elencos de todo el país, incluido el suyo, durante la reciente 51ª edición del Festival de Teatro Infantil de Necochea, encuentro que finalizó el pasado 10 de enero

Por Miguel Passarini (Publicado en El Ciudadano & la gente, en su edición en papel del 21 de enero de 2012)
A lo largo de su historia, el Festival de Teatro Infantil de Necochea, que recientemente llevó adelante su 51ª edición (del 5 al 10 de enero) y cuya inauguración, hace cinco décadas, contó con la presencia de la recordada María Elena Walsh, se caracterizó por ofrecer un espacio valioso a una estética que, muchas veces, es manipulada o malentendida por quienes la llevan adelante.
Sin embargo, el evento que finalizó hace 10 días, dejó como saldo más visible, y al mismo tiempo repudiable, una organización definitivamente lamentable de parte del municipio de Necochea que se sumó a una serie de irregularidades entre las que aparecen amenazas, insultos y hasta golpes a algunos de los integrantes de uno de los elencos participantes.
Así lo confirmó a este medio la actriz y directora teatral rosarina Patricia Pareja, quien participó del encuentro con su versión de la obra teatral-musical Corazón de bizcochuelo, de Enrique Pinti, de la que también integra el elenco junto con los actores locales Anabela Agostini, Christian Valci, Carlos García, Marcos Sánchez y Gloria Bussano.
“Es casi inenarrable lo que tuvimos que pasar: fuimos alojados en un lugar deplorable, que no comprendía ni siquiera las medidas mínimas de higiene; y fuimos maltratados y amenazados frente a nuestras demandas por mejoras”, relató Pareja, actriz de vasta trayectoria en el ámbito local y nacional, y responsable de una de las doce puestas elegidas, que participaron del encuentro que este año no tuvo el cierre tradicional el martes 10 de enero, tal como se esperaba, ya que los elencos se retiraron antes de tiempo frente a lo desastroso del trato recibido.
Según ratificó Pareja a este diario, ella y su elenco, como pasó con otros, fueron literalmente amenazados por la funcionaria municipal Florencia Trobo a cargo del área Cultura: “Seguí nomás, que vos estás marcada”, le dijo Trobo a la actriz, luego de acusarla de hacer “roscas” con los demás elencos, cuando lo único que reclamaban la mayoría de los participantes era un trato más humano, frente a los sucesivos desplantes de la funcionaria y su equipo de trabajo. Al cierre de la edición del festival, Trobo habría presentado su renuncia pero luego se supo que no fue aceptada, circunstancia que empaña aún más todo lo sucedido.
Pero eso no fue todo: actores del elenco de la obra teatral El mundo es mío, de Mar del Plata, que el domingo 8 por la noche cenaban en el restaurante La Guapa, fueron salvajemente golpeados por cuatro hombres que en esa ocasión y en otras anteriores, acompañaban a la referida directora de Cultura de Necochea, Florencia Trobo, luego de su intento por reclamar su comida.
Horas antes, el mismo elenco, tras la función, había leído en presencia de Trobo y su gente una carta consensuada por todos los elencos participantes donde ponían de manifiesto algunos de sus reclamos frente a las situaciones que habían tenido que afrontar hasta el momento, entre otras, la falta de comida, de agua caliente y de baños en los alojamientos, del mismo modo que la necesaria difusión para los espectáculos que había sido casi nula.
De todos modos, el elenco, conmocionado por la violencia a la que fueron sometidos algunos de sus integrantes, decidió irse de la ciudad horas después del hecho sin hacer la denuncia.
Prácticas que recuerdan los peores momentos de la última dictadura militar, la información de lo sucedido, a pesar del intento por taparla, recorrió las redacciones de diarios y agencias de noticias del país y se sucedieron comunicados de repudio y en apoyo a los actores y elencos, entre otros, uno dado a conocer por la ministra de Innovación y Cultura de la provincia, Chiqui González.
De hecho, el pasado 11 de enero, la Asociación Argentina de Actores, que ya tomó cartas en el asunto, dio a conocer un primer comunicado que lleva la firma de su flamante presidenta, Alejandra Darín, y del secretario general, Luis Alí: “La Asociación Argentina de Actores manifiesta su profundo malestar, y se solidariza dando su apoyo institucional, gremial y legal, a nuestros compañeros actores y talleristas participantes del 51º Festival Infantil de Necochea”, sostiene ese primer informe que buscó sacar a la luz lo sucedido frente a la comuna de Necochea que, más allá de todas las pruebas y testimonios, relativizó los hechos.
En ese momento y después, Trobo rechazó de plano haber tenido responsabilidad alguna en las agresiones denunciadas por los actores y sostuvo en charla con la agencia Télam: “Al dueño de La Guapa lo conozco porque Necochea es un pueblo, es una ciudad chica, y nos conocemos todos; pero en relación a lo que ocurrió yo no estuve allí y sólo sé que el domingo a la noche hubo gente ebria que comenzó a discutir y a pelearse adentro del restaurante”, expresó, tratando de poner el foco del conflicto en otro lado.
A la espera de las respuestas que no llegan, Actores hizo llegar en las últimas horas un nuevo comunicado, que ya es de público conocimiento, al Concejo Deliberante de la Ciudad de Necochea, con copia al intendente, Horacio Telechea, y a la referida directora de Cultura, Florencia Trobo, donde entre otras cosas, se detalla: “Queremos también comunicar que como nos han informado que esta situación anómala sigue sucediendo, y ante el peligro que corre la integridad física de algunos compañeros que aún permanecen en la ciudad de Necochea, la Asociación Argentina de Actores exige a las autoridades responsables que den las garantías suficientes para preservar la seguridad de nuestros compañeros. Requerimos con todo respeto, que se cite a la directora de Cultura a dar las explicaciones, se forme en su caso una Comisión Investigadora y se haga un seguimiento del conflicto a los efectos de sancionar a las personas que han incumplido con sus deberes de funcionarios públicos, y en su caso, se denuncien ante la Justicia y ante el intendente los ilícitos que se constaten, poniéndonos a su disposición para asistir a las audiencias que se dispongan para ampliar la información sobre los hechos que han llegado a nuestro conocimiento”.
Al cierre de esta edición, Trobo continuaba en su cargo, lo que se revela casi como una burla y una falta de respeto de parte de los funcionarios del municipio de Necochea y de todos aquellos que la “sostienen” en el puesto.
Las prácticas de la dictadura son condenadas hoy en la Argentina y en el mundo. En su momento, muchos artistas desaparecieron o se exiliaron ante los embates del terrorismo de Estado. Frente a todo, lo único que queda es la memoria y la justicia, que será donde, en definitiva, tendrá que dirimirse este caso, que trae tristemente al presente prácticas de un horroroso pasado.

La generación de un público

2012-01-03T11:47:00.001-08:00

BALANCE TEATRO 2011 El camino de la profesionalización finalmente comenzó a ser transitado por el teatro rosarino, en un añodonde se destacaron, entre otros, trabajos como “Fraternidad”, “Ito, teatro para bebés” y “Moderna”

Por Miguel Passarini (Publicado en El Ciudadano & la gente, en su edición en papel del martes 3 de enero de 2012)
El camino de la profesionalización finalmente comenzó a ser transitado por el teatro rosarino en 2011. Así, una puerta grande se abre en el presente, si es que los grupos terminan de comprender algunos factores ligados con la producción, y dentro de ese enorme apartado, con los modos y mecanismos de difusión, variantes que han demostrado ser el gran basamento de una imprescindible generación de público.
Dentro de esta variante, dos movimientos autogestionados han logrado que el trabajo sostenido genere presencia en el medio, independientemente de que luego las propuestas deban estar a la altura de las circunstancias, algo que no pasa en todos los casos.
Por un lado, un grupo no formal de nuevos creadores que rondan los 30 años y que tiene a la actriz y directora Carla Saccani a la cabeza, logró posicionar sus trabajos en la cartelera local, a base de ingenio (el uso de las redes sociales fue determinante) y creatividad, pero con la clara convicción del valor de aquello que se ofrece al público.
Así, la versión de Fraternidad, de Mariano Moro, con dirección de Saccani, pudo superar el periplo que desde comienzos de año debió soportar por los sucesivos cambios de sala, siempre apelando al ingenio y al gran trabajo de Cristian Mengoni y Carlos Chiappero, los protagonistas, quienes encarnan en escena a dos mujeres de alrededor de 50 años.
Pero el mayor mérito de Saccani y su equipo está en haber podido decodificar la impronta de un texto que, si bien está intacto, a nivel de puesta se ve enriquecido y revalorizado por el sustento dramático que suponen cientos de guiños tanto para el adentro como para el afuera del teatro rosarino, un hecho que convirtió a la puesta en uno de los éxitos del año tanto para el público como para la crítica especializada.
Del mismo modo, Sebastián Villar Rojas con Moderna, al frente del grupo Pause, ofreció un entramado entre humor bizarro y algo de tragedia, partiendo de su propia dramaturgia y con un interesante nivel de actuación. Moderna no se parece a nada de lo visto en el teatro rosarino de los últimos años, lo cual ya es un mérito en sí mismo. Una trama imbricada, llena de derivaciones, donde juegan un papel fundamental tanto la casualidad como la causalidad, lleva al espectador desde los atisbos más costumbristas de una comedia brillante (incluso con pasajes del viejo vodevil) a un estadio bizarro, atestado de una información científica difícilmente comprobable, donde aparecen como ejes dramáticos la verdad, la mentira, el amor y el fin del mundo.
Por otra parte, el prolífico colectivo Teatro en Rosario, que agrupa la producción de creadores como Gustavo Guirado, Ricardo Arias, Romina Mazzadi Arro y Esteban Goicoechea, entre algunos otros, más allá de lograr su personería jurídica y recorrer algunos festivales con sus propuestas, ultima los detalles de una revista digital destinada a la crítica y la investigación que funcionará dentro de su página web (www.teatroenrosario.com), y que se sumará a un modo colectivo de difusión de sus producciones.
Por otra parte, de sus propuestas 2011, se destaca el estreno de El miedo (dos vueltas de llave), de Esteban Goicoechea, quien pareciera haber conjugado una serie de variables relacionadas con el miedo, aunque traídas a un presente reconocible (doméstico), a partir del cual elaboró la compleja dramaturgia de la obra, que lleva adelante con un elenco concertado, integrado por Paula García Jurado, Gustavo Sacconi y Ariel Hamoui. El espectáculo resultó ganador frente a un prestigioso jurado del primer premio del concurso de obras teatrales de Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti de Buenos Aires, donde, además, se presentó con una serie de funciones a mediados de año.
Entre las singularidades del año que pasó, y alejado de todo lo conocido en materia de teatro infantil, aparece Ito, teatro para bebés, del grupo Vamos Que Nos Vamos, que dirige Carla Rodríguez, quien concretó una propuesta en la que, desde el campo de lo lúdico, se manifiesta a favor de la simpleza y la emoción, merced al gran trabajo de las actrices y titiriteras Laura Carassai y María Soledad Galván.
Partiendo de la idea de concretar una propuesta para bebés de 0 a 3 años, y luego de trabajar de modo “empírico” con su pequeño hijo Teo en el proceso creativo (desde sus 6 meses a los 2 años, y ahora con el título de “codirector”), la actriz y directora, quien lleva adelante desde hace una década el grupo de teatro infantil Vamos Que Nos Vamos, concretó una propuesta en la que lo instintivo e intuitivo es superador de todo prejuicio, en su devenir por contar la historia de cómo un pequeño gusano de nombre Ito se transforma en una colorida mariposa, dejando a su paso una estela de mensajes positivos tales como el compañerismo, la curiosidad creativa y, sobre todo, el respeto y el amor por la naturaleza.
También se destacaron en 2011 La canción del camino viejo, un proyecto de Línea de Tres que juntó el talento del actor y director teatral Miguel Franchi (El 45), junto con el de los actores Santiago Dejesús (Teatro Katástrofa) y Severo Callaci (Teatro de la Huella), del mismo modo que
Guerra fría (lejos de todo), de Juan Hessel, con las actuaciones de Jesica Biancotto, Melisa Martyniuk y Francisco Fissolo,y la versión rosarina de El secuestro de Isabelita, trabajo que implicó el desembarco en Rosario del dramaturgo y director Daniel Dalmaroni.
Si bien la puesta de Dalmaroni, que parte de una anécdota pequeña, busca reflexionar desde el humor (vaya desafío) sobre las contradicciones de la militancia en los años 70, se complejiza (para bien) en un devenir en el que intervienen cuestiones ligadas con aquel momento del peronismo (el de derecha enfrentado al de izquierda), apelando a un ejercicio de memoria en el que se pone en jaque lo ocurrido con el tamiz que implica el paso del tiempo.
De paso por Rosario, otros rosarinos brillaron en los escenarios locales. Tal es el caso de Juan Pablo Geretto, quien regresó y arrasó (en marzo y en noviembre) con su unipersonal Yo amo a mi maestra normal, una singular vuelta de tuerca sobre La Maestra, su personaje más paradigmático. Del mismo modo, pasó por el Centro Cultural Parque de España la extraordinaria versión porteña de La familia argentina, texto de Alberto Ure (estrenado en Rosario por Rody Bertol), dirigido por Cristina Banegas, con las actuaciones de los rosarinos Claudia Cantero (nominada a varios premios por este trabajo) y Luis Machín, y la porteña Carla Crespo.
Sobre fin de año, nuevamente Carla Saccani al frente de Pasillo Teatro abarrotó dos funciones preestreno de su valiosa versión de El malentendido, de Albert Camus, en la sala Lavardén. Del mismo modo, Ricardo Arias, quien se erige como uno de los pocos que se le anima a Shakespeare, volvió a tomar al Bardo como disparador para concretar Las hijas del Rey Lear, con el esperado regreso a las tablas de David Edery junto a las talentosas Vilma Echeverría, Silvia Ferrari, Elena Guillén y Claudia Schujman.
Seguramente, serán estos dos últimos trabajos, de un altísimo nivel en relación con las actuaciones y la puesta en escena, los que descollarán en la temporada que está por comenzar, sumados a una serie de estrenos y reposiciones que, en su mayoría, se esperan para marzo.
Entre las deudas que no se “pagan”, Rosario sigue sin contar con un festival de teatro propio que revele su vasta y rica producción, del mismo modo que aún se adeuda la creación de una Comedia Municipal que, a través del teatro de repertorio nacional, se convierta en el puente hacia otras propuestas más alternativas y le de trabajo a los teatristas locales. También sigue del lado de las “deudas” que las salas oficiales La Comedia (municipal) y Lavardén (provincial) programen teatro rosarino durante todo el año, donde los elencos puedan hacer sus temporadas.
De 2011, vale el intento de Marathon y El malentendido, en La Comedia y la Lavardén, respectivamente, pero todavía no alcanza. Esos espacios deberían estar destinados al teatro local: la calidad que hoy demuestra el teatro independiente rosarino en todas sus variantes amerita el arribo definitivo de sus producciones a esas salas.

El sueño de la felicidad

2011-12-21T08:06:00.000-08:00

EN PANTALLA. El actor, guionista y director Javier Van de Couter habla de “Mia”, película estrenada la semana pasada en Rosario, que cuenta con las actuaciones de Camila Sosa Villada, Rodrigo de la Serna y Maite Lanata. El film se proyectará también mañana, a partir de las 20.30, en el cine El Cairo

Por Miguel Passarini (Publicado en El Ciudadano & la gente, en su edición en papel del miércoles 21 de deiciembre de 2011)
Una historia que debía ser contada: la de Ale, una travesti cartonera que un día encuentra un diario que resignifica su vida, su existencia. La extraordinaria actriz cordobesa Camila Sosa Villada, una travesti que conmovió a cada espectador que vio en los últimos años el maravilloso espectáculo teatral (enmarcado en el formato biodrama) Carnestolendas: retrato escénico de un travesti, donde cruzó a todas las mujeres “yermas” de Lorca (Bernarda Alba, Doña Rosita, entre otras) con su propia condición, realidad e historia, es la protagonista de Mia, ópera prima del actor, guionista, productor y director de cine Javier Van de Couter que el jueves pasado se conoció en los Cines del Centro, donde sigue en cartel, y que mañana, a las 20.30, se podrá ver también en el Cine Público El Cairo (Santa fe 1120).
La película relata una historia dura, singular, marcada por la doble marginalidad (pobreza y discriminación) que muchos gays y travestis vivieron en los años 90. Mia aborda el derecho a la felicidad y a poder formar parte de la comunidad, de quienes han elegido una forma diferente de la “moralmente aceptada”, y permite repasar el tema de la discriminación, la intolerancia, la marginación y la exclusión social, pero también el de la infinita capacidad de amor que, en ciernes, tienen todos los seres humanos.
En su ópera prima, acompañan a Van de Couter, además de la actriz cordobesa, el talentoso Rodrigo de la Serna y la niña Maite Lanata, quien en la presente temporada acaparó la atención de la opinión pública por su rol en El elegido, donde encarnó con singular maestría a una niña autista.
A orillas del río se ha creado la Aldea Rosa, un asentamiento habitado únicamente por travestis y homosexuales. Ale (Camila Sosa Villada) es una de las chicas trans que vive allí. Ella trabaja como cartonera, y en su recorrida diaria encuentra en la calle el diario íntimo de Mia, una joven que ha muerto dejando solos a su marido Manuel (Rodrigo de la Serna) y a su pequeña hija Julia (Maite Lanata). La empatía que siente Ale con Mia al leer el contenido del diario, y el deseo de ocupar su lugar, la llevan a descubrir su verdadera naturaleza.
Mia nació con buena estrella dado que su guión fue premiado en el 30º Festival Internacional de Cine de La Habana, en diciembre de 2008, y seleccionado para participar en el 15º laboratorio de escritura de guiones cinematográficos de Oaxaca (México).
Por su parte la película, que por estos días comienza a pergeñar su estrategia en otros territorios, fue elegida en la sección Descubrimientos Internacionales del 60º Internacional Filmfestival Mannheim–Heiderlberg 2011 (Alemania).
“Fue una gran alegría el hecho de verla a Camila en el teatro y encontrar así a la protagonista de mi película que tanto había buscado. El hecho de verla en Carnestolendas me sirvió para entender que era ella quien debía hacer el personaje; pero además, creo que tuvo que ver con el hecho de que ver esa obra, no es ver una obra más, es una experiencia singular, porque me encontré no sólo con una actriz sino con una artista que entendió mi proyecto y lo hizo propio”, contó a El Ciudadano Van de Couter, quien a los 18 años, en 1994, emigró de su localidad natal (Carmen de Patagones, en Río Negro) a Buenos Aires con el deseo de ser actor.
“Es mi primer largometraje y también la primera película de Camila, que antes sólo había hecho un documental. Su mirada es aquí la mirada protagónica, y ella asumió un compromiso muy fuerte con este personaje: viajó a Buenos Aires dos meses antes de comenzar con el rodaje, se instaló, y se quedó hasta el final. Eso nos permitió ensayar, buscar los lugares del personaje. Tuvimos ensayos con Maite y con Rodrigo, pero sobre todo, tuvimos ensayos con el texto, porque el del film es un texto preestablecido con mínimas improvisaciones que aparecieron para darle verdad a lo que estábamos contando, para llegar a ese tipo de realismo al que queríamos llegar”, relató el director, quien en cine, como actor, participó de films como Un año sin amor y Tres deseos, entre otros.
“En el sentido de tener presente el ensayo y la búsqueda, tanto Camila como yo venimos del teatro, y entonces manejamos un lenguaje parecido. Eso ayudó mucho: su capacidad para entender lo que le pasaba a su personaje hizo que fuera un placer dirigirla, del mismo modo que a Rodrigo, que a la noche siguiente de mostrarle el guión, aceptó hacer el personaje sin imponer ninguna condición. Pero volviendo a Camila, hice un casting muy grande, por el que pasaron chicas de todo el país. Lo que buscaba era una chica trans que diera con el «fisic du rol» de Ale pero también alguien que pudiese entender y vivir la sensibilidad de ese personaje y las cosas que le pasan, que además es un proceso muy distinto al que vive el personaje de Carnestolendas”, relató el director acerca de la actriz que además en teatro protagoniza por estos días Llórame un río, un espectáculo que bucea en evocaciones dramáticas de las emblemáticas cantantes Billie Holiday y Tita Merello.
“Mia parte de un hecho real: una aldea, un asentamiento que existió en Buenos Aires hasta 1998 (estaba en el barrio de Núñez), habitado únicamente por chicas travestis y gays, que de algún modo se habían recluido y conformado un espacio y una red solidaria entre ellos para vivir y para subsistir, porque en ese momento eran doblemente marginales, no solamente por su condición o elección sexual o de género, sino también por ser muy pobres. Ése es el punto de partida de la película, más allá de que esa instancia ocupa sólo un espacio en el relato, porque después, la película relata otra historia, la de Ale, una chica trans cartonera, que es el personaje que interpreta Camila, quien un día, cartoneando, se encuentra con el diario íntimo de Mia, una mujer que ha muerto. Es así como ella empieza a aprender a leer con ese diario, al tiempo que descubre que ese diario es un legado para la hija de esa mujer, que es una nena, y entonces intenta devolvérselo. Y es así como el film ensaya el derrotero de este personaje para tratar de conectarse con esa nena y de algún modo entregarle lo que su madre le ha dejado escrito, con todo lo que eso implica, sumando en el devenir al personaje de un padre embrutecido por el dolor y atravesado por la muerte de su mujer, que es el personaje que interpreta Rodrigo. A partir de allí, la película despliega el vínculo que se arma entre ellos tres”, completó el director acerca de la trama del film.
Respecto de la temática de la película, y buscando correrse del muchas veces incómodo rótulo de “film de género”, el director explicó que Mia “es una película abierta”: “No es una película hermética, y si bien aborda un tema que está relacionado con un debate social que es la Ley de Identidad de Género, y que por lo mismo nos propone una reflexión, es al mismo tiempo, una película abierta hacia otras cuestiones. No sé si la palabra que la define es «amable», pero sí es, desde el género, un film que tiene elementos del melodrama, con sus lugares típicos, que hacen que la historia le llegue al público a partir de la emoción y no desde un lugar agresivo”.
Finalmente, y con relación al momento de apertura respecto de la temática que vive el país, dado que se revela como impensado un film de estas características hace diez o quince años atrás, Van de Couter expresó: “Tengo esa misma sensación, la de pensar que el film terminó concretándose en un momento donde estas problemáticas, por suerte, se pueden hablar libremente, porque ha habido un cambio de conciencia en la gente. De todos modos, yo arranqué con la idea de esta película hace muchos años sin imaginar que iba a estrenarse en éste, en un momento tan particular, con la media sanción de la Ley de Identidad de Género. Creo, en ese sentido, que lo que pasa ayudó para que mucha gente apoyara la película, del mismo modo que es muy saludable acompañar estos momentos de cambio a través del arte. De hecho, si me interesa una militancia es a través del arte, que es desde donde me siento comprometido y cómodo, y con la necesidad de decir algo”.

Historia breve rosarina

2011-12-14T08:16:00.000-08:00

ESTRENO PREMIADO. La actriz Elena Guillén habla del cortometraje “Cuatromil”, su debut en la dirección cinematográfica, que cuenta con las actuaciones de, entre otros, Raúl Santángelo, Agustina Guirado y Mirko Buchín, y que se podrá ver desde mañana y hasta el domingo, a las 20.30, en El Cairo, de Santa Fe al 1100

Por Miguel Passarini (Publicado en El Ciudadano & la gente, en su edición en papel del miércoles 14 de diciembre de 2011)
La carrera artística de Elena Guillén está teñida de algunos momentos marcados por giros importantes. Hace unos años, en 2007, la actriz, conocida en el medio por su clown y alter ego Budineta Borgoña, dejaba temporalmente de lado ése personaje para cargarse uno un poco más pesado: de la mano del actor y director Ricardo Arias (Punto 0 Teatro), Guillén daba carnadura a Como la Gioconda, un unipersonal singular, con mucho tiempo de ensayo, en el que realidad y ficción mostraban a una mujer obligada a contar su propia historia para poder sobrevivir. Se trataba de una mujer frente a los sucesos de su vida intentado justificar fracasos, desilusiones, engaños y cobardías.
Poco tiempo después de ese entrañable (y por momentos doloroso) personaje, Guillén era convocada para participar de una película. Precisamente, fue su paso por el rodaje de Días de mayo, último largometraje del rosarino Gustavo Postiglione estrenado en 2009, donde interpretó a una madre de familia en tiempos del Rosariazo de 1969, lo que la acercó al mundo del cine pero desde adentro. “Me puse a estudiar cine en forma autodidacta, a leer mucho, me apasioné; y entendí que para que exista una buena película tiene que haber un buen guión, y entonces me puse a escribir”, relata Guillén sobre el proceso que, finalmente, la llevó a participar del concurso del Programa Estímulo a la Producción de Bienes Culturales del Ministerio de Innovación y Cultura de la provincia, donde resultó ganadora en el apartado cortometraje junto con otros dos trabajos.
Cuatromil, tal el nombre del material premiado dentro de Espacio Santafesino 2011, es un corto de 13 minutos que se conocerá mañana, a las 20.30, en el Cine Público El Cairo (Santa Fe 1120), donde seguirá en cartel hasta el domingo inclusive. “Es un cortometraje de ficción que dura 13 minutos, o quizás un poco más, y que va a compartir pantalla con El guionista, otro corto rosarino de ficción, y Viaje a la tierra del quebracho, un corto de animación de la ciudad de Santa Fe (ver aparte). Los tres cortos ganaron, en abril de este año, un premio para ser producidos y así programé el rodaje, que fue en invierno. Cuatromil tiene guión y dirección míos, y la historia está ambientada en Rosario, en un departamento de un gran edificio, donde vive una joven que, sin esperarlo, recibe la visita de su padre que aparece en su casa una mañana sin avisar. Ese encuentro, de ribetes un poco forzados, tiene ciertos elementos que hacen que la historia cambie radicalmente para ambos personajes, al menos la de ése día”, adelantó Guillén acerca de la historia de Cuatromil, cuya breve sinopsis detalla, además, que Antonio es un hombre apremiado por un conflicto que debe resolver antes del día siguiente, y para lo cual recurre a su hija, que vive desde hace años en la gran ciudad. Y continúa: “El encuentro sólo evidencia la distancia que se ha ido estableciendo entre ambas vidas, pero un hecho inesperado cambia el destino de los protagonistas”.
Sobe el film, que cuenta con las actuaciones de los rosarinos Raúl Santángelo, Agustina Guirado, Mirko Buchín, Carlos Chiapero y Adela Borella, la directora expresó: “Es una gran alegría que los cortos estén en cartel por cuatro días, es algo infrecuente para las producciones locales que por lo general tienen una sola pasada y sobre todo si son cortometrajes”.
El importante staff de Cuatromil, film que cuenta con una breve intervención del actor y clown Salvador Trapani, se completa, entre otros rubros, con la asistencia de dirección de actores de Carla Saccani, cámara y dirección de fotografía de Pablo Romano, sonido y edición de Ernesto Figge y vestuario y maquillaje de Ramiro Sorrequieta.
Guillén, quien planea rodar un par más de cortos aunque ya está escribiendo el guión de un primer largometraje, siempre “pensando en los actores”, y que recientemente estrenó en teatro Las hijas del rey Lear, también dirigida por Ricardo Arias, reflexionó: “Además de producir, fue un año de gran aprendizaje, porque trabajé con gente que hace cine desde hace más de 20 años. En un momento les dije a todos: «Desde Primer Grado, donde aprendí a leer y a escribir, que no aprendía tanto como ahora»”.
Respecto de su acercamiento al mundo del cine, Guillén reflexionó: “Hace cuatro años trabajé como actriz en Días de mayo, la película de Gustavo Postiglione, y fue una experiencia muy gratificante y seductora. Eso me llevó a estudiar cine en forma autodidacta y a tomar algunos cursos en Rosario. Llegué a la conclusión de que una buena película, antes que otra cosa, debe tener un buen guión, y así empecé a producirlos. Luego surgió el concurso y allí no sólo premiaron el guión sino todo el proyecto, aunque sigo pensando que en el cine, la pata fundante, es el guión”.
Con relación al deseo de hacer cine en Rosario, una tarea compleja por factores ligados a la producción, la actriz y directora expresó: “Quiero hacer cine en Rosario porque quiero ver actuar a ciertos actores locales. Muchas veces siento, cuando veo una obra teatral local o comparto el escenario con algunos compañeros, todo lo que la gente se pierde de lo que ése actor o actriz tiene para mostrar. Fue así que empecé a sentir la necesidad del registro, porque el teatro es un arte efímero, el teatro es cuando uno está, y si uno no está presente, no se conoce esa potencia, se la pierde. Y me pasa lo mismo con la danza. Por ejemplo: recientemente vi el documental Pina (de Wim Wenders, sobre la coreógrafa alemana Pina Bausch, quien murió en 2009), y pensé que era una suerte que alguien haya podido registrar con esa calidad a esos bailarines y su mundo”.
Volviendo a la elección de actores rosarinos para su película y acerca de la potencialidad de la narración, Guillén profundizó: “Me gustan mucho los actores rosarinos porque los conozco, y me gusta mucho la ficción, narrar; estoy convencida de que los relatos de ficción nos amparan en nuestra existencia, nos unen. A través de la literatura, el teatro y el cine, los relatos, nos unen más allá de las ideologías. Siempre nos pasa que uno se identifica en un gesto, en un instante, en un momento de cualquier relato de ficción, y eso hace que uno esté menos solo en el mundo. Y la posibilidad de llevar un relato al cine es la de poder poner ese relato frente a un lenguaje extremadamente potente y rico, potenciarlo”.
Finalmente, Guillén reflexionó acerca de dónde profundiza la mirada un actor cuando dirige: “Hay una dedicación especial en las actuaciones, pero además, creo que pensé mucho en qué actores podían ser esos personajes y estoy muy contenta con los resultados, porque escribí pensando en ellos. Siento que si bien el del cine es un lenguaje muy complejo, y para establecerlo hay que tener en cuenta muchas variables, algo que se termina de entender en la etapa de edición porque allí confluye todo, el actor es el que nos presta su cuerpo para estar ahí y hay que cuidarlo mucho. En ese sentido, tanto desde lo personal como desde la producción, contemplamos
mucho eso, porque yo, ante todo, soy actriz. Los actores son los que esperan mucho ante de cada toma, y cuando se prende la cámara, y se dice «acción», toda esa gente que está alrededor, todos los técnicos, entran en un gran silencio y el que se expone es el actor. Desde ese lugar, si lo pienso, creo que el hecho de ser una actriz que ahora dirige cine, aporta un sello mío, personal”.

Una comedia dramática local, y una animación que llega desde Santa Fe

En el marco de los estrenos de los cortometrajes ganadores de Espacio Santafesino 2011, también se podrán ver, además de Cuatromil, de Elena Guillén, El guionista, una comedia dramática producida en Rosario con dirección de Lisandro Notario, y Viaje a la tierra del quebracho, una animación que llega desde la ciudad de Santa Fe, y que lleva la firma de Manuel Quiñones, al frente de un importante equipo de animadores.
El guionista, cuya duración no supera los 10 minutos, se pregunta ¿qué pasa si uno se enamora de un personaje de ficción? Germán es el guionista de una novela juvenil de televisión y se enamora de Mara, su personaje protagónico, pero detesta a Liza, la actriz que lo interpreta. Este amor impulsa a Germán a tomar decisiones que podrían cambiar su destino.
Con dirección del referido Notario, el corto cuenta con las actuaciones de los rosarinos Miguel Bosco, Brunella Margutti, Atilio Basaldella y Emanuel Gardini.
Por su parte, la animación Viaje a la tierra del quebracho, de algo más de 11 minutos, muestra a un chico que es convocado al pasado a través de un mítico personaje de un pueblo oprimido, donde una empresa forestal explota trabajadores y montes por igual. En su particular odisea, será testigo de sucesos que los identificarán con la historia de distintos pueblos que son uno solo. La dirección pertenece al referido Quiñones, quien además estuvo a cargo de las animaciones junto con Ariana Beilis, Lisandro Schurjin, Manuel Allende y Valentín Gatti.

Por talento y perseverancia

2011-12-09T08:03:00.001-08:00

GALARDÓN. La actriz rosarina Claudia Cantero fue nominada ayer a los premios María Guerrero, en el apartado revelación, por su desempeño en la obra teatral “La familia argentina”, de Alberto Ure. Las distinciones serán otorgadas en julio de 2012 en una ceremonia en el Teatro Nacional Cervantes

Por Miguel Passarini (Publicado en El Ciudadano & la gente, en su edición en papel del viernes 9 de diciembre de 2011)

Se conocieron ayer las nominaciones a los premios María Guerrero que se entregan anualmente a la producción teatral porteña, en cuya grilla figura como revelación la talentosa actriz, directora y docente rosarina Claudia Cantero, quien desde 2004, cuando comenzó con los ensayos de De mal en peor, bajo la dirección de Ricardo Bartis, comparte su tiempo entre Buenos Aires y su ciudad natal.
En el marco de una ceremonia que tendrá lugar en julio del año que viene en la Sala María Guerrero del Teatro Nacional Cervantes, y en la que también aparecen nominados actores como Daniel Fanego y Emilia Mazer (dos de los protagonistas de Vuelo a Capistrano), del mismo modo que Rodrigo de la Serna (por su labor en Lluvia constante), Cantero, nominada por su trabajo en La familia argentina, de Alberto Ure, junto al también rosarino Luis Machín y Carla Crespo, dirigidos por Cristina Banegas, comparte el rubro con Lorena Vega (Salomé de chacra) y Joaquín Berthold (Por amor a Lou).
“Las nominaciones a un premio son importantes porque son un reconocimiento al trabajo y al esfuerzo; y si te lo dan, mucho mejor”, relató Cantero en diálogo con El Ciudadano, respecto de la nominación al María Guerrero, galardón al que ya había sido nominada como actriz de reparto por De mal en peor, trabajo de gran repercusión con el que además giró por Europa, y a partir del cual llamó la atención de directores no sólo de teatro sino también de cine, ámbito donde brilló en films como La mujer sin cabeza (2007), de Lucrecia Martel; Mentiras piadosas, de Diego Sabanés, o Lengua materna (2010), de Liliana Paolinelli.
En otro momento de la charla, la actriz, de importante trayectoria en la ciudad como directora y docente, reflexionó: “Siempre es una alegría ser nominada para un premio. Te confirma para seguir con este empeño por actuar. De algún modo, lo que a mí me pasa, es que le da un marco más formal a mi deseo, porque todo el tiempo necesito confirmar que a alguien más que a mí misma le interesa que yo actúe, y una nominación a un premio viene a apaciguar un poco ese fantasma; en realidad, viene muy bien”.
Respecto de candidaturas anteriores, la actriz recordó: “Me nominaron varias veces por el trabajo en De mal en peor; una vez por la película La mujer sin cabeza, y dos veces, incluida ésta, por La familia argentina (la otra, a los Premios Teatro del Mundo como mejor actriz protagónica), pero nunca me premiaron, así que no puedo hablar mucho de lo que significan para mí los premios; tengo que esperar a que me pase. Desde 2004 trabajo en Buenos Aires, los proyectos fueron muy diversos, trabajé con personas a las que admiro mucho, y eso no te ocurre con frecuencia, tengo que agradecer mucho por todo eso, porque ése es también un reconocimiento profesional”.
Los premios María Guerrero a la producción teatral 2011 se entregarán bajo el parámetro de un jurado integrado por Rómulo Berruti, Rosa Celentano, Magdalena Faillace, Jorge Lafauci, Juan Lavanga, Carlos Llorens, Linda Máximo, Luis Mazas y Ana Seoane.
Además de las habituales ternas en los diferentes rubros, en el marco de la misma ceremonia, se otorgará un reconocimiento a la trayectoria para los consagrados y legendarios actores Beatriz Bonet y Pepe Soriano, del mismo modo que se entregarán menciones especiales a La reina de la belleza, de Leenane de Martin McDonagh, con producción de Gloria López; La historia del señor Sommer (Pep-Tosar) y Ciclo El Cervantes en el Cervantes.
Además, este año, los diplomas de reconocimiento serán para Alejandro Finzi (dramaturgo de Neuquén), Carlos Alsina (autor y director de Tucumán) y Casa-Museo Isaac Fernández Blanco.
Entre los rubros más relevantes, como mejor actriz protagónica, aparecen nominadas Maricel Álvarez (Hécuba o El gineceo canino), Claudia Lapacó (Filosofía de vida), Emilia Mazer (Vuelo a Capistrano) y Roxana Randón (Bastarda sin nombre), al tiempo que en el mismo rubro, pero masculino, los candidatos son Daniel Fanego (Vuelo a Capistrano), Rodrigo de la Serna (Lluvia constante), Pablo Alarcón (Edipo.com) y Enrique Papatino (La importancia de llamarse Ernesto).
Finalmente, en medio de una larga lista de rubros técnicos, como mejor autor argentino, los candidatos a recibir el María Guerrero son Cristina Escofet (Bastarda sin nombre), Héctor Levy-Daniel (Yocasta) y Mauricio Kartun (Salomé de chacra).
El premio María Guerrero fue creado en 1984 por la Asociación Amigos del Teatro Nacional Cervantes, en homenaje a la actriz española que hizo construir la emblemática sala, inaugurada en 1921. Los premios se entregan anualmente y distinguen a las distintas disciplinas de la creación teatral, del mismo modo que a la trayectoria de actores y actrices nacionales.

Pasión por un arte efímero

2011-11-30T09:58:00.000-08:00

NUEVA GENERACIÓN. La Escuela Provincial de Teatro y Títeres Nº 5029, de Viamonte y Moreno, lanza la edición 2011 de “La Escuela produce”, ciclo de estrenos que involucra a los egresados de las carreras de Actuación y Dirección, que se extenderá desde hoy y hasta el 15 de diciembre, en La Capilla y en el CEC, con entrada gratuita,

Por Miguel Passarini (Publicado en El Ciudadano & la gente, en su edición en papel del 30 de noviembre de 2011)
Nuevamente, la Escuela Provincial de Teatro y Títeres Nº 5029 de Viamonte y Moreno, pondrá a disposición del público su producción 2011. Se trata de un atractivo ciclo de estrenos que, bajo el nombre La Escuela produce, comenzará hoy y se extenderá hasta 15 de diciembre, con entrada gratuita en todas las funciones, que tendrán lugar en el Centro de Expresiones Contemporáneas (CEC, Paseo de las Artes y el río) y La Capilla (sala de la Escuela de Teatro y Títeres, de Viamonte 1993).
Se trata de siete nuevos estrenos correspondientes a los alumnos que egresan de las carreras de Actuación y Dirección, cuya impronta, seguramente, marcará el destino del teatro independiente de producción local de los próximos años, dado que las dos escuelas de teatro locales se han convertido en verdaderos semilleros de actores, directores y docentes.
“Es un período del año en el que la Escuela de Teatro muestra su producción en el marco de las carreras de Dirección y Actuación; es un momento en el que la Escuela abre sus puertas al público, porque hay funciones programadas en La Capilla, que es la sala en la que se montan los espectáculos, que ha sido remodelada, más allá de que algunos, por razones de espacio y programación, se muestren en el CEC”, relató la actriz María Florencia Sanfilippo, quien junto al director y dramaturgo Juan Pablo Giordano tiene a su cargo la coordinación del evento.
De este modo, La Escuela produce 2011, arrancará esta noche, a las 20, en La Capilla, con el estreno de Helena en los ojos del tiempo, con dirección de Pablo Boffelli.
Se trata de una obra inspirada en Locos de amor, de Sam Shepard, que cuenta con las actuaciones de Alberto Drogo, Paula Viel y Ariel Hamoui. “En realidad, Locos de amor fue un disparador, y su elección fue consecuencia de varias cosas: cuando nos juntamos con los actores apareció un cuento de Alejandro Dolina, sobre un personaje que cuando cumple 15 años se encuentra con él en un parque a los 35 y viceversa. Ese fue el indicio de que, entre otras cosas, el teatro te permite jugar con el tiempo; y después, de Locos de amor, me interesó el vínculo de la pareja, que es muy intenso, muy difícil de explicar. De hecho, la obra original empieza con una cita del arzobispo Anthony Bloom que dice: «La adecuada respuesta al amor es aceptarlo. No hay nada que hacer». Creo que esa frase resume el singular vínculo que finalmente tienen estos dos personajes en escena, una pareja que a pesar de que se aman locamente a lo largo del tiempo, no pueden estar juntos sin una razón aparente, más allá de que al estar juntos se hacen daño”, relató Boffelli.
“Como cierre de mi carrera de Dirección elegí poner en escena Telarañas, de Eduardo Pavlovsky (se verá el 6 de diciembre, a las 20, en La Capilla). La obra cuenta con las actuaciones de Julia Tarditti, Nicolas Palma y Federico De Battista, y asistencia de Carla Tealdi. Me interesa la forma de escritura de Pavlovsky, los juegos que se pueden dar a través del texto. Es una comedia negra, cercana a un grotesco, que relata la historia de una familia. Intentando traer la obra al presente, la fuimos mechando con lo que nos pasó y nos pasa en este tiempo a los argentinos. El hecho de traerla al presente tiene que ver con que fue escrita a mediados de los años 70, por lo tanto, lo que montamos es una versión que corre el texto de la problemática de la dictadura y se mete más dentro de la problemática de una familia”, relató por su parte la novel directora Malen Meazza.
A su tiempo, Lishai Blau, egresada de la carrera de Actuación, habló de Los disfrazados, de Carlos Mauricio Pacheco, que se verá el 4 de diciembre a las 20, y el 5 a las 22, en el CEC, cuyo elenco completan Alberto Drogo, Andrés Gulla, Leandro Martíne, Maela Morelli, Ana Baldino, Yanina Gaggino, Agostina Cisnero y Nuris Pampiglioni, bajo la dirección de Matías Martínez. “Es una adaptación de esta obra escrita en 1906. Somos nueve actores de un grupo de 16 que fue dividido en dos, y es un sainete cuya adaptación del texto la hizo Matías Martínez, que fue el docente elegido para montar el espectáculo, y con quien llevamos adelante todo este proceso que tiene como objetivo entender, también, algunas cuestiones de producción”, contó Blau.
Los siete actores restantes ultiman los detalles de una versión de El organito, de Amando Discépolo, que se conocerá mañana, con dos funciones, a las 20 y a las 22, en el CEC. “Es un grotesco clásico de Discépolo que habla de una familia de inmigrantes cuando llegan al país en medio de la pobreza más absoluta. La obra pone de manifiesto la manipulación del padre para con los hijos; en ese punto también se vuelve muy actual”, relató Mariana Pérez Vivas, quien integra el elenco junto con Renata Moreno, Nicolás Palma, Florencia Passoni, Aimé Lezcano, María Eugenia Recca, Victoria Faerman, también bajo la dirección de Martínez.
La lista de obras se completa con la presentación de Doble concierto, de Norman Briski, con dirección de Judith Ganón, que se verá mañana a las 20 y a las 22, en el CEC, a cargo de los egresados de la carrera de Actuación del turno noche, con las interpretaciones de Débora Herrero y Esteban Cavallero. Se trata de una obra escrita y estrenada por el propio Briski como protagonista, posterior a la crisis argentina de 2001, donde se refleja la decadencia de la clase media alta.
Del mismo modo, la lista de obras de la carrera de Dirección la completa una versión de Casa de muñecas, clásico de Henrik Ibsen, que se conocerá el 15 de diciembre, a las 20, en La Capilla, y que cuenta con las actuaciones de María Borgobello, Tania Scaglione, Leonardo Zucca y Juan Cantano, bajo la dirección de Irupé Vitali.

Un canto dantesco y visceral

2011-11-28T08:54:00.001-08:00

ESTRENO TEATRO. Carla Saccani habla de “El malentendido”, de Albert Camus, obra del grupo Pasillo Teatro, que cuenta con las actuaciones de María Belén Ocampo, Vilma Echeverría, Daniel Feliú, Daniel Covacevich y María Romano, que esta noche, a partir de las 20.30, se presenta en la sala Lavardén, de Sarmiento y Mendoza

Por Miguel Passarini (Publicado en El Ciudadano & la gente, en su edición en papel del lunes 28 de noviembre de 2011)

La diversidad de poéticas sumada a un real sentido de profesionalización son las marcas más fuertes en la producción teatral rosarina del último lustro. De una nueva camada de creadores, la actriz y directora Carla Saccani se despega del resto por prepotencia de trabajo, intuición e inteligencia. La prueba más contundente es su abigarrada versión de Fraternidad, de Mariano Moro, una ópera prima que se destaca entre lo mejor del año que termina. Pero para confirmar que no se trató de una casualidad o de cómo, muchas veces, en el teatro opera la suerte del principiante, la directora, al frente de su grupo Pasillo Teatro, dará a conocer esta noche, a las 20.30, en la sala Lavardén (Sarmiento y Mendoza, donde volverá a presentarse el sábado, a las 21.30), una incuestionable versión de El malentendido, de Albert Camus, un autor que desde sus años de estudiante de teatro se volvió un deseo y una referencia para Saccani.

“Amo a Camus porque amo a los escritores, porque comprenden el mundo como nadie, porque lo crean, porque nunca se resignan a la palabra muerta; porque en eso consiste su «estar en este mundo», porque no agachan la cabeza frente a los muros de lugares comunes que se levantan en el discurso cotidiano como pestes silenciadoras, porque nunca dicen ni escriben algo porque «algo hay que decir»”, escribió Saccani hace unos días en su muro de Facebook con la fruición que caracteriza su compromiso frente a la elección que hace tiempo hizo por el teatro, y en lo que se revela como una especie de aguafuerte con aires de declaración amorosa hacia ese autor que, como pocos, supo del teatro desde adentro, y escribió desde el desencanto y la pérdida en medio de una Europa entre dos guerras e imbuido, entre otras cosas, por la filosofía de Nietzsche.

Rodeada de un elenco de grandes actores rosarinos, integrado por María Belén Ocampo, Vilma Echeverría, Daniel Feliú, Daniel Covacevich y María Romano, con la asistencia de dirección de María Florencia Sanfilippo, la escenografía de Cristian Grignolio, el vestuario de Ramiro Sorrequieta y la música de Esteban Sesso, entre otros rubros de importancia, y apelando a un inusual sentido de producción (la obra ganó una de las Coproducciones Municipales 2011, y cuenta con el apoyo del Centro Cultural Parque de España y la Alianza Francesa), Saccani parece querer apostar por la recuperación de un público: “Pasillo Teatro tiene como premisas revalorizar el texto teatral, profesionalizar el oficio del actor y hacer una apuesta fuerte en la difusión de sus espectáculos para acercar al público general al teatro que se produce en Rosario”, asegura, al tiempo que sostiene que “el teatro sin el público no tiene sentido”.

El malentendido, escrita en 1944, relata una historia fuerte, atravesada por el suspenso y encarnada en personajes que la directora describe como “memorables”. Segunda posguerra europea: Marta (María Belén Ocampo) y su madre (la enorme Vilma Echeverría), dueñas de un hotel en las afueras de un pueblo, tienen el secreto oficio de asesinar a los huéspedes solitarios para quedarse con su dinero. Para hacerlo, despliegan una serie de rutinas, “desconcertantes para el recién llegado”, con el objetivo de descubrir si se trata de la víctima indicada, es decir si está solo y si tiene suficiente dinero. La llegada de Juan (Daniel Feliú), un hombre de clase alta y muy condescendiente, enciende la ferocidad de Marta, que no nota que este hombre no ha llegado solo sino junto a María, su mujer (María Romano). Si todo le sale bien, ésta será la última víctima y así podrá abandonar el hotel para conocer el mar, su sueño más anhelado. Pero los planes se complican severamente cuando las hoteleras, “dos mujeres asesinas” tal como las define de la directora, descubren la verdadera identidad del visitante, al tiempo que un silente criado (Daniel Covacevich) es el testigo de todo lo acontecido.

—¿Cómo fue el proceso de armado de “El malentendido” , en el que te planteaste, al mismo tiempo, respetar y actualizar a Camus?

—Fue un proceso muy largo: un año y siete meses desde que comenzamos, teniendo siempre presente la idea de la escucha hacia los demás, con muchos cambios de rumbo, mucha prueba de cosas diferentes, tratando siempre de construir, sin destruir lo que ya estaba. Fue así que se fue armando El malentendido. Quizás por esto es que ahora, con el trabajo terminado, veo muchas capas y recuerdo esos momentos en los que nos inclinábamos por algo más realista, y otros donde virábamos hacia algo más extrañado. El trabajo me resulta hoy muy interesante porque puedo ver plasmadas esas distintas etapas del proceso, y al mismo tiempo, la obra está intacta.

—¿Por qué elegís Camus, qué cosas de su obra se revelan como irresistibles en relación con tu visión de lo que debe ser el teatro hoy en Rosario?

—Lo elijo por varios motivos: primero porque es una autor muy duro, muy inteligente, ácido y brutal. Es un autor al que llegué en la adolescencia, hace unos quince años (hoy tiene 31). Lo primero que leí fue El extranjero y llegué desde (Ernesto) Sabato, por una recomendación de esas que te dicen: “Si leíste El túnel y te gustó, te va a volar la cabeza”, y fue verdad. De hecho: a El extranjero vuelvo siempre y no me pasa lo mismo con El túnel. Pero además, la obra completa de Camus es como que te agarra de la solapa y te dice: “Pará y pensá”. Yo siento que es una autor cuya vigencia radica en que te destruye todas esas verdades de las que uno se suele agarrar cotidianamente para darle sentido a lo que hace. Muchas veces, cuando más nos damos cuenta de que estamos creyendo en cosas que a lo mejor son superficiales, aparece la angustia, y una vez que está allí, afloran las verdades más profundas, y eso resignifica todo.

—¿Y por qué “El malentendido”?

—Porque me parece que es un canto dantesco contra la buena onda porque sí, por eso para mí es tan interesante poner en escena a un autor existencialista como Camus, hoy, en Rosario. Siento que vivimos dentro de un discurso que está todo el tiempo diciendo: “Bueno, ya va a pasar, todo va a ser para mejor, está todo bien, seguí adelante y si ves algo malo, mejor no lo digas, para qué vas a boicotear”. Siento que Camus es una trompada contra ese discurso y al mismo tiempo, es una vivificación de la palabra. Creo que en ese punto también radica nuestra decisión como grupo de trabajo de hacer ensayos abiertos con la prensa, sumar opiniones, algo que es duro pero muy enriquecedor: soportar la angustia de ese momento y poder cambiar de rumbo a tiempo. Elegir Camus tiene que ver también con darle lugar a la palabra, y una palabra con sentido, y lo digo también desde lo macro: estamos en una época donde tenemos una presidenta que es un lujo escucharla hablar, porque te convoca y te invoca, te llama a imitar su energía, su inteligencia, su lectura. Para mí, escuchar hablar a Cristina, es una especie de poesía. Estamos en una época con un norte, y eso me alienta a proponer desde el teatro, porque hoy estamos con un nuevo paradigma en relación con la palabra.

—¿Cómo definirías lo que acontece en la sinuosa y al mismo tiempo revelada trama de “El malentendido”?

—El malentendido, con ese nombre tan inquietante que tiene, es una especie de policial negro en el que dos mujeres, Marta y su madre, de la cual nunca nos enteramos el nombre, administran un hotel muy particular en la segunda posguerra europea. De hecho, este hotel está perdido en un puntito del centro de Europa, alejado de todo. Estas mujeres tienen la obsesión de conocer el mar, sobre todo la hija, porque la madre vive cansada. A partir de este deseo, asumen el oficio de ser asesinas, porque así lo viven, como un oficio: son hoteleras y también son asesinas, y despliegan una cantidad de rutinas para poder concretar esos asesinatos, en particular con la elección de sus huéspedes, porque no matan a cualquiera. Ellas matan a aquellos que se encuentran solos y después de averiguar que tienen dinero. Todo parece transcurrir en este clima de policial negro, con muchos planteos filosóficos sumamente atractivos, hasta que aparece un huésped inesperado, alguien que oculta su identidad, les miente, no dice quién es en realidad. Cuando llega el momento en el que estas mujeres descubren de quién se trata, todo cambia en la historia, y es allí donde las palabras de Camus adquieren un sentido demoledor.

—¿A qué te referís cuando hablás del sentido demoledor de esas palabras?

—Camus es un autor que habla de la muerte, del dolor, de la angustia, del sinsentido de la vida. De hecho: hay una pregunta radical en El malentendido que para mí no es ni vieja, ni pasada de moda, y que tiene que ver con cuestionarse si tiene o no sentido estar vivos, y si ese sentido realmente existe, preguntarse cuál es, qué le podemos aportar cada uno de nosotros al mundo en el que vivimos, a la profesión en la que nos desarrollamos, a la gente que tenemos cerca, para que no sea sólo vivir para disfrutar, pasar el día y llenar el tiempo.

Pequeñas grandes maravillas

2011-11-22T08:27:00.000-08:00

CRÍTICA TEATRO

Con “Ito, teatro para bebés”, el grupo Vamos Que Nos Vamos, que dirige Carla Rodríguez, concreta una propuesta en la que, desde el campo de lo lúdico, se manifiesta a favor de la simpleza y la emoción

ITO, TEATRO PARA BEBÉS
Dramaturgia y dirección: Carla Rodríguez
Actúan: Laura Carassai, María Soledad Galván
Objetos: La Querida Crochet
Música Original: Esteban Sesso
Sala: La Manzana

Por Miguel Passarini (Publicado en El Ciudadano & la gente, en su edición en papel del martes 22 de noviembre de 2011)
Un bebé, muchos bebés, muchos objetos en un espacio lúdico, dos magníficas actrices-titiriteras y manipuladoras de objetos (Laura Carassai y María Soledad Galván) y la perfecta invitación al juego, a esa instancia primitiva en la que el cuerpo pone en primer plano los sentidos por encima de todo lo demás.
Ito, teatro para bebés, uno de los pocos espectáculos de producción independiente local que puede jactarse de haber concretado una temporada exitosa (se presentó desde junio hasta hace pocos días, todos los sábados en La Manzana, incluso en algunos casos con dos funciones, y prepara su regreso), ofrece la posibilidad de acercarse a un universo narrativo que más allá de su simpleza se vuelve sencillamente maravilloso.
Partiendo de la idea de concretar una propuesta para bebés de 0 a 3 años, y luego de trabajar de modo “empírico” con su pequeño hijo Teo en el proceso creativo (desde sus 6 meses a los 2 años, y ahora con el título de “codirector”), la actriz y directora Carla Rodríguez, quien lleva adelante desde hace una década el grupo de teatro infantil Vamos Que Nos Vamos, concretó una propuesta en la que lo instintivo e intuitivo es superador de todo prejuicio, en su devenir por contar la historia de cómo un pequeño gusano de nombre Ito se transforma en una colorida mariposa, dejando a su paso una estela de mensajes positivos tales como el compañerismo, la curiosidad creativa y, sobre todo, el respeto y el amor por la naturaleza.
Con sonidos de pájaros, la naturaleza se vuelve profusa aunque no se ve, en un territorio habitado por personajes reconocibles más allá de su recreación específica: la lana que arma la trama colorida de sus cuerpos (irresistiblemente bellos los muñecos de La Querida Crochet) urde un juego en el que los colores y las formas toman partido por la fábula.
Poco después que la propia directora pide a los papás que “confíen sus bebés” (de hecho, el espectáculo está pensado para ellos), la máquina teatral se pone en marcha. Así, el gusanito en cuestión, curioso por conocer el mundo, verá cómo días y noches se sucederán frente a la mirada impávida de los singularísimos espectadores, en un territorio en el que no faltarán un árbol desafiante al que habrá que ascender, nocturnas luciérnagas, el gallo que canta en la mañana, las inefables vaquitas de San Antonio, la Hormiguita Viajera, el simpático Grillo Cantor y hasta un ralentado caracol.
De cualquier modo, el misterio de todos los bichos del jardín, tendrá su climax con la consagración de lo mágico: el gusano convertido en mariposa, en medio de una lluvia de nubes y de la irrupción del momento más lúdico, cuando los convidados pasarán a ser protagonistas “invadiendo” con fruición el “anhelado y contemplado” espacio escénico, en medio de montañas de almohadones convertidos en nubes y de la complicidad de la lluvia y el arco iris, en uno de los momentos más mágicos de toda la propuesta, dada su simpleza y profundidad.
Sucede que más allá del trabajo con los niños, Ito, teatro para bebés es, también, un redescubrir del mundo de los juegos para los padres, que atentos a lo placentero que resulta el costado más performático del espectáculo, se involucran poniéndole el cuerpo y participando, en medio de canciones (la música original fue compuesta por Esteban Sesso) que invitan al juego y a la simple diversión.
Pero por encima de todo, el espectáculo revela como gran aporte la búsqueda y creación de un público, acercando a los más pequeños al teatro, una tarea que desde el campo de lo lúdico se vuelve toda una revelación.

Acerca de la ingratitud de los hijos con el padre

2011-11-18T08:10:00.000-08:00

RICARDO ARIAS ESTRENA ESTA NOCHE, A LAS 22 EN LA NAVE, “LAS HIJAS DEL REY LEAR”

Publicado en El Ciudadano & la gente, en su eidición en papel del viernes 18 de noviembre de 2011
Tras montar La tragedia de Ricardo III, basada en el texto clásico de Shakespeare (Ricardo III), que se presentó a lo largo de dos temporadas en la ciudad, el actor, director y docente Ricardo Arias estrenará esta noche, a las 22, en la sala La Nave (San Lorenzo 1383), al frente de un elenco concertado, una versión de otra de las tragedias del Bardo, Rey Lear, que bajo el título Las hijas del Rey Lear hará foco en el vínculo de las míticas hijas del legendario personaje y sus temas principales: el desapego de los hijos para con los padres, la vejez y hasta la locura.
Con las actuaciones de las talentosas actrices Vilma Echeverría, Silvia Ferrari, Elena Guillén y Claudia Schujman, y el regreso a los escenarios del reconocido actor rosarino David Edery, quien en 2010 volvió a la dirección con una versión de Sacco y Vanzetti, la puesta ofrecerá una nueva función (las únicas del año, al menos por el momento) el próximo viernes 25, en el mismo horario.
Arias, quien desde sus comienzos en el teatro independiente local ya mostró un interés especial por la obra del autor inglés (se recuerda su versión de Macbeth estrenada en los 90 al frente del grupo La Cicuta), reflexiona sobre Rey Lear: “Shakespeare nos interpela, nos pone a prueba, nos confronta con nuestras capacidades, nuestra soberbia y nuestras creencias. Muchos especialistas
sostienen que Rey Lear es una obra irrealizable, imposible de escenificar, y allí está el gran reto: versionamos porque no podemos hacer otra cosa, tiene algo de sacrílego intentarlo y también de sagrado, y no sabemos si podremos aun mientras lo intentamos”.
Y agrega respecto de su trabajo: “Por todo esto, la versión de Rey Lear que montamos en primera instancia implica la vulgarización del otro Rey Lear, el shakesperiano. Nuestro Lear deja de ser Rey y puede ser nuestro padre-rey, nuestro abuelo-rey o nosotros mismos en el fin de nuestros días intentando saldar cuentas con la vida. Desear una buena muerte conduce a Lear al peor de los destinos al «destino trágico». Querer prevenir futuras discordias, las precipita y lo más temido sucede. Así, desterrado en su propio reino, se convierte en lo que siempre fue: sólo un hombre”.

Delirio erotomaníaco de una costurera

2011-11-16T09:12:00.000-08:00

TEATRO. La actriz rosarina María Caila protagoniza el unipersonal de humor “Queridísimo Bernardo”, en el que ironiza acerca de la particular figura de Bernardo Neustadt, que se presenta los sábados, a las 22, en la sala Caras y Caretas, de Corrientes al 1500

Por Miguel Passarini (Publicado en El Ciudadano & la gente, en su edición en papel del miércoles 16 de noviembre de 2011)
Desde que el mundo es mundo, la información representó poder, y su manipulación, un peligro latente. Figura detestable y representativa de los peores “logros” del menemato, el periodista y operador político Bernardo Neustadt, ése mismo que tantas veces convenció a Doña Rosa de que lo mejor que podía pasarle a los argentinos era que un peso y un dólar sean la “misma” cosa, sirvió de inspiración para la escritura de Querido Bernardo libro que a su vez fue el disparador para el montaje de Queridísimo Bernardo, título de una propuesta teatral que se presenta los sábados, a partir de las 22, en la sala Caras y Caretas (Corrientes 1518).
Queridísimo Bernardo es un trabajo que devuelve a los escenarios a la talentosa actriz rosarina María Caila, quien a lo largo de su trayectoria integró el recordado grupo De La Acción, que liderara Norberto Campos (fallecido en 2003), a quien la actriz considera su gran maestro.
La pieza relata la historia de Rebeca Rosa, una costurera que, sin importarle lo que digan los demás, “y aunque lo tuviera que pagar con el precio de su vida”, se enamora hasta la locura del inefable Bernardo Neustadt, mentor del ciclo Tiempo nuevo, que por varias temporadas se vio en la pantalla chica argentina.
Según adelanta el parte de prensa, “se trata de un relato de erotomanía y de los desvelos de una mujer que quiso comprender la mente perversa del periodista Bernardo Neustadt”. Sucede que Queridísimo Bernardo cuestiona un período de la historia reciente, “y desde la intrincada personalidad de Rebeca, invita a una interpelación de circunstancias de la vida política argentina”, en particular la de los años 90. La obra es una adaptación del libro Querido Bernardo, de Claudia Selser, con textos de Lorena Rey Clerembault, bajo la dirección general de Gigí Barúa, con escenografía e iluminación de Osvaldo González Rubio, vestuario de Leo Colonna y gráfica de Maite Dujovne, con la participación como voz en off del actor y humorista Carlos Ragona.
“Esta es una historia de nuestro tiempo, de lo que somos nosotros, del ser argentino. La obra surge a partir de la adaptación de un libro Claudia Selser, Querido Bernardo, quien entre otras cosas escribió en la recordada revista Humor. De hecho, ella fue quien nos autorizó la adaptación, que obviamente toma elementos del libro y otros los ficciona. Claudia hizo un gran trabajo en ese libro, porque es una investigación exhaustiva acerca de las contradicciones de este personaje tan singular, vinculado a los avatares sociopolíticos de nuestra historia reciente”, relató Caila en diálogo con El Ciudadano.
La actriz, que en la obra recrea a una costurera que habita una pensión y que está obsesionada con Bernardo Neustadt, quien murió en 2008 y que, entre otros títulos, lució por varias décadas el de “pionero” del periodismo político en la televisión argentina, detalló acerca del personaje: “En cierta forma, la obra está también ligada a la psiquiatría, porque el del personaje es un caso de delirio erotomaníaco (patología por la cual el afectado está convencido de que otro individuo está enamorado de él), porque esta mujer, Rebeca Rosa, está muy enamorada de Neustadt, y es una mujer feliz, porque en realidad ella justifica a este hombre y su cuestionable accionar, hasta que en un momento sufre una especie de traición que la hace ver las cosas de otro modo. En realidad, el que entabla un diálogo con la posición política de Rebeca es el personaje de Tucho, un amigo de esta mujer que vive en la pieza de arriba de la misma pensión, y que nunca aparece, pero es él quien habla y discute con ella acerca de este personaje. Más allá de todo, por su patología, Rebeca está convencida de que Bernardo sabe de su existencia y de que, finalmente, se tendrá que casar con ella”.
Respecto de la singular patología que padece el personaje, la actriz también detalló: “La erotomanía es una enfermedad en la que las personas se enamoran y obsesionan, generalmente, con personajes famosos, y estas personas están convencidas de que estos personajes vendrán por ellos, le declararán su amor”.
Con relación a los mecanismos de manipulación que supo poner en práctica el tristemente célebre Bernardo Neustadt, Caila analizó: “Yo creo que era un tipo de una gran inteligencia, con un gran manejo del discurso frente a cámara, aunque eso era usado como una mecanismo terriblemente perverso. Como dice el texto de la obra, «hay gente que envenena el alma de los pueblos desde los medios de comunicación», por eso también creo que es un momento del país que es muy interesante para decir estos textos, porque más allá de que se está hablando de un personaje que ya no vive, lo que se dice, lo que se analiza sobre los medios de comunicación, es aplicable a lo que pasa ahora, donde por suerte hay muchas cosas que están saliendo a la luz”.
La actriz habló también acerca de lo que pasa con el público frente al tratamiento de un personaje popularmente conocido: “Se da algo singular, mucha cara de sorpresa y de cierta incomodidad cuando, por ejemplo, se escuchan los dichos de Bernardo, que aparecen a través de un audio grabado por (el imitador y humorista) Carlos Ragona, basado en textos reales dichos por él alguna vez. Pasa lo mismo cuando aparecen proyectadas unas imágenes, y la gente rememora momentos de la historia reciente: da la sensación de que Bernardo Neustadt pasa volando por encima de las cabezas de todos y se esconde debajo de las sillas para quedarse. Porque si bien es un espectáculo de humor, al mismo tiempo, es fuerte lo que pasa con lo que se dice: más allá de la risa, estamos hablando de cosas terribles que nos pasaron hace muy poco tiempo, y es algo que tenemos clavado y enquistado, y que quizás con el humor, lo podamos exorcizar un poco y tenerlo más presente para que no se repita nunca más”.

Ojalá que vuelva siempre

2011-11-13T12:43:00.000-08:00

CRÓNICA RECITAL

Por Miguel Passarini (publicado en El Ciudadano & la gente, en su edición en papel del lunes 14 de noviembre de 2011)

La utopía, el dolor, la revolución, el desconcierto, la certeza, el amor perdido, el amor encontrado. Todo convive entre simpleza y complejidad en las letras de las canciones de Silvio Rodríguez, trovador cubano nacido el 29 de noviembre de 1946 en San Antonio de Los Baños, acaso el cantautor iberoamericano dueño de la poética más feroz y encendida, y al mismo tiempo, profunda y evocadora de las últimas tres décadas.

Con los ojos brillosos, seguramente un poco húmedos, y con la convicción de estar delante de un público que valoró verdaderamente su presencia después de una ausencia demasiado larga (hacía 17 años que no se presentaba en Rosario), uno de los mentores de la Nueva Trova Cubana, a poco de cumplir 65 años, pasó el sábado como un rayo de luz por el Hipódromo del Parque Independencia antes unas 8 mil personas, en una noche soñada, en la que regaló a lo largo de tres horas de concierto, todas las canciones, las de antes y las de ahora, en total, alrededor de treinta.

Con su pluma filosa y encendida, Silvio Rodríguez, que el próximo 10 de diciembre actuará en el Museo Nacional de Bellas Artes de Cuba, donde realizó su primera presentación en público hace 44 años, en lo que se revela como uno de los acontecimientos culturales e históricos del año en la isla, armó para el sábado una bella trama de canciones en el contexto de una puesta simple (austera), al tiempo que trazó en la memoria de la mayoría de los presentes (un público que en promedio iba de los 35 a los 45 años) un puente que unió aquellos primeros años 80, con su desembarco en el país y el recordado disco en vivo de 1984 (grabado junto a Pablo Milanés y varios argentinos invitados), y el presente, en el que la militancia y la efervescencia política que vive la Argentina parece querer reconstruir el sueño de la llamada por entonces “primavera alfonsinista”, en el regreso de la democracia, aunque por suerte, lejos de aquella comprensible e inevitable inocencia.

La velada, que trajo a la memoria fogones y peñas, comenzó puntualmente a las 22, tras el paso de la banda argentina La Surca (soporte en toda la gira), con la presentación del quinteto de músicos (cuerdas, vientos, percusión) que lo acompañó a lo largo de la noche, integrado por el Trío Trovarroco (con el destaque del guitarrista Maikel Elizarde Ruano), la exquisita flautista y clarinetista Niurka González y Oliver Valdés en batería y percusión, que al ritmo del son regaló una primera pieza instrumental para poner en clima la noche.

Un primer puñado de temas, algunos de Segunda cita, su último disco editado en 2010, abrió con el recordado “En el claro de la luna”, casi como un guiño a la iluminada velada que vio cómo desde el horizonte, a la derecha del escenario y a punto de comenzar el concierto, la luna aparecía insinuante para apostarse, inquietante, y quedarse iluminando todo el recorrido de una noche que finalizó pasada la una de la madrugada.

En el primer tramo de un concierto prolijo y sin estridencias, fueron de la partida “Sea señora”, “Carta a Violeta Parra”, ambas de Segunda cita, del mismo modo que “Cuentan”, la bella “Virgen de Occidente”, “De la ausencia y de ti”, “Días y flores” (del disco homónimo de finales de los 80) y “Mariposas” (del disco homónimo de finales de los 90).

Claramente compenetrado con la realidad cambiante y compleja que vive la Cuba actual, Silvio fue hilvanando unas pocas pero precisas palabras que, de un modo u otro, se hicieron canciones. En ese tránsito, el cantautor pidió por la liberación de los cinco cubanos que cumplen condena en los Estados Unidos acusados de supuesto espionaje, del mismo modo que habló de los cambios, algunos “necesarios” que acontecen en la isla, pero bregó por que se sucedan “sin perder la esencia”.

Fue así que el segundo tramo, acaso el de las canciones más políticas, abrió con “Sonrisas de papel”, grabado a fines de los años 70, al que se fueron sumando piezas clave de su cancionero como la “Canción del elegido” y “El mayor”, dedicada a la primera revolución de Cuba, la de fines del siglo XIX, para dar paso a una serie de clásicos integrada por “La gaviota”, “El reparador de sueños”, “Óleo de una mujer con sombrero”, “Escaramujo”, “Quién fuera” y una singular versión de “La maza”.

Conocida su generosidad, Silvio no estuvo solo en su vuelta a Rosario después de tantos años. Poco después del primer set de canciones, presentó a su compatriota, el cantautor Amaury Pérez (emocionado, interpretó tres temas de su autoría y agradeció la oportunidad a su amigo “más talentoso”), y tras el segundo, que terminó con “La maza” sobre la medianoche, los invitados fueron los también cubanos Santiago Feliú y la ascendente cantautora Yusa (ya conocida en la ciudad), para cerrar como un último eslabón de una estirpe de trovadores cubanos de diferentes generaciones, creada por el propio Silvio Rodríguez y Pablo Milanés, entre otros artistas, a finales de la década del 60.

Poco después de ser distinguido por el Concejo Municipal local como Visitante Ilustre de la ciudad, y ajeno a cualquier discurso formal, el agradecimiento llegó con más canciones. Así, el tercer set, el más compacto y a poco del cierre, abrió con el himno “La era está pariendo un corazón”, para seguir con “El necio” y “Demasiado”, a lo largo de un recorrido que abundó en canciones de todas las épocas.

“Ojalá” fue el tema elegido para el cierre poco antes de los bises (no podía faltar). Un coro bastante afinado repasó su letra marcada a fuego: fueron “la palabra precisa, la sonrisa perfecta”. Silvio miró a la multitud que lo ovacionaba, levantó los brazos y los abrazó a todos, estaba en la ciudad del Che. La emoción fue inevitable: ese hombre de cuerpo pequeño y de presencia irradiante dejó un mensaje de coherencia, todos lo escucharon, nadie quería que se vaya, será porque la coherencia no abunda.

Y entonces, llegó por fin el momento en el que el concierto mutó en ceremonia: el público se quedó de pie, lo más cerca posible del escenario, para que vuelva. Silvio reapareció, cámara en mano, para inmortalizar el momento fotografiando él mismo a los presentes, y acto seguido entonar las inconmensurables “Te doy una canción”, “Pequeña serenata diurna”, “Ángel para un final”, “La gota de rocío”, la enorme (y muy pedida toda la noche) “Playa Girón” y, poco después, con el público decidido a ir por más, llegó el turno de “Paula” mientras algunos abandonaban el predio pletóricos de felicidad.

A esa altura, la despedida ya era inevitable. Todo fue pura belleza y emoción; el tiempo pasó, los 80 pasaron, pero él estuvo allí nuevamente, y ojalá que vuelva siempre.

De paseo por la diversidad

2011-11-08T11:57:00.000-08:00

BALANCE DE LA 8a EDICIÓN DEL FESTIVAL ARGENTINO DE TEATRO

Durante seis jornadas que finalizaron el domingo, se presentaron en la ciudad de Santa Fe once espectáculos de diversos puntos del país. El público, que llenó todas las funciones, fue el gran protagonista

Por Miguel Passarini (Publicado en El Ciudadano & la gente, en su edición en papel del martes 8 de noviembre de 2011)
Luego de seis jornadas, finalizó el domingo la 8ª edición del Festival Argentino de Teatro, que anualmente organiza la Universidad Nacional del Litoral (UNL), cuya última noche tiene, año tras año, y como gran protagonista, el esperado estreno de la Comedia de UNL.
De este modo, con el público en primer plano, y tras la presentación de diez propuestas de diferentes puntos del país que fueron vistas por alrededor de 7 mil espectadores en 14 funciones, el cierre estuvo a cargo de La penúltima oportunidad, con dramaturgia y dirección del santafesino Rafael Bruza, y las actuaciones de las reconocidas actrices Cristina Pagnanelli y Silvana Montemurri.
De una programación variada, alejada de producciones recientes y más ligada a la calidad de las propuestas, que en este caso llegaron desde Rosario, Santa Fe, Córdoba, Río Colorado, Mendoza, Buenos Aires y San Juan, se destacaron algunos espectáculos que ya hicieron su recorrido. Tal es el caso de Tercer cuerpo, del director porteño Claudio Tolcachir, en el que el creador, luego del éxito y el reconocimiento que implicó en su carrera la elogiada La omisión de la familia Coleman, volvió a trabajar sobre la idea de superposición de planos tanto espaciales como dramáticos, tomando aquí las historias de cinco personajes que se cruzan en una oficina a punto de ser disuelta.
De este modo, Tercer cuerpo, que lleva como subtítulo “la historia de un intento absurdo”, apela precisamente a elementos del realismo absurdo para hablar del amor y la soledad con una profundidad inusual, y de cómo estas variantes accionan en personajes cuyo verosímil depende en todo momento del talento de un sólido equipo de actores que desde 2008 a la fecha ha recorrido festivales tanto del país como del exterior (se presentó en Chile, Bolivia, Brasil, Cuba, México, Nueva York, España, Francia, Suiza) y ganado varios premios.
También son destacables otros trabajos como Edipo y yo, con dramaturgia y dirección de Edgardo Dib, producción 2010 de la Comedia de la UNL que tuvo a su cargo la apertura del encuentro, del mismo modo que Todo, con dramaturgia y dirección de Rafael Spregelburd (Buenos Aires); Feroz, de Andrea Hernández y Ariel Sampaolesi, también director y protagonista (San Juan); La familia argentina, de Alberto Ure, con dirección de Cristina Banegas (Buenos Aires); Lágrimas y risas, con dramaturgia y dirección de Ernesto Suárez (Mendoza); Mujeres de ojos negros, de Romina Tamburello, con dirección de Paola Chávez (Rosario); Simulacro y fin, con dramaturgia y dirección de Maximiliano Gallo (Córdoba), y una atractiva, festiva y valiosa versión de un clásico: El Lazarillo de Tormes (de sus fortunas y adversidades), con adaptación del rosarino Luis María Fittipaldi y dirección del rosarino radicado en Mendoza Guillermo Troncoso, quien llegó de Río Colorado, donde resplandece el talento y la frescura de los
jóvenes Ramiro Álvarez y Vladimir Klink.
A diferencia de los últimos años, en los que se vieron trabajos realmente valiosos (el estreno 2010 de Edipo y yo, versión del clásico Edipo Rey, de Sófocles, estableció un piso difícil de alcanzar), el siempre esperado estreno de la Comedia de la UNL no estuvo esta vez a la altura de las circunstancias.
Se trató de La penúltima oportunidad, en la que el dramaturgo y director santafesino Rafael Bruza (actualmente radicado en Buenos Aires, y junto con Jorge Ricci uno de los creadores del Equipo Teatro Llanura), apela al humor negro (por momentos algo naif) para contar una historia de dos ánimas que se encuentran en un cementerio. Marta y Juana compartieron vidas y hombres, y en esa última morada verán con desconcierto cómo aquello que creyeron certezas se vuelven, irremediablemente, dudas. Partiendo de un texto que si bien abreva en una idea atractiva, se desvanece, y de una puesta en escena (escenografía, objetos escénicos, vestuario) que compite con la propuesta dramatúrgica al punto de complejizar la tarea de las actrices en varios de los pasajes, se rescata la presencia de Cristina Pagnanelli y Silvana Montemurri, dos grandes de la escena santafesina, que intentan desde el humor y el oficio sostener un texto que no se sostiene por sí mismo como tampoco desde la dirección.

Del drama a lo posdramático

2011-11-07T11:49:00.001-08:00

8ª EDICIÓN DEL FESTIVAL ARGENTINO DE TEATRO – SANTA FE 2011

Durante las últimas dos jornadas se presentaron “Feroz”, de San Juan, “Lágrimas y risas”, de Mendoza, y las puestas porteñas “La familia argentina”, y la polémica “Apátrida. Doscientos años y unos meses

Por Miguel Passarini (Publicado en El Ciudadano & la gente, en su edición en papel del sábado 5 de noviembre de 2011)

Con la presentación de cuatro espectáculos, entre ellos el polémico Apátrida. Doscientos años y unos meses, producción porteña con dramaturgia, dirección e interpretación de Rafael Spregelburd, las últimas dos jornadas de la edición 2011 del Festival Argentino de Teatro, que finaliza mañana en la ciudad de Santa Fe, volvieron a tener como gran protagonista al público que colmó desde el comienzo todas las funciones.

Si bien no cabe la posibilidad de hacer un recorte en relación con la propuesta estética de los once espectáculos presentados de martes a domingo, quizás este encuentro sirva para confirmar que en el teatro argentino contemporáneo pueden convivir, más allá de modas, tendencias o copias imperantes, todas las estéticas, y que la identidad de cada provincia se construye a la luz de su historia, que no es otra que la historia de sus creadores, su formación y sus maestros.

Con Feroz, presentada el miércoles, el actor, director y autor sanjuanino Ariel Sampaolesi confirma que no hay un teatro nuevo o viejo, sino que hay teatro bueno o malo. Estrenado en 2003, el espectáculo, de neto corte experimental y con el que el creador recorrió festivales y ciudades tanto del país como del exterior, atraviesa las instancias del universo arltiano, en el que confluyen una serie de personajes femeninos interpretados por el propio Sampaolesi, a partir de los cuales describe una historia siniestra: la de la muerte de Alfonso Mondelli, un comerciante de ramos generales del pueblo Las Perdices, quien literalmente revienta en el depósito de su almacén. Lo encuentra su hermana, la vieja Pepa, quien culpa de la muerte a su cuñada, la “fenomenal, envidiada y peligrosa” María Palombi, personajes que aparecen en el cuento “El gato cocido”, de Roberto Arlt, aunque aquí se jueguen algunas licencias dramáticas en función del abordaje de la puesta en escena, extremadamente perturbadora y resuelta apenas con una caja de telón negro, una puerta de uso múltiple y algunos pocos objetos.

Por otra parte, una vez más, La familia argentina, de Alberto Ure, única obra del extraordinario director estrenada en Rosario y Buenos Aires en 2010, aquí en versión de Cristina Banegas y con las actuaciones de Claudia Cantero, Luis Machín y Carla Crespo, se transformó en el centro de atención de un público que, más allá de los ribetes trágicos que prevalecen en el texto acerca del vínculo íntimo que un padre entabla con la hija de su mujer, y donde se ponen en juego las coordenadas de un país que vendría tras la catástrofe económica de 1989, prefirió quedarse del lado de la comedia, poniendo en valor ciertos pasajes en los cuales lo trágico deriva en lo patético y por lo mismo la risa se vuelve casi un mecanismo de defensa. La familia argentina es la única obra de teatro que escribió Alberto Ure, cuya vigencia acerca de temas como la impunidad, el individualismo y la corrupción se vuelven un cruel espejo de la Argentina que se vivió en la década del 90, y tal como lo define Banegas, visto en el tiempo, “Alberto Ure tiene la intensidad de un Strindberg criollo, o la de un González Castillo del siglo XXI”.

La jornada del jueves se completó con las presentaciones de Lágrima y risas, de Mendoza, y el “singular” trabajo del dramaturgo, director y actor porteño Rafael Spregelburd, Apátrida. Doscientos años y unos meses. Partiendo de una idea dramática, Spregelburd elabora una puesta que responde en cierto modo al llamado teatro posdramático, en el que el distanciamiento

es la clave de una construcción escénica en la que el actor y director se vale del relato (micrófono de por medio) para componer dos personajes, acompañado por un significativo, profuso y por lo menos alternativo universo sonoro creado en vivo por el músico Zypce.

La obra se instala (por decirlo de algún modo) en 1891, y se vale del conflicto desatado entre el pintor argentino Eduardo Schiaffino, quien al frente de un equipo de artistas pretende fundar un movimiento de “arte nacional”, y el crítico español Eugenio Auzón, que lo ataca impiadosamente frente a lo que supone una especie de exabrupto de “buena voluntad”, lo que deriva en un duelo entre ambos, en la Navidad de ese mismo año. Más allá de la enorme parafernalia que Spregelburd monta en escena, de la presencia de un texto interesante, y de la exagerada pretensión de querer sostener los dos personajes al mismo tiempo, el espectáculo, extremadamente distanciado y alejado de toda posibilidad dramática, se vuelve aburrido, repetitivo e inconsistente.

Del exilio y el retorno

Profundamente conmovedor y apelando a los recursos de la narración oral, el actor mendocino Ernesto Suárez regaló en dos funciones de su ya clásico unipersonal Lágrimas y risas un relato agridulce acerca de su propia historia, la de un actor nacido en la marginalidad y la extrema pobreza, que quiso “ser alguien” (como alguna vez le dijo a su madre siendo niño), estudió derecho, fue monaguillo y hasta mozo y vendedor ambulante, pero que un día, casi de casualidad, en una peña en la que, entre otros, estaba la recordada Mercedes Sosa, se subió a un escenario para contar un cuento y no se bajó nunca más.

Si bien en su recorrido, por momentos estremecedor y en otros pasajes divertido y ameno, conviven fragmentos de textos del mendocino Juan Draghi Lucero, del italiano Darío Fo, del mexicano Juan Rulfo y del colombiano Gabriel García Márquez, el valor trascendental del trabajo de Suárezpasa más por el relato en primera persona acerca del exilio, del descubrimiento, en una especie de viaje iniciático gracias a lo que él llama “la beca Videla”, de una Latinoamérica encendida, la de los años 70, la de la más pura militancia que hoy se ve resignificada.

Aferrado a sus convicciones, y de la mano de compañeros entrañables y queridos como su coterráneo Arístides Vargas o la cordobesa María Escudero, creadora de Libre Teatro Libre (LTL), Suárez se va metiendo poco a poco por los intersticios de un viaje que duraría siete años y que implicaría el arribo a su segunda patria, Ecuador, donde creó un grupo de trabajo y un lugar de pertenencia al que siempre vuelve.

Idas y vueltas, doloroso calvario e iluminado recorrido, Suárez cuenta sus fábulas con una verdad infrecuente en escena, con la historia viva que lleva, desde hace más de tres décadas, escrita en el cuerpo.

De regreso a la narración

2011-11-04T13:36:00.000-07:00

8a EDICIÓN DEL FESTIVAL ARGENTINO DE TEATRO - SANTA FE 2011

“Edipo y yo”, producción 2010 de la Universidad Nacional del Litoral, que organiza el evento, abrió el martes la programación para dar paso a “Todo”, en la que Rafael Spregelburd trabaja sobre tres “fábulas morales”

Por Miguel Passarini (Publicado en El Ciudadano & la gente, en su edición en papel del jueves 3 de noviembre de 2011)

Apelando nuevamente a una programación en la que prevalece la calidad por encima de la cantidad, con la presentación de once espectáculos de diferentes puntos del país a lo largo de seis jornadas, el martes por la noche comenzó la 8ª edición del Festival Argentino de Teatro con dos funciones a sala llena en un día atípico para ir al teatro (al menos en Santa Fe), lo que confirma la consolidación del evento que año a año lleva adelante la Universidad Nacional del Litoral (UNL).

Luego de su exitoso recorrido por eventos de proyección nacional como la Fiesta Nacional del Teatro realizada en San Juan, o la reciente edición del Festival Internacional de Teatro del Mercosur que tuvo lugar en Córdoba, y previo a su desembarco en la cartelera porteña, Edipo y yo, producción 2010 de la Comedia de la UNL con dirección de Edgardo Dib, fue la encargada de abrir la programación. Basada en Edipo Rey, de Sófocles, con dramaturgia y dirección de Dib (reconocido creador santafesino radicado en Buenos Aires), la puesta muestra a la familia real integrada por Edipo, Yocasta y sus cuatro hijos. Sin embargo, los protagonistas son seis hombres (los talentosos actores Sergio Abbate, Guillermo Frick, Raúl Kreig, Claudio Paz, Marcelo Souza, Rubén Von Der Thusen) que, por momentos distanciados del conflicto, juegan a armar y desarmar la tragedia para correrla todo el tiempo a un registro de comedia.

De este modo, un coro de hombres se presenta ante el público apelando a un play back de una ópera. Son hombres de traje y corbata, son actores que van a representar Edipo Rey de una manera inusual, ingeniosa e irreverente. Son, ante todo, grandes actores que revelan el artificio: una estrategia urdida por el director para contar una tragedia conocida de un modo desconocido, quizás apelando al axioma que asegura que si la tragedia se repite una y otra vez, esa misma repetición deriva en una parodia.

Tal como pasó en 2010 con Edipo y yo, el domingo por la noche, se conocerá la nueva producción de la Comedia de la UNL. Se trata de La penúltima oportunidad, con dramaturgia y dirección del santafesino Rafael Bruza, uno de los creadores del histórico Grupo Teatro Llanura junto con Jorge Ricci, que cuenta con las actuaciones de las talentosas actrices santafesinas Cristina Pagnanelli y Silvana Montemurri.

“Todo” acerca del sujeto

Todo, trabajo con dramaturgia y dirección del creador porteño Rafael Spregelburd al frente de la compañía El Patrón Vázquez, fue la obra elegida para cerrar la primera jornada del Argentino en la histórica sala mayor del Teatro Municipal 1º de Mayo.

Apelando a un registro de actuación puro, en el que prevalece cierta búsqueda del naturalismo al que la escena porteña parece querer regresar después de muchos años en los que el sentido estuvo puesto por fuera de lo narrativo, Spregelburd, que también trae aquí su elogiado espectáculo Apátrida. Doscientos años y unos meses, trabaja a partir de lo que él mismo llama “tres fábulas morales, pero con moraleja incierta”, a través de las cuales se pregunta: “¿Por qué todo Estado deviene burocracia?, ¿Por qué todo arte deviene negocio? y ¿Por qué toda religión deviene superstición?”, interrogantes sobre los cuales arma una trama que devela cierta cotidianeidad y a través de la cual “cruza” personajes y situaciones que parecieran construir un hilo dramático unificador.

En la primera de las fábulas, un grupo de burocratizados empleados públicos ironizan sobre el vacío que los rodea al tiempo que deciden desmantelar y quemar la oficina en la que trabajan, un lugar que está claramente alejado de toda posible trascendencia. Tras cartón, los vicios de lo público de algunos de esos personajes pasarán a una instancia más íntima en la que mostrarán lo que sucede en una Nochebuena con los integrantes de una familia en la que el festejo ha perdido el sentido, del mismo modo que el valor de un supuesto arte.

Para cerrar, otra instancia privada, esta vez la de una familia, mostrará en una noche de tormenta en la que un niño se enferma, cómo el fanatismo y la religión pueden deformar lo real hasta llevarlo a una instancia en la que lo místico se vuelve algo peligroso.

Los talentosos Andrea Garrote, Mónica Raiola, Pablo Seijo, Alberto Suárez y el propio Spregelburd, son los encargados de ponerle el cuerpo a esta singular galería de personajes que a lo largo de dos horas conjugan las variables de un trabajo en el que el director, tomando como disparador el concepto que sostiene que la historia es un “proceso sin sujeto”, se pregunta qué hacen los sujetos con su historia personal.

Más allá de su muy buena performance en la cartelera porteña, Todo se presentó en varios de los festivales europeos más importantes de la escena mundial: FIND IX, de Schaubühne (Berlín, 2009); Transteatral de Praga (2009) y Festival MAD, en el teatro Quirino de Roma (2010).

Chicas trágicas y disparatadas

2011-11-04T11:06:00.000-07:00

TEATRO. La talentosa actriz, dramaturga y directora Mónica Cabrera, reciente ganadora del premio Konex 2011 a la labor unipersonal de la década, habla de “El sistema de la víctima”, donde compone a seis personajes, que se presenta esta noche, a las 21.30, en la sala Lavardén de Sarmiento y Mendoza

Por Miguel Passarini (Publicado en El Ciudadano & la gente, en su edición en papel del viernes 4 de noviembre de 2011)

Su vasta trayectoria teatral de tres décadas la posiciona como una de las actrices argentinas más talentosas de su generación. Sin embargo, un pequeño papel en un unitario de televisión (en Tratame bien, de Pol-ka) le dio hace un par de años la posibilidad de comenzar a brillar en la pantalla chica para terminar nominada a un Martín Fierro (por su personaje de Mabel en la tira Malparida, de 2010) y tener el reconocimiento popular, al tiempo que recientemente ganó el Konex a la labor unipersonal de la década. La actriz Mónica Cabrera, también dramaturga, escritora y directora teatral, regresa esta noche a Rosario con el tercero de sus elogiados unipersonales, El sistema de la víctima, luego de su paso del año pasado con El Club de la Bataclanas, que, junto con Arrabalera, mujeres que trabajan, forman un tándem de unipersonales a través de los cuales la actriz analiza instancias y situaciones de mujeres que van de la tragedia a lo disparatado, y en los que brillan su incuestionable ironía y su irresistible vis cómica en escena.

El sistema de la víctima se verá está noche, a las 21.30, en una sola función (al menos por el momento), en la sala Lavardén (Sarmiento y Mendoza), y se revela como una cita obligada para los

amantes del buen teatro, ése donde el humor se vuelve la excusa perfecta para hablar de cuestiones vinculadas a las problemáticas contemporáneas, en este caso, “la sensación de ser víctimas” de un mal que, por lo general, se vuelve intangible pero irremediable.

“Yo quería hacer una tragedia moderna pero la gente se ríe, lo cual es bastante decepcionante”, dice con su habitual sentido del humor Mónica Cabrera, quien sostiene que El sistema de la víctima “reflexiona con humor sobre un mal que aqueja a la población: la sensación de ser víctimas; esa idea de no poder contra las circunstancias, o de no poder contra una naturaleza secreta que nos obliga a la queja”.

“En realidad, es complicado contar acerca de qué trata la obra porque con el tiempo fue mutando. Lo que sí sé es que hablo de cosas terribles y la gente se ríe y se ríe, creo que porque en realidad no entienden lo que pasa (risas), porque por ejemplo hay una mujer que está por suicidarse durante todo el espectáculo y la gente se sigue riendo en lugar de preocuparse por ella. Es así: la gente dijo que éste era un espectáculo de humor y yo quería hacer una cosa trágica; en realidad, una especie de tragedia contemporánea, pero no me lo permitieron. Cuando entro en escena y cuento lo dramático de estos personajes y de sus realidades, paradójicamente, la gente se ríe, y entonces lograron cambiarme la orientación inicial que tenía el espectáculo”, relató Cabrera a El Ciudadano, con cierta ironía respecto de los efectos que algunos de sus personajes “borderline” provocan en el público.

Estrenado en 2007, el espectáculo que se presentó en México y España, integra en medio de algunos tangos acerca de víctimas, seis personajes femeninos que se enfrentan a circunstancias desfavorables que los abaten: Rosamary fue abandonada ante el altar por el “pinche cabrón” de su concubino y padre de sus hijos. No va a llorar; lo busca para matarlo. Le sigue Felicidad, una anciana a la que su tío le hizo perder un pie bromeando. Tras cartón, Próspera descubrió en su terapia que no tiene suerte: atraviesa una crisis suicida, pero nadie mira hacia la cornisa desde la que intenta arrojarse. La que sigue es Bienvenida, que está en ataque de pánico permanente por las amenazas de la calle y la creciente inseguridad de la gran ciudad. A su tiempo, Máxima, dio algunas señales raras a su familia, e inmediatamente su marido la internó en un psiquiátrico. Y Amparo es la cantante de tangos que se disfrazó de enana para lograr un puesto de trabajo en el que pedían una cantante de tangos enana.

Respecto de por qué el espectáculo se llama El sistema de la víctima, la actriz, que como es habitual en sus unipersonales pone aquí de manifiesto sus infinitos recursos actorales al servicio de sus singulares criaturas, reflexionó: “Lleva ese nombre porque en algún momento, todos los seres humanos, nos hacemos un poco las víctimas. Y esa es la hipótesis que trato de demostrar con estos personajes; eso sí, siempre y cuando no se rían como locos, porque de ser así, no van a entender nada de lo que estará pasando. De lo concreto de la obra, puedo decir que todos, independientemente de que en algún momento podamos ser víctimas de algo o de alguien, nos hacemos las víctimas y frente a esto tenemos distintas reacciones, algunas de las cuales atraviesan las vidas de estas mujeres que están pasando por un mal momento”.

Finalmente, respecto de su paso por la televisión y de la repercusión que tuvieron sus personajes, que empezaron siendo pequeños y que, merced a su gran talento, con el paso de los capítulos, fueron adquiriendo protagonismo, la actriz expresó: “Yo me maté durante treinta años haciendo y estudiando teatro, incluso grandes clásicos, para que la gente me vea por la calle y me diga: «Vos sos Mabel, la de la carterita, la de la tele, la de Malparida» ¿Cómo le explicó yo a toda esa gente que en realidad soy una actriz de teatro, y que a lo largo de mi carrera hice Shakespeare, Góngora o Lope de Vega? Por eso creo que no hay que estudiar nada, habría que decirle a los niños que no estudien nada, si total después se acuerdan de vos y te reconocen porque te vieron en televisión llevando una carterita negra debajo del brazo (risas)”.

Apuesta atractiva y federal

2011-11-04T10:48:00.000-07:00

8a EDICIÓN DEL FESTIVAL ARGENTINO DE TEATRO DEL 1° AL 6 DE NOVIEMBRE EN SANTA FE

La Universidad Nacional del Litoral organiza una nueva edición de su encuentro anual, del que participan espectáculos de San Juan, Mendoza, Córdoba, Río Colorado, Santa Fe, Buenos Aires y Rosario

Por Miguel Passarini (Publicado en El Ciudadano & la gente, en su edición en papel del lunes 31 de octubre de 2011)

Con la presentación de once espectáculos provenientes de diversos puntos del país y una serie de actividades especiales, desde mañana y hasta el domingo, tendrá lugar en la ciudad de Sante Fe la 8ª edición del Festival Argentino de Teatro, organizado por la Universidad Nacional del Litoral (UNL). De este modo, durante seis días, la ciudad capital recibirá obras de San Juan, Mendoza, Córdoba, Río Colorado, Santa Fe, Buenos Aires y Rosario.

El Argentino, que también tiene a lo largo del año sus versiones de Danza y Literatura, ya es una cita obligada en el calendario cultural santafesino. Con ocho años de historia, cada edición cobra mayor impulso en la programación de sus obras y en las actividades de formación.

Manteniendo su carácter federal, se presentan obras de distintos puntos del país seleccionadas en relación con su calidad y protagonismo en la escena nacional.

El evento, que se desarrollará en el Foro Cultural UNL (9 de Julio 2150), el Teatro Municipal 1º de Mayo (San Martín 2020), el Centro Cultural Provincial, (Junín 2457) y el Centro Cultural ATE Casa España (Rivadavia 2871), “es una nueva apuesta a la calidad, a la continuidad y al trabajo sostenido en el tiempo”, según adelantó el secretario de Cultura de la UNL, Luis Novara, quien agregó: “Las obras son de distintas procedencias, lo que permite mostrar un mapa teatral del país. Es una oportunidad única de disfrutar de estas puestas que ya han sido destacadas por la crítica especializada, y es una alegría poder compartir una nueva edición de este Argentino, renovando así el desafío de trabajar con dedicación, cuidando los detalles de producción y el respeto por los artistas”.

Esta edición, que cuenta con el auspicio de Instituto Nacional de Teatro (INT), el gobierno de la ciudad de Santa Fe, el gobierno de la provincia, la Asociación Amigos del Centro Cultural Provincial y Critea, ofrecerá los espectáculos Edipo y yo, con dramaturgia y dirección de Edgardo Dib, que abrirá la programación mañana, a las 20, en el Foro Cultural (se trata de la producción 2010 de la Comedia de la UNL), para dar paso, a las 21.30 en la Sala Mayor del Teatro Municipal, a Todo, con dramaturgia y dirección de Rafael Spregelburd, uno de los grandes protagonistas de la presente edición.

El miércoles, desde San Juan, llegará a Santa Fe Feroz, de Ariel Sampaolesi y Andrea Hernández. Serán dos funciones, a las 20 y a las 23, en el Foro Cultural. Por su parte, a las 21.30, con dirección de Cristina Banegas, se presentará la elogiada versión de La familia argentina, de Alberto Ure, en el Teatro Municipal, con las actuaciones de los rosarinos Claudia Cantero y Luis Machín, y la actriz porteña Carla Crespo.

En la tercera noche, los grupos son de Mendoza y Buenos Aires. En el Foro Cultural, a las 20 y 23, se presentará el unipersonal Lágrimas y risas, con dramaturgia y dirección del emblemático actor mendocino Ernesto Suárez. Mientras que a las 21.30, en el Centro Cultural Provincial, Spregelburd presentará Apátrida. Doscientos años y unos meses, obra que gira en torno a una discusión sobre arte y Nación situada en 1891.

El viernes, desde Rosario, llegará a Santa Fe Mujeres de ojos negros, de Romina Tamburello, con dirección de Paola Chávez, con dos funciones, a las 20 y 23, en el Foro Cultural. Y a las 21, en la Sala de ATE Casa España, con dramaturgia y direcciónde Claudio Tolcachir, se podrá ver la elogiada

Tercer cuerpo, que cuenta la historia de cinco empleados de oficina, donde la soledad, el amor, los deseos y la frustración son el eje de sus vidas.

La noche del sábado, las puestas serán de elencos de Río Colorado y Córdoba. El Lazarillo de Tormes (de sus fortunas y adversidades), con adaptación de Luis María Fittipaldi, bajo la dirección de Guillermo Troncoso, se presentará a las 20 en el Centro Cultural Provincial. A su tiempo, a las 21.30 en la Sala Mayor del Teatro Municipal, será el turno de la puesta cordobesa Simulacro y fin, con dramaturgia y dirección de Maximiliano Gallo.

Como ya es un clásico del Argentino, la noche de cierre del domingo estará a cargo de la nueva producción de la Comedia de la UNL, con el estreno de La penúltima oportunidad, con dramaturgia y dirección de Rafael Bruza, que se presentará, a las 21, en el Foro Cultural de la UNL.

Además de las obras, integrantes del Círculo de Críticos de las Artes Escénicas Argentinas (Critea) dictarán un taller sobre crítica teatral, titulado “La mirada que escribe”, destinado a estudiantes de Periodismo y Comunicación y profesionales del medio. Asimismo, entre otras actividades especiales, se presentará la publicación de la Secretaría de Cultura de la UNL Apuntes de teatro 02, con notas de opinión y entrevistas a actores, directores y dramaturgos.

Los soñadores sin sueños

2011-10-26T08:49:00.000-07:00

CRÍTICA TEATRO

Juan Hessel, merced a su inteligente dramaturgia, construye en “Guerra fría (lejos de todo)” una trama en la que se revelan las instancias que viven tres jóvenes que parecieran naufragar en un vacío existencial

GUERRA FRÍA (LEJOS DE TODO)

Dramaturgia y dirección: Juan Hessel

Actúan: Jesica Biancotto, Melisa Martyniuk,

Francisco Fissolo

Sala: Centro de Estudios Teatrales, San Juan

842, viernes y sábados, a las 22

Por Miguel Passarini (Publicado en El Ciudadano & la gente, en su edición en papel del miércoles 26 de octubre de 2011)

La violencia se conjuga en acciones, en movimientos, en miradas. La violencia es una variable poco común dentro del teatro contemporáneo, más afecto a cierto regreso al costumbrismo y a revisar cuestiones de familia. Sin embargo, la violencia (la furia) ha atravesado a lo largo de los últimos años la producción artístico-dramática del talentoso director y dramaturgo local Juan Hessel, apelando a una especie de “tratado simbólico” en el que la violencia se traduce, en escena, en un estado que pone incómodos a los actores, que los hace “atropellarse”, que los perturba y los cuestiona a la hora de crear ficción.

En Guerra fría (lejos de todo), trabajo que sigue al poderoso Mal de ojo, donde el director ya había alcanzado un nivel de madurez importante para su poética (siempre extremadamente original), se revelan las instancias que viven tres jóvenes que parecieran naufragar en un vacío existencial en el que el sentido de la vida se ha perdido.

Los une un pasado común, el de la primera juventud (al parecer, mejor que el presente), el del colegio y la pasión compartida por el profesor Alses, un referente, una especie de ídolo cuya imagen iluminada se irá descascarando y apagando a lo largo de la obra, al tiempo que cada uno irá dejando a la vista el vínculo “particular” que estableció con el profesor.

La acción transcurre en la casa de Alses en su ausencia. Es mayo, y allí llega Walter (o Rimbo) luego de dos meses de viaje, y se reencuentra con Ana, que vive (temporal o accidentalmente) con el profesor (también está al cuidado de Boris, su perro), y Ethel, quien intenta infructuosamente forjar su pasión por la escultura. Ya no son los mismos, algo del vínculo entre los tres está ajado, opaco, incierto, quizás destruido. Algo que los unía aparenta haberse roto, y entre reclamos y contradicciones, como “perros rabiosos”, apelarán a la violencia de las palabras y de las acciones, a través de un constante pase de facturas.

Nuevamente, merced a su inteligente dramaturgia, Hessel, de regreso a los triángulos como pasaba en Almas fatales, construye un entramado de vínculos a través de los cuales pone en primer plano el vacío generacional, el valor del arte (o de la “energía creativa”, algo sobre lo que ya había trabajado en Naturaleza muerta, también una historia triangulada) y el abismo al que se acercan los personajes (el de la ficción que narran y el del escenario), tristes, melancólicos y enojados frente a una etapa de sus vidas que, claramente, ha terminado.

De todos modos, se sienten responsables de “construir otra realidad” más allá de que no tengan las herramientas (o el deseo real) para hacerlo, y añoran un pasado mejor: el de los libros, el del conocimiento, el del aprendizaje, el de las creencias, en una casa donde ya no hay libros (fueron vendidos, incluso el ejemplar de Crítica de la razón pura, de Kant, una biblia para Alses y sus muchachos y un guiño para el público), y sus húmedos muros sólo contienen agujeros a través de los cuales se puede fisgonear.

Así, plagada de posibles lecturas, la dramaturgia sinuosa y corrosiva de Hessel encuentra en los tres talentosos actores la materia a través de la cual manifestarse. Con inusitada ironía, y apelando una vez más a su conocido registro de actuación en el que el estado de virulencia es el gran protagonista, la propuesta salta de la violencia verbal (por momentos física) a un humor cáustico, algo absurdo, para llevar a los protagonistas a una confesión íntima y dolorosa, que dejará a la vista que aquello que se idealiza, con el tiempo, puede volverse real y terrible, la gran metáfora del espectáculo.

Desde los rubros técnicos, nuevamente, el director pone el acento en las actuaciones y en la luz (diseño de Juan Carlos Rizza) por encima de todo, apelando a cada paso a los cuestionamientos ideológicos que estos tres soñadores sin sueños están dispuestos a sacar a la luz, independientemente de los “destrozos” que provoquen en su recorrido.

Historias "atadas" con hilos

2011-10-22T07:04:00.000-07:00

TEATRO CON OBJETOS. Esta noche, a las 22, en La Manzana, de San Juan al 1900

Maximiliano Arana habla de “Marionetas de salón”, el espectáculo que lleva adelante junto con su hermano gemelo Juan Manuel, en el que involucran sentimental y emocionalmente al espectador

Por Miguel Passarini (Publicado en El Ciudadano & la gente, en su edición en papel del sábado 22 de octubre de 2011)

Marionetas y actores crean en escena una conjunción entre movimiento y dramaticidad en la que los roles se vuelve difusos: el actor manipulador se “deja llevar” por el objeto, al tiempo que la marioneta adquiere un carácter humanizado, y entonces “cobra vida”. Con esta premisa, y después de mucho tiempo de investigación y elaboración, los hermanos gemelos Juan Manuel y Maximiliano Arana crearon la Compañía Argentina de Marionetas, con la que por estos días ofrecen el espectáculo Marionetas de salón, que se presentará esta noche y el próximo sábado, a las 22, en La Manzana (San Juan 1950).

"En Marionetas de salón se cuentan historias que se ponen en movimiento a través de hilos. Es un espectáculo que invita a participar de un ritual mágico que trasciende el escenario e involucra sentimental y emocionalmente al espectador, revelando así cómo se van hilvanando y deshilvanando amores y desamores, encuentros y desencuentros”, adelanta el parte de prensa.

"En un comienzo, hace muchos años, trabajamos con el titiritero local Carlos Schwaderer (oriundo de El Chaco, hoy radicado en España). Con él integramos los grupos Sauco y Núcleo Rosario y ahí recibimos un gran flujo de información acerca de las diferentes técnicas de títeres, tanto de manipulación como de construcción de objetos y muñecos. Fue un momento muy importante para nosotros, más allá de que teníamos apenas 16 años. Recuerdo que hicimos una gira de ocho meses por todo el país, y tuvimos que pedir autorización a nuestra madre. Ese tiempo fue de un aprendizaje enorme, porque nos cruzamos con grupos de todo el país: hacíamos un espectáculo de títeres de guante, una versión de Los tres pelos de oro del diablo, de los hermanos Grimm. Después nos metimos a fondo con las técnicas del actor, hasta que en 2003 decidimos crear nuestra propia compañía. Creo que la idea surgió a partir del concepto de poder fusionar todo lo aprendido en relación con las artes escénicas”, relató sobre los comienzos del grupo el actor y titiritero Maximiliano Arana, quien junto con su hermano pasó hace algunos años por el grupo El Rayo Misterioso, donde ambos se formaron como actores.

El creador, que destacó la “inquietud constante de ambos por las cuestiones expresivas”, y además adelantó el estreno de una obra teatral con la misma compañía para 2012, habló de lo perturbador que pueden volverse los objetos cuando se crea una real conjunción entre manipulador y títere, y sobre todo aquí por tratarse de dos hermanos gemelos idénticos: “Venimos trabajando juntos desde el vientre de mi vieja (risas), por eso los espectáculos los componemos juntos en su totalidad, tanto en lo que refiere a dramaturgia o composición de las historias como en relación con la creación de las marionetas, puesta en escena y dirección. Sin embargo, a la hora de ejecutar la obra, lo hacemos por separado, por lo general una función cada uno. Es siempre la misma obra y nosotros somos idénticos físicamente, pero si la gente tiene capacidad de observación, puede notar que al ser yo zurdo y mi hermano derecho, armamos la puesta al revés uno del otro; es el mismo espectáculo pero como hecho en espejo”, relató Arana sumando un interés más al atractivo trabajo del grupo.

Con relación al interés temático de la compañía, el titiritero detalló: “Por lo general, varía según el espectáculo y los momentos que estamos transitando como grupo de trabajo. Por ejemplo: Marionetas de salón es un espectáculo intenso a la hora de contar las historias. Son cuatro relatos fuertes en los que el marionetista interviene en un in crescendo, llegando, sobre el final, a asumir un gran compromiso con lo que pasa en escena hasta llegar a quedar desenmascaro y expuesto, poniendo en primer plano el peligro que corren las historias cuando son «manipuladas». En ese sentido, este no es un espectáculo abordado desde el humor, sino todo lo contrario”.

Finalmente Arana, quien junto con su hermano estrenó también en 2007 El show de la música, adelantó: “Con las marionetas estamos trabajando en un nuevo espectáculo en el que intentaremos irnos a otros lugares en relación con la temática, con lo expresivo; quizás hacia el humor, que suele ser lo más complicado de elaborar con los objetos”.

Filoso revisionismo del pasado reciente

2011-10-19T09:56:00.000-07:00

CRÍTICA TEATRO

El dramaturgo y director platense Daniel Dalmaroni consiguió una atractiva versión de su obra “El secuestro de Isabelita” con un elenco de actores rosarinos

EL SECUESTRO DE ISABELITA
Autor y director: Daniel Dalmaroni
Asistencia: Federico Fernández Moreno
Coordinación general: Walter Operto
Actúan: Angie Ambrogi, Roberto Malaguarnera, Juan Onetto, Anabella Agostini, Romina Zencich, Alesandra Roczniak, Lisandro Quinteros, Juan José González Sala: La Nave, San Lorenzo 1383, sábados a las 21

Por Miguel Passarini (Publicado en El Ciudadano & la gente, en su edición en papel del miércoles 19 de octubre de 2011)

Los cuerpos narran, lo atroz de la historia reciente de todos los argentinos está en los cuerpos. Los cuerpos jóvenes se apropian de la historia, apelan a la memoria, a lo retentivo, a lo visto, oído, narrado. Un aguantadero, quizás un sótano; ellos están allí, son un grupo de Montoneros escindidos por “fierreros”, acaso la primera ironía de una obra teatral que discurre con notable fluidez sobre lo que es ironizar sobre un tema (una parte de la historia) que parecía “intocable”, un detalle no menor que provoca la complicidad inmediata con el público.
El prolífico dramaturgo, director y docente platense Daniel Dalmaroni, conocido en todo el país (también en el exterior) por la muy representada Una tragedia argentina, abreva en El secuestro de Isabelita, obra que escribió y dirigió en Buenos Aires y que desde hace poco más de un mes también montó con un elenco local (por el momento, se reserva el montaje de este texto al que considera “de cuidado”), en los entretelones de la antesala del golpe militar del 1976.
Apelando a un humor filoso, concreto, y al mismo tiempo sumamente inteligente, algo que además caracteriza toda su obra (Burkina faso, Maté a un tipo, entre muchas otras, donde priman la crueldad y el humor negro en cuotas iguales), Dalmaroni, aquí con la colaboración del director local Walter Operto y de todo su equipo de La Nave, construye un entramado que va desde el disparate al sentido común, tomando como ejes del relato hechos o circunstancias reales en un contexto dramático imaginado.
No es Isabel Perón la secuestrada del título, se trata de Isabel Pavón, una asistente (personal de maestranza) de la polémica mujer del general, por entonces presidenta de la Nación. Es el verano del 76, y es a esta mujer, en una triste confusión que tendrá su costo, a la que un grupo de ex Montoneros se lleva de la Quinta de Olivos mientras ésta ordena una habitación y asegura no ser Isabelita. De todos modos, ellos están convencidos de que es la presidenta y de que a partir del suceso esa célula tomará el protagonismo buscado, en el contexto de un momento histórico en el que la Triple A hacía estragos, y la ferocidad de la dictadura por venir mostraba sus primeros zarpazos.
Si bien la puesta busca reflexionar desde el humor (vaya desafío) sobre las contradicciones de la militancia en los años 70, se complejiza (para bien) en un devenir en el que intervienen cuestiones ligadas con aquel momento del peronismo (el de derecha enfrentado al de izquierda), apelando a un ejercicio de memoria en el que se pone en jaque lo ocurrido con el tamiz que implica el paso del tiempo.
Así, el director juega a poner en esos relatos (parlamentos) momentos de la historia que vendrían después como la no sucesión de Perón y la aparición de supuestos hijos, el destino desconocido de sus manos (su tumba fue profanada en 1987), y hasta una hipótesis diferente acerca de su muerte.
En el comienzo, la irrupción de un material audiovisual posiciona al espectador en tiempo y espacio. Claramente son los años 70, tiempo de lucha sindical, de enfrentamientos ideológicos feroces, de chicos y jóvenes que querían un país mejor. Isabel Martínez de Perón, quien había asumido el gobierno el 1º de julio de 1974 como vicepresidenta, tras la muerte de su esposo, el general Perón, se debate entre la insensatez y las decisiones de su entorno, donde “brillan” las “inmanentes” ideas del Brujo, José López Rega, secretario privado de ambos, y mentor de la llamada Alianza Anticomunista Argentina, más conocida como Triple A.
Lo que vendrá, la aparición de los personajes, dejará en evidencia las grietas de un movimiento que entre buenas intenciones y decisiones desacertadas (y hasta ingenuas) puso en juego valores e ideologías, pero sobre todo vidas humanas.
Desde la actuación, muy conocedor de su obra y de lo que quiere contar, Dalmaroni, con la colaboración de Operto y la asistencia de dirección Federico Fernández Moreno, armó un elenco de actores infrecuente surgido de un casting, donde primaron los requerimientos de los personajes por encima de las “reuniones amistosas” a las que suele arribar el intento de montar una obra en la ciudad. Esa búsqueda de calidades diferenciales en los actores se nota en el trabajo final: más allá de mejores y peores performances, el equipo de actores alcanza una media más que aceptable a la hora de trabajar cuestiones corporales y expresivas, que posicionan a la versión a la par de su gemela porteña, merced al equipo artístico local (en su totalidad), que logra dotar al trabajo de un verosímil en el que se filtran desde el humor instancias de un absurdo cotidiano.
Aunque quizás lo más interesante de esta pieza teatral, que se destaca por su contundencia e ingenio dentro de la vasta obra de Dalmaroni, es que pone en jaque la existencia de lo que el propio autor llama el “discurso unívoco y progresista respecto de los años 70”. Es así que vale el intento a la hora de desentrañar y desmantelar una trama en la que la improvisación, la confusión y la desprolijidad se volvieron factores de riesgo en el contexto de un movimiento que, más allá de muchas buenas intenciones, requiere (pide a gritos) de parte de la historia una profunda autocrítica, algo que en el terreno del teatro era, al menos hasta ahora, materia pendiente, con una apuesta por un revisionismo filoso, en el que el autor y director, en un final en el que la risa queda de lado, deja en claro en qué vereda está parado.

La noche de los paranoicos

2011-10-17T18:13:00.000-07:00

CRÍTICA TEATRO

Con la premiada “El miedo (dos vueltas de llave)”, el dramaturgo y director rosarino Esteban Goicoechea elabora una ingeniosa tesis, con grandes actuaciones, acerca de la “construcción” de la inseguridad

EL MIEDO (DOS VUELTAS DE LLAVE)

Dramaturgia y dirección: Esteban Goicoechea

Asistencia: Yanina Mennelli

Actúan: Paula García Jurado, Ariel Hamoui,

Gustavo Sacconi

Sala: CET, San Juan 842, domingos a las 21

Por Miguel Passarini (Publicado en El Ciudadano & la gente, en su edición en papel del lunes 17 de octubre de 2011)
El silencio y la oscuridad dan miedo, pero también lo incierto, algo de eso en lo que se cree o se construye como creencia; eso que se dice y se acepta como verdadero y no se vuelve a revisar, instalando algo intangible pero que crea paranoia en quienes lo padecen y en la sociedad toda.
De todos modos, hablar del miedo en la Argentina no es como hablar del miedo en cualquier lugar: la temática atraviesa de modo siniestro la historia reciente, y el miedo se conjuga junto con la memoria, porque miedo y memoria parecieran ser inseparables si se intenta entablar algún tipo de diálogo con el pasado reciente.
El miedo paraliza y agobia, se sustenta en la tensión y provoca una especie de silencio desmoralizante frente a algo que, en ciernes, es desconocido pero inevitable en quienes lo padecen.
Pareciera que conjugando esta serie de variables, aunque traídas a un presente reconocible (doméstico), el prolífico creador local Esteban Goicoechea, también integrante de Pata de Musa Teatro, elaboró la compleja dramaturgia de El miedo (dos vueltas de llave), espectáculo que lleva adelante con un elenco concertado, ganador del primer premio del concurso de obras teatrales de Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti de Buenos Aires (donde se presentó con una serie de funciones) y de Coproducciones Municipales 2010.
A modo de tesis, la obra, que ofrece por estos días sus últimas funciones en la ciudad (al menos en la presente temporada), desarrolla una trama en la que prevalece la idea de miedo como forma de control, donde los personajes habitan el encierro en un lugar remoto en un pequeño pueblo. Pareciera tratarse de un taller, la parte en desuso de una casa, un depósito donde dos de ellos, una pareja, muestra cómo el miedo se instala a modo de orden dramático, donde una vez más Goicoechea, aquí con la asistencia de dirección de Yanina Mennelli (todos, junto con los actores, integrantes del colectivo Teatro en Rosario), desnuda los entretelones de un teatro que no reniega de la ficción sino que, por el contrario, la pone en evidencia, dejando filtrar esas instancias en las que los actores (los personajes) crean una nueva ficción en escena, apelando a una de las tantas formas del metateatro (un teatro dentro de otro).
Lo que condiciona el miedo es así el sustento dramático de este trabajo basado esencialmente en un registro de actuación que toma elementos del cine de terror y recursos del expresionismo y del absurdo, donde una vez más, en el contexto de un elenco notable, se destaca la talentosa Paula García Jurado, quien recrea a la vacilante Ana. Se trata de una actriz que tiene la virtud poco frecuente de poder “limpiar” su actuación de cualquier vestigio presente de otros personajes, apelando en El miedo a lo siniestro y a cierta inestabilidad provocada por lo desconocido, algo que también transitan los dos hombres: Gustavo Sacconi (Héctor, pareja de Ana) y Ariel Hamoui (Julio, el intruso).
No hay aquí, sin embargo, una especificidad del miedo. En todo caso, el miedo atraviesa y trasciende los momentos que viven estos dos personajes a la espera de la llegada de un tercero que merodea la casa, un carnicero del barrio (del pueblo), insomne y nervioso, con el que mantienen un vínculo riesgoso que discurre entre la paranoia y la resignación, intercambiando roles.
De todos modos, merced a un texto en el que las palabras no están puestas porque sí, lo que pone en evidencia el material (en cierto modo, lo ridiculiza), es lo que el colectivo social dio en llamar en el último tiempo “la problemática de la inseguridad”, un fenómeno mediatizado y magnificado como emergente de una sociedad que, incluso, en otros tiempos supo de represiones y hasta de teorías “de los dos demonios” como horrorosa “justificación” del terrorismo de Estado durante la última dictadura.
Así, los actos privados de estos personajes agobiados por el miedo (también por la chatura y la monotonía del entorno en el que habitan) están vinculados con una muerte cercana, y si no aparece se la recrea como en el teatro, con sangre artificial, aunque con ribetes de ceremonia, como la resultante de un juego ilógico en el que la inseguridad debe ser algo “seguro” y “palpable”.
En este discurrir, y como apuesta teatral, Goicoechea, uno de los dramaturgos y directores más notables de su generación, acomete con un texto en el que se murmura el miedo: trabaja con las miradas, con la gestualidad, con lo corporal, con los saltos en el tiempo, nuevamente apelando a un recurso propio del cine, algo que ya había probado en Mirta muerta (con el grupo Pata de Musa).
Es así como desde los rubros técnicos, la puesta se sustenta en un cuidado trabajo con la luz: de lo tenue al apagón total, el trabajo transita por los recodos del cine (plano secuencia, plano detalle), apelando a un atractivo juego de planos en el que parecieran convivir uno real y otro deseado y/o imaginado.
De todos modos, el director profundiza sobre ciertos elementos ligados a la noche, a lo siniestro, logrando en los actores un realismo inusual, a partir de la presencia de un texto sinuoso, marcado por detalles inesperados que someten a los actores al difícil ejercicio de sostener el verosímil en situaciones definitivamente inverosímiles.
Es precisamente allí donde, también, se pone en juego el deseo (aunque el tema no sea tratado en profundidad) como aquello que se reprime y se disocia del cuerpo, más allá de lo que los personajes llaman “la memoria de la carne”. No casualmente, la obra retrata a un carnicero en un país carnicero; una mujer tentada por la carne frente a un hombre (real o imaginario) que le ofrece lo que otro no le ofrece, ante el terror latente de que aquello imaginado pueda pasar finalmente.

El gran regreso del público

2011-10-15T07:15:00.001-07:00

El público, gran protagonista: más de 50 mil espectadores.
Taller de Crítica Teatral, dictado por integrantes de Critea en el Sindicato de Prensa de Córdoba.

"Amar", de Alejandro Catalán (Buenos Aires).

BALANCE DEL 8° FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO DEL MERCOSUR

Durante 10 días, más de 50 mil espectadores hicieron propio un evento que, gracias a su programación y organización bianual, se ha convertido en un clásico dentro del circuito de festivales latinoamericanos

Por Miguel Passarini (Publicado en El Ciudadano & la gente, en su edición en papel del martes 11 de octubre de 2011)

Cualquier opinión que pueda vertirse a modo de balance acerca del 8° Festival Internacional de Teatro del Mercosur, que terminó el pasado fin de semana en la ciudad de Córdoba después de diez días de intensa programación (se realizó del 28 de septiembre al 7 de octubre), estará apuntado a sostener un evento cuya consolidación ya es un hecho concreto, habiendo capitalizado la experiencia de años de trabajo y del tiempo recorrido con el histórico Festival Latinoamericano de Teatro, que comenzó en 1984 tras la vuelta de la democracia, y que se convirtió en una bandera de las nuevas expresiones escénicas que por entonces llegaban al país.

En la presente edición, muchos fueron al teatro, pero sobre todo los jóvenes. De un modo u otro, los cordobeses volvieron a ser parte del evento, un mérito del director del festival (también del Teatro Real), Raúl Sansica, y de su equipo, un hombre que viene del teatro y entiende y acepta la diversidad de miradas, escucha las críticas respetuosas y apela al cambio permanente.

De todos modos, el del Mercosur es un festival que habla por los números: más de 50 mil espectadores recorrieron salas y espacios no convencionales en poco más de una semana, llenando funciones hasta en los días y horarios más complicados, tanto en ámbitos oficiales (Teatro Real, General San Martín, Ciudad de las Artes, entre otros) como alternativos, del mismo modo que plazas, barrios, cárceles y distintos espacios de localidades del interior provincial, entre otras, Alta Gracia, Cañada de Luque, Capilla del Monte, Carlos Paz, Deán Funes, General Levalle, Huinca Renancó, Jovita, Laboulaye, Morteros, Oliva, Oncativo, San Carlos Mina, San Francisco, San Marcos Sierras, Serrano y Tanti.

Desde la organización, se aclaró que la cifra final incluye el lanzamiento del evento (con funciones a modo de prólogo del grupo español La Zaranda, 22, 23 y 24 de septiembre) y las funciones de la versión cordobesa de El niño argentino (de Mauricio Kartun, bajo la dirección de Omar Viale) y Viva la vida del fin de semana, esta última a cargo del grupo Assemblea Teatro de Italia, que fueron programadas como epílogo del evento.

Organizado por la Secretaría de Cultura de la provincia a través de la Subdirección de Artes Escénicas, esta gran fiesta del teatro reunió propuestas internacionales de Uruguay, Brasil, Chile, Bolivia, Suiza, Italia y España.

A la muestra internacional se sumaron espectáculos argentinos que llegaron a Córdoba desde Buenos Aires, Mendoza, Santa Fe, Rosario, Paraná y Chubut, sumando a estos, elencos oficiales, independientes y coproducciones especiales de la ciudad de Córdoba.

De este modo, la presente edición del Festival Internacional de Teatro del Mercosur agrupó más de 140 actividades que incluyeron, además de las funciones en salas, talleres y charlas, propuestas de extensión, funciones en barrios especialmente programadas, presentaciones de libros y un Taller de Crítica Teatral que llevaron adelante a lo largo de cuatro jornadas integrantes del Circulo de Críticos de las Artes Escénicas de la Argentina (Critea) de diferentes provincias, en la sede del Sindicato de Prensa de Córdoba (Cispren).

Los grandes protagonistas

En el marco de una programación profusa y diversa, que sumó en total una veintena de propuestas cordobesas frente a la docena de trabajos internacionales, buscando poner en valor el teatro de producción local, se destacaron, dentro del apartado internacional, puestas tales como Track (Suiza), del Teatro delle Radici; Odisea, versión del clásico de Teatro de los Andes de Bolivia; la chilena Diciembre, del grupo Teatro en el Blanco, bajo la dirección de Guillermo Calderón, y la española André y Dorine, del grupo Kulunka Teatro.

Por su parte, el unipersonal uruguayo Kassandra, con dramaturgia del francouruguayo Sergio Blanco y dirección de Gabriel Calderón, al frente del grupo Complot, se reveló como lo más destacado de la muestra internacional.

Dentro del apartado nacional, obras consagradas por el público y la crítica tales como las porteñas Nada del amor me produce envidia, de Santiago Loza con dirección de Diego Lerman; La familia argentina, de Alberto Ure con dirección de Cristina Banegas; Un hueco, de Juan Pablo Gómez, o la santafesina Edipo y yo, con dirección de Edgardo Dib, del mismo modo que la cordobesa Simulacro y fin, de Maximiliano Gallo, marcaron el rumbo de un teatro que se funde entre la experimentación y la fuerte presencia del actor, quedando entre los trabajos más singulares Amar, del creador porteño Alejandro Catalán.

Del mismo modo, Derechos torcidos, la obra del recordado Hugo Midón interpretada por chicos de una escuela de Villa El Libertador acompañados por el actor Giovanni Quiroga, puso la nota fundante de un teatro de fuerte impronta social y de los alcances de un proyecto verdaderamente inclusivo.

Párrafo aparte merece Tesoro público, de la Comedia Cordobesa, que abrió el evento, en el que el director Paco Giménez demuestra que su irreverencia, provocación e incorrección política están intactas. El creador de La Cochera y director de Los Delincuentes Comunes, lejos de atenuar su imaginario de lo que debe ser el teatro, y tomando apenas como disparadores textos de Brecht, Lorca o Camus, armó conjuntamente con los 17 integrantes del elenco estable que acredita cinco décadas de trayectoria, un espectáculo en cuyo entramado de situaciones brillan la denuncia y la necesidad de reconocimiento.

De la jornada del viernes, día del cierre oficial, también es de destacar el ciclo breve de tres monólogos surgidos de los Premios Federales de las Artes Escénicas, que agrupó una adaptación del Martín Fierro, de José Hernández, con la actuación de Carlos Durañona (Buenos Aires); Huachos de amor, con la actuación del chileno radicado en la Argentina Antonio López (Chubut),

y El cetro, con dramaturgia y actuación de Renzo Fabiani (Córdoba).

El cruce imprescindible

Si bien llegaron a Córdoba dos trabajos gestados en la provincia de Santa Fe: Edipo y yo, de la capital provincial, una propuesta surgida a partir de la Comedia de la Universidad Nacional del Litoral (UNL) bajo la dirección de Edgardo Dib, y Cuatro cuartos, emblemático espectáculo del grupo rosarino de danza-teatro Seisenpunto que dirige Cristina Prates, la nueva autopista que une Córdoba y Rosario debería convertirse, más allá de perimidas rivalidades históricas por el título de “segunda ciudad del país”, en un puente cultural que tome al Festival del Mercosur (ya que Rosario no tiene por el momento uno propio que refleje su valiosa y siempre elogiada producción teatral) como plataforma de intercambio y proyección latinoamericana.

La enorme producción teatral rosarina, que en muchos casos está a la altura de un festival internacional, no tiene una vidriera como el Festival de Teatro del Mercosur donde poder mostrarse y así poder llegar a otro público, a partir de una programación que, como ocurre en Córdoba, cuenta con una estructura de difusión que pone en valor el trabajo y el talento de sus creadores.

De lo naif a lo impiadoso, como un niño

2011-10-15T07:05:00.003-07:00

OPINIÓN

El músico y actor catalán Albert Pla, tras su paso por el Festival Internacional de Teatro del Mercosur de Córdoba, mostró en Pugliese las canciones de su reciente disco, "La diferencia", en el marco de su espectáculo "Tenemos un problema"

Por Miguel Passarini (Publicado en El Ciudadano & la gente, en su edición en papel del domingo 9 de octubre de 2011)

Pesadillas y situaciones verdaderas que por extremas se vuelvan casi inverosímiles; un carro cargado de pequeños recuerdos, momentos chiquitos que dan paso a momentos enormes. Así, dueño absoluto de la escena y de su público, y tal como lo hizo en el marco del 8° Festival Internacional de Teatro del Mercosur de Córdoba la semana pasada, el músico y performer catalán Albert Pla dibujará y desdibujará la realidad, cuando esta noche, a las 21, junto al guitarrista Diego Cortés, se presente en Pugliese (Corrientes 1530).

El de Pla es un show marcado por la singularidad, por la simpleza y por el absurdo, por lo arbitrario y lo desbaratado, por la conmoción y el humor negro.

Solo, camino al escenario, Pla deconstruye cualquier plan preestablecido con un puñado de canciones que dan forma (y deforman) a un show musical transformándolo todo en otra cosa.

Canta canciones como “Corazón”, para los que lo tienen y para los que en su lugar tienen un hueco, y vaya el palo para la Iglesia, para los necios, para los pobres de espíritu, para los que insisten con un proyecto individual por fuera de lo colectivo, porque, según dice, “hay que organizarse”.

Pla juega en escena, va de lo naif a lo violento, desgarra su guitarra eléctrica mientras Diego Cortés acude al virtuosismo de su guitarra flamenca, para abordar un mix entre rockero y cante de tablao.

Tras cartón, las vicisitudes de un gallo disfónico descriptas en “El Gallo Eduardo Montenegro”, servirán de antesala para decir: “Yo quiero que tu sufras lo que yo sufro, y aprenderé a rezar para lograrlo”, en uno de los mejores momentos del show, cuando “Sufre como yo”, inmortalizada en el film Carne trémula, de Pedro Almodóvar, se convierta en una bisagra para dar paso a los abigarrados solos de un Cortés sencillamente impresionante y sorprendentemente generoso con el público.

Más tarde, la movilizadora “La colilla” hará de las suyas al mostrar al Pla más político, al que toma postura (y emprende una suerte de venganza) frente a los embates de lo que supuestamente queda del llamado primer mundo frente al tercero, tomando como paradigma a los Estados Unidos, país al que imagina ardiendo en llamas como la antigua Roma (a través de un

hecho tan improbable como divertido), del mismo modo que, con su voz susurrante de niño malo, arremete con la tristeza simple de “Añoro”, donde “duelen los recuerdos” como en un feroz poema lorquiano.

Único a la hora de expresar su desconcierto frente al poder en todas sus formas, del mismo modo que sus deseos prohibidos frente a la belleza casi insolente de una joven en la calle que lleva “falda corta”, o contando y cantando la triste realidad del pobre “Joaquín el necio”, cuando Rosa lo deja por un negro “sin perdón” que será irremediablemente castrado, lo de Pla no es cosa simple; se trata de un artista de aristas personalísimas, que despliega en escena una libertad que logra contagiar a la platea que, como pasa con lo verdaderamente bueno, siempre se queda con ganas de más.

La actuación en primer plano

2011-10-15T06:54:00.000-07:00

8° FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO DEL MERCOSUR

Propuestas nacionales e internacionales de gran valor artístico completaron en las últimas jornadas la destacada grilla del evento que finaliza hoy después de diez días de intensa y atractiva programación

Por Miguel Passarini (Publicado en El Ciudadano & la gente, en su edición en papel del viernes 7 de octubre de 2011)

El 8º Festival Internacional de Teatro del Mercosur finaliza hoy en la ciudad de Córdoba, después de 10 días, con la clara convicción de mantener intacta su identidad, independientemente de algunas arbitrariedades dentro de una programación compleja

de armar por su diversidad, integrada por más de cuarenta propuestas tanto del país como del exterior, en las que se incluyen trabajos de sala y proyectos especiales.

Dentro del apartado nacional, obras consagradas por el público y la crítica tales como las porteñas Nada del amor me produce envidia, de Santiago Loza con dirección de Diego Lerman; La familia argentina, de Alberto Ure con dirección de Cristina Banegas; Un hueco, de Juan Pablo Gómez, o

la santafesina Edipo y yo, versión del clásico de Sófocles de Edgardo Dib, del mismo modo que la cordobesa Simulacro y fin, de Maximiliano Gallo, se destacaron en los últimos días. Aunque una de las grandes sorpresas de la presente edición del Mercosur fue, sin duda, Amar, del creador porteño Alejandro Catalán.

Las contradicciones del amor

En Amar, un verdadero prodigio teatral que conjuga ingenio, actuaciones deslumbrantes y un dispositivo escénico que no se parece a nada, donde todo el artificio del teatro queda a la vista y sin embargo la convención con el público permanece intacta, Alejandro Catalán atraviesa junto a sus actores un decálogo de situaciones ligadas con el amor y el fracaso.

Edgardo Castro, Ximena Banús, Natalia Di Cienzo, el rosarino Miguel Ángel Bosco, Federico Liss y Paula Manzone arman y desarman los entretelones de tres parejas en una noche frente al mar.

El artificio es funcional a un presente constante en el que los personajes van dejando entrever la trama de sus vínculos de pareja, en una construcción que del mismo modo que acerca la circularidad del cine de Bergman o del mejor Woody Allen abreva por pasajes en las bizarras instancias del más abigarrado melodrama.

Sólo unas linternas que apelan a los primeros planos manejadas por los mismos actores y unos tubos hechos con botellas de plástico descartables que asemejan palos de agua y con los que reproducen la inconfundible sonoridad del mar, son suficientes para codificar situaciones propias

de una noche en la que el calor, la música estridente y los tragos portentosos serán el puente para que las verdades más dolorosas, los rencores más funestos, la envidias más inconfesables y los deseos más ocultos salgan a la luz, en lo que el director define como “el derrotero de una noche intensa y descarriada”.

“En esta obra continúo profundizando la problemática en torno a la que constituí mis proyectos anteriores: el imaginario actoral. Esta profundización implica dos aspectos; uno es el desalojo de referencias totalizadoras, centralizantes o preestructurantes que identifico en la práctica escénica

habitual y descubro escondida en mis trabajos anteriores. El otro aspecto fue, consecuentemente,

el compromiso con una mayor apertura e indeterminación en el proceso de búsqueda a realizar con los actores, abordando a la actuación como un juego mágico y radical”, sostiene Catalán.

Ilustres visitantes

De las últimas jornadas, y dentro del apartado internacional, se destacaron puestas tales como Odisea, versión del clásico de Teatro de los Andes de Bolivia, con dirección de Cesar Brié (aunque éste ya no pertenezca a la compañía); la chilena Diciembre, del grupo Teatro en el Blanco, bajo la

dirección de Guillermo Calderón, y la española André y Dorine, del grupo Kulunka Teatro.

Con el extraordinario trabajo de José Dault, Garbiñe Insausti y Edu Cárcamo, bajo la dirección de Iñaki Rikarte, André y Dorine, que llegó del País Vasco, retrata con singular intensidad y sin palabras la vida de una pareja de ancianos que se ve atravesada por la enfermedad de Alzheimer, en un relato dramático en el que se ponen en jaque los efectos de la memoria, la pérdida de la identidad y el paso del tiempo como ejes estructurantes de un trabajo profundo y conmovedor.

En una casa, dos ancianos, frente a la pérdida de aquello que se tuvo siempre, buscarán reconstruir desde lo posible y como en una película en sepia, los momentos que marcaron el encuentro, el amor, las grandes pasiones de ambos: André por la escritura y Dorine por la música.

Casi al mismo tiempo que Dorine no encontrará la manera de hacer sonar su violonchelo como antes, André buscará, tras el enojo que le causa el dolor, la manera de rearmar su forma de vincularse con alguien que ya no lo reconoce.

Con el recuerdo aún presente de la extraordinaria Lejos de ella, película rodada por la canadiense Sarah Polley sobre la misma temática (protagonizada por una inolvidable Julie Christie), el equipo partió, sin embargo, de la historia del vínculo que unió al filósofo francés André Gorz con su esposa Dorine, a la que le escribió una carta cuando descubrió que estaba enferma, aunque no de Alzheimer.

Así, sólo tres actores componen una docena de personajes, a través de los cuales juegan a recrear una especie de retablo en el que como títeres mudos a escala humana (utilizan máscaras) transitan una historia que, según aclaran, se revela como “un viaje a través del recuerdo; recordar quiénes han sido para no olvidar quiénes son”.

Color, provocación y mucha irreverencia

2011-10-14T16:05:00.000-07:00

8° FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO DEL MERCOSUR

La fiesta comenzó con el murguero uruguayo Tabaré Cardozo y el estreno de “Tesoro público”, con Paco Giménez, al frente de la histórica Comedia Cordobesa

Por Miguel Passarini (Publicado por El Ciudadano & la gente, en su edición en papel del viernes 30 de septiembre de 2011)

La fiesta teatral está en marcha: los murgueros del uruguayo Tabaré Cardozo coparon diversos escenarios en una apertura sin precedentes, descentralizada, recorriendo con su arte varios escenarios para terminar a la caída del sol en el viejo Mercado Norte (construido en 1927), a pocas cuadras del corazón de Córdoba. Así comenzó el miércoles el 8° Festival Internacional del Mercosur que organiza la Secretaría de Cultura provincial, y que hasta el 7 de octubre tendrá lugar en la Docta y en las distintas subsedes de toda la provincia.

Desde temprano, en la plaza de Villa Libertador, y luego en la plaza Lavalle de San Vicente, a modo de breves “llamadas” o “toques”, Tabaré Cardozo y su banda dieron el puntapié inicial a una jornada que cerró el legendario Paco Giménez con el estreno de Tesoro público, por primera vez como director invitado de la Comedia Cordobesa.

La banda de Cardozo, líder de la colorida murga Agarrate Catalina, repasó, en medio de los aromas propios del mercado que se aprestaba alrededor de las 20 a cerrar sus puertas tras una jornada muy calurosa, clásicos de su repertorio al tiempo que homenajeó al recordado Canario Luna.

Rara mezcla de gardelito y murguero, Cardozo hizo gala de su conocida presencia escénica, mechando entre sus canciones el típico discurso al que los uruguayos tienen acostumbrados a su público. La poesía de Cardozo brilló en “El tipo de la radio” y “El pistola”, en homenaje a uno de los tantos “ángeles del barrio” que la murga suele homenajear.

Paco, siempre Paco

La irreverencia, la provocación y la incorrección política están intactas en Paco Giménez, uno de los creadores más relevantes de las últimas tres décadas del teatro cordobés, cuyo talento ha traspasado las fronteras de su ciudad natal, para ocupar un lugar de privilegio en la escena argentina en general.

Convocado para dirigir la Comedia Cordobesa, compañía con más de cincuenta años de trayectoria y con cierta “fama” de haberse burocratizado, el creador de La Cochera y director de Los Delincuentes Comunes, lejos de atenuar su imaginario de lo que debe ser el teatro, y tomando apenas como disparadores textos de Brecht, Lorca o Camus, armó con los 17 integrantes del elenco estable Tesoro público, un entramado de situaciones en el que brilla, desde la denuncia, la necesidad de reconocimiento por parte de la comunidad teatral y del público en general de un equipo artístico que, quizás, no había encontrado en los últimos años un director que sepa acompañarlos en una búsqueda de nuevos sentidos que ponga en valor su trabajo.

Giménez, que reparte su tiempo entre Córdoba y Buenos Aires, arribó a un montaje que tiene mucho de catártico y liberador, cuya impronta, en algunos pasajes, recuerda a la siempre polémica Insultos al público, del austríaco Peter Handke.

Aquí, pareciera que los actores, lejos de aceptar el mote de “aburguesados”, dieron el sí al nada menor desafío del director, quien pone en jaque desde los discursos la verdadera tarea del actor que se involucra en una comedia oficial, frente a la inestabilidad del mal llamado teatro independiente. Pero, sobre todo, Giménez busca poner a la luz el verdadero rol del teatro, el arte más efímero de todos, devolviéndole a los actores de la mítica Comedia Cordobesa el lugar que se merecen: el espacio mágico que implica la actuación, la instancia poética del hecho de actuar en un “templo” en el que, tal como escribe el propio director en el programa de mano, conviven “sacerdotes y bufones, dioses y pecadores”.

De este modo, la sala Carlos Giménez del Teatro Real se llenó de esos “pequeños tesoros” que el singular y ecléctico equipo artístico tenía guardados; un poco apelando a los recuerdos, un poco retomando otros personajes ya transitados, pero lejos de cualquier texto preestablecido, como es habitual cada vez que encaran un proyecto.

El resultado, un espectáculo en el que la ironía y el desenfado invitan al público a reconciliarse con el mejor teatro, recuperando ese “tesoro público” que estaba latente pero oculto.

Hermosas criaturas celestiales

2011-10-14T15:58:00.000-07:00

8º FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO DEL MERCOSUR

En el apartado “Eventos especiales”, se vio una iluminada versión de la comedia musical “Derechos torcidos”, obra del recordado Hugo Midón, protagonizada por 15 chicos de una escuela barrial

Por Miguel Passarini (Publicado en El Ciudadano & la gente, en su edición en papel del miércoles 5 de octubre de 2011)

Un juego de niños en escena; la puesta a punto de una comedia musical surgida del trabajo de un equipo artístico al que le interesa aportar algo más que la simple mirada; el deseo más palmario de abrir una puerta al verdadero arte para muchos de aquellos que por largo tiempo la tuvieron cerrada.

En el apartado “Eventos especiales”, el 8° Festival Internacional del Mercosur, sumó el lunes la presentación de una iluminada versión de Derechos torcidos, obra del recordado Hugo Midón, un emblema del teatro infantil en la Argentina, quien falleció en marzo de este año, que hace honor a su viejo sueño de “transformar la realidad a través del juego”.

Ideada y producida por el histórico Teatro Real, que lleva adelante el también director del Festival del Mercosur, Raúl Sansica, quien claramente ha dado un vuelco notable en materia de política institucional al referido coliseo abriendo sus puertas a lo grande y para todos, la versión incluye a 15 niños de la Escuela Marta Juana González de Villa Libertador, que junto al talentoso actor de la Comedia Cordobesa Giovanni Quiroga (también integrante de La Cochera y del grupo Los Delincuentes Comunes, creado por Paco Giménez), actúan, cantan y bailan (algo que hacen por primera vez), con la intención concreta de integrarlos a un proyecto con artistas profesionales, abordando, además, una puesta de gran valor artístico, abarrotada de frescura, alegría y singularidad, y alejada de cualquier posibilidad de golpe bajo.

Con un equipo de trabajo que desde la dirección musical completa Carlos Gianni (creador de la música original y colaborador de Midón) y desde la dirección general el talentoso teatrista porteño Rubén Segal, la obra busca relatar a través de diversas situaciones salpicadas con canciones, las alegrías, tristezas y carencias de un grupo de chicos que comparte su cotidianeidad en lo que bien podría ser el comedor comunitario de cualquier barrio marginal de cualquier ciudad argentina con un particular personaje (Pocho, interpretado por Quiroga) que hace las veces de amigo, padre y consejero.

De todos modos, e independientemente de la universalidad de la problemática, ciertos aires de cuarteto y la singularísima manera de hablar y moverse de los cordobeses, instala claramente el conflicto en las márgenes de la ciudad de Córdoba.

Si bien están planteadas las situaciones de riesgo social que atraviesan estos chicos, dado que, más allá del relato de Midón mucho de su cotidianeidad se filtró en los ensayos, la puesta es, por encima de todo, de un gran valor teatral, al tiempo que se revela como un hecho político tratándose de una producción de un teatro oficial, que además la convierte en un hecho inédito que debería recorrer todos los teatros oficiales del país.

Salud, educación e identidad aparecen como los ejes principales sobre los cuales discurren las canciones y situaciones planteadas, en su mayoría las originales escritas por Midón (el espectáculo tuvo su estreno en el porteño Complejo La Plaza con un elenco profesional encabezado por Osqui Guzmán), aunque la obra sufrió algunas adaptaciones en el devenir de los ensayos, que comenzaron en marzo de este año.

En este tiempo, esos encuentros admitieron modificaciones a partir de un numeroso grupo de chicos que comenzó con el proceso y del cual quedaron los 15 que hoy participan por voluntad propia y de sus padres, teniendo en cuenta que en todos los casos se trataba de la primera vez que abordaban semejante desafío, algo que el director planteó desde la más absoluta igualdad y sin ningún protagonismo por fuera de la presencia de Quiroga.

Según relatan desde la sala, “en marzo de 2011 las puertas del Teatro Real se abrieron para iniciar esta experiencia, que permitió reunir a 15 niños, de entre 8 y 14 años, e integrarlos al equipo profesional del teatro. El objetivo principal del proyecto fue trascender la excelencia artística, para generar un espacio que privilegiara diferentes valores. La pasión, la entrega, el encuentro con los otros, la generosidad, la adaptación al cambio y la flexibilidad, intentaron ser el eje principal de esta tarea. El teatro, más allá del contenido de sus obras, permite generar experiencias humanas, en donde aquellos que las atraviesan son transformados

y a su vez tienen la misión de compartir esa transformación con los demás”.

Si bien a lo largo de la historia mucho se ha hablado y discutido acerca del rol social del teatro, esta versión de Derechos torcidos implica subir varios escalones en términos de pensar al teatro como un fenómeno inclusivo, que, como en este caso, ponga en valor los verdaderos derechos universales de los niños, quizás para que los derechos no estén tan “torcidos”, invitando al escenario a un puñado de hermosas criaturas celestiales que de ahora en más tienen un lugar de pertenencia en el teatro.

Virtualidad y realidad en performances contrastadas

2011-10-14T15:43:00.000-07:00

8º FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO DEL MERCOSUR

Por Miguel Passarini (Publicado en El Ciudadano & la gente, en su edición en papel del martes 4 de octubre de 2011)

Como pasa habitualmente en cada edición del Festival Internacional de Teatro del Mercosur que termina el fin de semana, las nuevas tecnologías y las propuestas alternativas suelen ocupar un espacio importante de la programación. Aunque distanciados por cuestiones tecnológicas y de lenguaje, durante el fin de semana dos momentos del festival apelaron a recursos preformativos

para abordar vínculos entre los protagonistas y el público.

Por un lado, el prolífico equipo de investigación BiNeural-MonoKultur, que recorre diferentes ciudades del mundo con trabajos creados para cada lugar, estrenó Homo-migrator.www (Virtual Performances – laboratorio para teatro virtual), en el que intervienen artistas de la Argentina, Alemania, Brasil, Colombia y España.

Por otro, el dramaturgo franco-uruguayo Sergio Blanco, encabezó la performance Diez dramaturgos en espacios públicos, en la que un grupo de dramaturgos cordobeses, a partir de algunas consignas, buscaron hacer “visible lo invisible”, la escritura de los dramaturgos de gabinete, quienes trasladaron a la plaza sus escritorios, sus objetos personales, y frente a viejas máquinas de escribir desarrollaron historias a partir de consignas, al tiempo que buscaron reconstruir los relatos fragmentados de los ocasionales y curiosos transeúntes.

En Homo-migrator.www…, una propuesta de poco más de una hora de duración, los artistas Christina Ruf y Ariel Dávila, creadores del concepto, dirección y dramaturgia de la propuesta concebida en cuatro postas, trabajan a partir del reencuentro ocasional entre diferentes inmigrantes y los espectadores que, divididos por grupos pequeños, recorren cuatro salas del Centro Cultural España Córdoba, con la intención de descubrir los motivos y las arbitrariedades de los diferentes tipos de exilios que padecieron cada uno de los “migrantes”.

Así, las ideas de viaje, de reencuentro (virtual) y de compartir algo más allá de la distancia, pone

en jaque los alcances de las nuevas tecnologías a través de una simple cámara web y de un contacto on-line real con artistas que se encuentran en Alemania, España, Colombia y Brasil, apelando, en algunos casos, a pequeñas ficciones, y en otros, a historias reales, momentos en los cuales el proyecto se revela como una especie de biodrama virtual.

De este modo, esta serie de “intervenciones virtuales-teatrales” vía videoconferencia por internet, juega con la idea de mundo sin fronteras y en relación con la WorldWideWeb (www). En ese contexto, se trabaja sobre la idea de que el video-chat, “se convirtió en la herramienta fundamental de comunicación del migrante”.

También, la propuesta juega con la verdad y la mentira, con la imposibilidad de confirmar o descartar información, y con un nuevo modo de ficción que va a mitad de camino entre el “aquí y ahora” del teatro y el distanciamiento que provoca la presencia de una pantalla de televisión, dado que el vínculo que muestra cada segmento vía Skype es amplificado a través de este formato más convencional, convirtiendo a cada potencial espectador en un “televidente”.

BiNeural-MonoKultur es un grupo performático fundado en 2004 por Christina Ruf (Alemania) y Ariel Dávila (Argentina) para investigar en formatos que intervengan en el límite de la realidad y la ficción. Sus trabajos experimentan con espacios no convencionales y dan cuenta de un cruce de diferentes disciplinas.

Por su parte, dentro del apartado “Eventos especiales”, el dramaturgo Sergio Blanco tuvo a su cargo una performance que copó la atención de los cordobeses que transitaban por la histórica Plaza San Martín (frente al Cabildo y la Catedral).

Instalados con viejas máquinas de escribir, los dramaturgos involucrados apelaron al relato de los caminantes que en la calurosa noche del sábado fueron la matriz de posibles textos dramáticos ampliados y desarrollados en el mismo momento.

Así, partiendo del concepto de poner en primer plano el rol del que escribe, muchas veces opacado por la puesta en escena, este habitual acto privado quedó al desnudo.

Gonzalo Marull, Daniela Martín, Rodrigo Cuesta, Jazmín Sequeira, Rodrigo Fonseca, Sonia Daniel, Emilio Díaz Abregú, Mariana Richardet, Ricardo Ryser y Nadia Basanta fueron los dramaturgos involucrados a partir de un proyecto que, también, tuvo cierto aire de denuncia frente a la desconsideración que suelen sufrir los dramaturgos ante las mutilaciones, modificaciones e intervenciones que padecen sus textos, dado que el hecho de apropiarse de un ámbito como una plaza tiene cierto costado de acto político y de protesta, frente a los imponentes edificios históricos que la circundan y que representan todos los poderes.

Uno de los datos más interesantes fue la amplificación del sonido de los teclados de las recuperadas máquinas de escribir (en muchos casos, objetos de museo), casi como la musicalidad de una experiencia cuya riqueza se basa en la idea de “escuchar y ver” como se da la forma y se construye un texto teatral.

Entre tragedias y resignificaciones

2011-10-14T15:30:00.000-07:00

8° FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO DEL MERCOSUR

En diversos escenarios se vieron atractivos espectáculos como el uruguayo “Kassandra”, la obra suiza “Track” y el show del performer español Albert Pla

Por Miguel Passarini (Publicado en El Ciudadano & la gente en su edición en papel del domingo 2 de octubre de 2011)

En las últimas jornadas, Córdoba hizo honor a un prestigio ganado en materia de programación festivalera desde los años 80, tras el advenimiento de la democracia con el recordado Festival Latinoamericano que vio la luz en 1984, y que se revela como la antesala del actual encuentro. Así, conservando la identidad perdida por otros eventos similares, que en pos de “compartir” propuestas se ven desdibujados, y hasta dejan de ser un festival para pasar a ser sólo una muestra de espectáculos, el 8º Festival Internacional de Teatro del Mercosur mostró entre jueves y viernes algunas propuestas verdaderamente innovadoras.

Kassandra, del grupo uruguayo Complot, es un claro ejemplo de lo que implican los desafíos y los riesgos a la hora de pensar y producir teatro en la actualidad.

Apelando a un lenguaje que, en principio pareciera complejizar el vínculo de la actriz protagonista con el público, dado que todo el espectáculo es en inglés, Roxana Blanco, de la mano del dramaturgo franco-uruguayo Sergio Blanco, y bajo la dirección del talentoso Gabriel Calderón, logra actualizar lo que para las tragedias clásicas fue siempre un personaje menor, Casandra, una adivinadora del destino que aquí aparece con una sexualidad ambigua. Se trata de

una prostituta desolada (una travesti), traicionada y abandonada, que verá ante el público cómo su propio destino, irremediablemente, será la muerte.

Construyendo una trama de solidez inusual, la actriz repasa momentos de la vida de esta mujer, cuyo nombre en griego antiguo significa, nada menos, que “la que enreda a los hombres”.

Doloroso recorrido por los últimos momentos del personaje será el que enfrente el público a través de un texto de palabras simples que al estar dichas en inglés obligan a un nivel de atención particular, apelando al talento de una actriz extraordinaria que nunca pierde el contacto con el público, algo que establece desde que los invitados llegan a la sala, convertida en una especie de prostíbulo-cabaret. Economía de recursos y una historia que va del humor al dolor, sirven para traer al presente a la otrora heroína troyana: una migrante de cualquier lugar, una mujer que al hablar de los personajes y las tragedias del pasado está hablando de las tragedias del mundo presente.

Abandonos, problemas de género, relaciones incestuosas, individualismo exacerbado, exilios dolorosos, destinos inmodificables, mediatizaciones enfermantes, incomunicaciones cotidianas atraviesan su frondoso relato.

El mayor capital del trabajo está, más allá de la performance de la estupenda actriz, en el texto de Blanco, quien sostiene que buscó (y consiguió) “una verdadera desescritura del mito”.

El grupo Complot tiene como particularidad, según se encargan de declarar, “objetivos y pensamientos siempre diferentes: las formas de pensar la escena, los resultados buscados, las razones que mueven los diferentes espectáculos y actividades que desarrollamos son siempre distintas y aún mejor, contradictorias”.

Por otra parte, de Suiza llegó a Córdoba Track, del grupo Teatro delle Radici, con las actuaciones de los italianos Andrea Fardella y Camilla Parini, a partir de texto y dirección de la cordobesa radicada en Europa, Cristina Castrillo.

Un compendio de situaciones que por momentos parecieran traer al presente instancias del mejor absurdo beckettiano, transitan los entretelones de Track, una especie de diáspora sobre el vínculo entre un hombre y una mujer que arman un recorrido que parecieran repetir hasta el hastío.

“Hacemos crack porque somos sólo la réplica de nosotros mismos, porque somos sólo sangre rabiosa pero no tenemos ni las pelotas ni la lealtad de defender una idea, un movimiento, una ilusión o la diversidad de una mutación. Hacemos crack porque hemos permitido a nuestro corazón distraerse. Tenemos que hacer crack porque no somos otra cosa que el simulacro de un sueño… y saberlo, hace daño”, escribe la talentosa directora con cuatro décadas de trayectoria, quien en los años 70 integró en su Córdoba natal el emblemático grupo Libre Teatro Libre (LTL), hasta la fundación, en 1980 en Suiza, del prolífico Teatro de las Raíces.

Otro de los puntos más altos de las dos últimas jornadas lo protagonizó el artista catalán Albert Pla, con su espectáculo Tenemos un problema, un singularísimo concierto que el próximo domingo 9 se presentará en el reducto rosarino Pugliese, donde Pla está acompañado por el arrollador guitarrista flamenco Diego Cortés, quien desde su impronta gitana juega con el conocido talento de Pla para pasar, sin escalas, de lo naif a lo tremendo y horroroso, a través de un puñado de canciones maravillosamente llenas de verdad, crudeza y el más potente realismo posmoderno.

Córdoba, gran protagonista

2011-10-14T15:14:00.000-07:00

8° FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO DEL MERCOSUR

El evento, que comienza hoy y se extenderá hasta el 7 de octubre, agrupará 12 espectáculos internacionales, que llegarán desde Suiza, España, Italia y Chile, entre otros destinos, y más de 30 propuestas argentinas

Por Miguel Passarini (Publicado en El Ciudadano & la gente, en su edición en papel del miércoles 28 de septiembre de 2011)

Imbuidos en la mística del precursor Festival Latinoamericano de Córdoba, una nueva edición del Festival Internacional de Teatro del Mercosur, la 8ª, se pondrá en marcha hoy en la Docta, con la certeza de que, una vez más, el talento de grandes artistas, que en esta oportunidad llegarán de diferentes lugares del país y del mundo, coparán los escenarios de una ciudad cuya opción por el teatro de arte se ha vuelto una marca indeleble a lo largo de su historia.

De este modo, hasta el 7 de octubre, se desarrollará una nueva edición de la prestigiosa muestra teatral, cuyo lanzamiento oficial tuvo lugar esta semana con la presentación de la compañía española La Zaranda.

Según declaraciones del director del evento, Raúl Sansica, el festival es una invitación al cruce: “Cruce de fronteras, de gustos, de públicos, de barrios, de pueblos, y de individuos que construyen desde lo diverso una universalidad palpable. Una nueva ocasión para volver hacia nosotros y hacia los otros la mirada compartida y comunitaria, en el ritual de encontrarnos desde la divergencia”.

El festival bianual se realizará en salas oficiales (Teatro Real, Teatro del Libertador, Ciudad de Las Artes), independientes y espacios no convencionales (plazas, barrios, cárceles y clubes). Las subsedes provinciales serán esta vez, entre otras, Alta Gracia, Capilla del Monte, Carlos Paz, General Levalle, Huinca Renancó, Jesús María, Morteros, Oliva y Oncativo.

Integran la grilla doce propuestas internacionales provenientes de España, Suiza, Italia, Brasil, Uruguay, Chile y Bolivia; al tiempo que otras doce obras de Buenos Aires, Mendoza, Santa Fe, Entre Ríos y Chubut, y alrededor de 20 producciones de Córdoba, se suman a la muestra nacional.

Desde el mediodía de hoy, comienza a vivirse el festival con la barriada murguera, una propuesta que reúne al uruguayo Tabaré Cardozo con vecinos, teatreros, murgueros y músicos de distintos barrios de la ciudad. En El zoológico de mi cabeza, tal el nombre del espectáculo, el cantautor y su banda pasean por múltiples estilos musicales, que van desde el soul al ska. Cardozo se presenta a las 12 en la plaza de Villa Libertador, junto a las murgas cordobesas Losdealado y Ckary Cay. A las 18, junto al grupo de música brasileña Alborada, los uruguayos montarán una nueva presentación en la plaza Lavalle de San Vicente, al tiempo que, a las 19.30, en el Pasaje Central del Mercado Norte, repetirán la experiencia.

La apertura oficial está prevista para las 21 en la sala Carlos Giménez del histórico Teatro Real, con el estreno de Tesoro público, una creación de la Comedia Cordobesa dirigida en esta ocasión por el talentoso Paco Giménez, creador de reconocida trayectoria nacional, y mentor de La Cochera.

Según las elocuentes palabras de Giménez: “Se trata de un espectáculo que expone, exhibe e involucra a los integrantes actuales de esta cincuentenaria compañía teatral. Podrán ser vistos y captados como intérpretes sueltos de sus propias cosas, y también como compañeros unidos en una licencia escénica «que supimos conseguir». Acicateados por una dosis subliminal de Brecht y otra de Camus, intervienen el tiempo y el espacio en el Teatro Real, templo propicio para sacerdotes y bufones, para dioses y pecadores, para neuróticos artistas institucionalizados, y para la expresión, que es una excreción que no necesita papel”.

Propuestas santafesinas

En el marco de la programación oficial del festival, llegarán a Córdoba las obras Edipo y yo, a cargo de la Comedia de la Universidad Nacional del Litoral, con dirección de Edgardo Dib, y la puesta de danza-teatro rosarina Cuatro cuartos, del grupo Seisenpunto, que dirige Cristina Prates.

Dib, a partir del clásico Edipo rey, de Sófocles, montó un singular melodrama del que participan seis actores, donde, con ironía, desgrana los entretelones de la tragedia, en el contexto de una supuesta “familia real feliz”.

Seisenpunto, por su parte, vuelve a escena con la elogiada Cuatro cuartos, obra que revela las intimidades del mundo femenino, en este caso, el de una madre que va enloqueciendo de culpa, acosada por sus pensamientos y la obsesión de “prevenir todas las calamidades que acechan a sus hijos”.

Atractivos proyectos especiales

Cuatro propuestas de reconocidos directores cordobeses se suman a la grilla. José Luis Arce presenta Tango del vacío; Ariel Dávila, Virtual performance; Jorge Villegas, Zoociedad y Omar Viale, una versión de El niño argentino, del dramaturgo porteño Mauricio Kartun.

Otro proyecto a destacar es la versión cordobesa de la obra Derechos torcidos, de Hugo Midón, que incluye a 15 niños de la Escuela Marta Juana González, de Villa El Libertador, y al actor de la Comedia Cordobesa e histórico integrante de Los Delincuentes Comunes, Giovanni Quiroga.

Además, diez dramaturgos se reunirán, convocados por el uruguayo Sergio Blanco, en la plaza San Martín, donde se instalarán con viejas máquinas de escribir y receptarán historias del público ocasional, en el contexto de otro atractivo proyecto en el que los cordobeses se verán directamente involucrados.

Por otra parte, en el contexto de un taller denominado “La mirada que escribe”, un grupo de periodistas teatrales y críticos de diferentes medios nacionales, llevarán adelante un espacio destinado a la formación de nuevos críticos, del que participarán estudiantes de comunicación y periodistas.

Valioso homenaje a un juglar inolvidable

2011-09-17T15:57:00.000-07:00

ESTRENO EN GIRA. Mauricio Dayub dirige a Osqui Guzmán en una nueva lectura de la emblemática obra “El Bululú”, creada en los años 70 por el recordado José María Vilches, que esta noche y mañana se presenta en el teatro municipal La Comedia

Por Miguel Passarini (Publicado en El Ciudadano & la gente, en su edición en papel del sábado 17 de septiembre de 2011)

Otra vez el mundo es la palabra, otra vez el mundo es el de la poesía en su más pura presencia. Se trata de esa misma poesía que adquiere en escena un sentido trascendental cuando un actor puede aportar la intensidad necesaria como para movilizar a la platea (conmover y divertir en iguales dosis) sin más elementos que el cuerpo, la voz y el sentido de un relato valioso.

Pensar en una versión de El Bululú sin el recordado actor español José María Vilches parece, al menos a primera vista, una osadía. Sin embargo, en tono de colorido y festivo homenaje, la dupla que integran el entrerriano Mauricio Dayub (director) y el porteño Osqui Guzmán (actor), trasciende el recuerdo para adquirir entidad propia, algo que el público rosarino podrá comprobar esta noche a las 21.30, o bien mañana a las 20.30, cuando El Bululú, una producción del Teatro Nacional Cervantes, desembarque en La Comedia (Mitre y Ricardone) en el marco de una importante gira nacional, un hecho que se convierte en una de esas pocas “citas imperdibles” del año con ese otro teatro que llega desde Buenos Aires, por suerte muy alejado del que apela al marketing televisivo.

José María Vilches hizo de El Bululú, a partir de mediados de los años 70, su medio de vida. Con el espectáculo, donde aparecía en escena apenas con unos pocos objetos, múltiples personajes (de allí el nombre de “bululú”, tal como llamaban a un singular actor español que tuvo su momento del esplendor hacia fines del siglo XVI) y su inconmensurable presencia, recorrió el país llevando consigo la historia de un actor trashumante que homenajeaba con su voz inigualable a sus autores amados: Quevedo, Antonio Machado, Miguel Hernández, Lope de Vega y Lorca, entre otros.

Vilches encontró la muerte en 1984, en una ruta; vaya paradoja para un actor que vivía viajando y que amaba los caminos. Con todos estos elementos, pero partiendo de su propia historia familiar y de acercamiento al arte dramático, Osqui Guzmán no juega “a ser Vilches”. Por el contrario, se vale de algunos de sus recursos escénicos, pero al mismo tiempo trae al presente a esos mismos autores, en su devenir de contar la historia de un actor (el propio Guzmán) que escuchaba a Vilches a través de un viejo cassette mientras colaboraba con el taller de costura familiar y soñaba con estudiar artes marciales, casi sin imaginar cuál sería su verdadero destino.

De este modo, la singularidad de la propuesta, donde se apela de lleno al homenaje y no a una “versión”, posiciona al trabajo en un lugar más “cómodo”, no sólo para el público sino también para el talentoso Guzmán (El niño argentino, de Mauricio Kartun; El batacazo, también con Dayub como dramaturgo y director), que al contrario de sentir la carga de semejante desafío, brilla en escena merced a su ductilidad como intérprete, mimo, clown e incluso cantante.

Así, el actor, que soñó desde sus comienzos con poder recrear este personaje, se luce en escena con su conocido abanico de recursos, a través del cual, del mismo modo que juega con el humor que lo caracteriza, pone de manifiesto su conocimiento del Siglo de Oro Español, e incluso recrea, en uno de los momentos más emocionantes de toda la puesta, los versos del Romancero Gitano, de Federico García Lorca.

En ciernes, esta nueva concepción de El Bululú de Vilches (ahora, por mérito ganado, también de Guzmán), que aún resuena en la memoria de más de un rosarino que lo vio en alguna de sus visitas a la ciudad, se revela como el valioso homenaje a un juglar inolvidable, pero también a los grandes autores, al oficio de actuar y a la concreción de un sueño largamente anhelado.

Todos de pie frente al horror

2011-09-14T10:41:00.000-07:00

ESTRENO. Cristian Cabruja y Viviana Trasierra hablan de “El teatro en la dictadura”, documental en el que indagan en la producción escénica local entre 1976 y 1983, a partir de los testimonios de algunos de sus protagonistas, que se conoce esta tarde, a a partir de las 19, en la sala Arteón, de Sarmiento al 700

Por Miguel Passarini (Publicado por El Ciudadano & la gente en su edición en papel del 15 de septiembre de 2011)

Espacio de resistencia y contracultura, lugar de encuentro, ámbito de reflexión y contención. El teatro rosarino ha sido siempre el soporte de un movimiento de intelectuales inquietos que, como pasó durante la última dictadura, supieron de persecuciones, amenazas y atentados, pero lejos de amilanarse ante el embate del terrorismo de estado, siguió adelante dejando una huella que se proyecta enriquecida y ampliada en la producción teatral contemporánea.

Con la idea de desentramar lo acontecido por aquellos años, los artistas locales Cristian Cabruja (director) y Viviana Trasierra (productora, guionista, investigadora), tras un largo proceso de investigación, rodaje y edición, que estuvo a cargo de Ignacio Roselló, estrenarán esta noche El teatro en la dictadura, documental que a través de testimonios e imágenes busca indagar en la producción local que va de 1976 a 1983. El teatro en la dictadura se conocerá, a las 19, en Arteón (Sarmiento 778), con entrada libre, sala que además comienza de este modo con los festejos por los dos años de su reapertura. Por otra parte, el material llegará el lunes 19, a las 19.30, a la pantalla de Canal Encuentro, donde también se verá en diferentes horarios dentro de la misma semana.

—El estreno del documental en una sala histórica como es Arteón, no es casual…

—(Cabruja) Estrenamos en Artéon porque para nosotros y para el teatro local fue y es un lugar emblemático que por suerte está recuperado. Sólo hay que recordar que en 1971 (Arteón había comenzado a funcionar en 1968), un grupo de tareas lo prende fuego. Justamente por eso, cuando nosotros contábamos acerca de este proyecto en Buenos Aires, nos decían que era muy parecido a lo que había pasado con Teatro Abierto (comenzó en julio de 1981, y a los pocos días incendiaron el Teatro Del Picadero, donde funcionaba). Y nosotros decíamos que aquí había pasado mucho tiempo antes: los grupos de tareas empezaron a quemar teatros en democracia y terminaron incendiando el Olimpo (1980). Entonces, cuando empezamos a indagar, apareció un tema que es muy profundo: la historia de un grupo de artistas de orígenes diversos que se quedó de pie frente a la dictadura haciendo lo que mejor sabía hacer, que era teatro.

—Previo a la dictadura, en Rosario se hacía un teatro muy político y fue difícil sostener esos discursos ¿Cómo refleja eso el documental?

—(Cabruja) Es que en aquél momento se trataba de grupos de teatro que se habían formado por cuestiones políticas: estaban los que pertenecían al radicalismo, los peronistas, la gente del PC, entre otros. Eran grupos entre los que no había cruces. Sin embargo, cuando viene el golpe de Estado del 76, se abroquelaron en espacios, en sótanos, redujeron su apuesta teatral, pero siguieron juntos. Hubo un primer año que fue muy duro, del 76 al 77, que tuvieron que soportar listas negras, secuestros, encarcelamientos, ensayos donde había gente armada. La verdad es que en el proceso de investigación, aparecieron historias muy interesantes y hay una enorme cantidad de material y de registro que quedó afuera y que seguramente servirá para continuar.

—¿Cuál es la marca que sienten que deja este material?

—(Trasierra) Este documental demuestra que el teatro tuvo por aquellos años un terreno muy fértil en Rosario: se montaron muchas obras y hubo grupos que, como pasó con Arteón, lejos de esconderse, eligieron salir a la superficie y estar permanentemente expuestos, mostrando sus obras, caminando las calles de la ciudad y entregando volantes de difusión. En parte, eso es lo interesante del panorama que hemos investigado y que aparece ahora en el material que integra el documental.

—¿Cómo surgió el proyecto?

—(Trasierra) En realidad, surgió a partir del momento en el que me estaba por recibir de Profesora de Teatro. Tuve una idea, quizás un poco ingenua, porque al comienzo apenas fue una monografía sobre el tema para recibirme; pero allí crucé dos mundos que para mí son muy significativos: el teatro y la dictadura. Y me encontré con una primera sensación, el gran vacío de registros. Creo que en un punto, lo tomamos como una misión y aporte a la democracia, a la memoria y sobre todo, al “nunca más”.

—¿Cómo eligieron a los entrevistados?

—(Trasierra) Aparecen muchos y son todos muy valiosos en el contexto del que hacer teatral local. Están Liliana Gioia, Cristina Prates, Valterio Ciz, Mirko Buchín, Alfredo Anémola, Néstor Zapata, Hugo Salguero, Rody Bertol, Cacho Palma, Daniel Querol, María Zulema Amadeo, Clide Tello y Darío Grandinetti.

—En todos los casos, gente que sigue vinculada al teatro, que sigue produciendo…

—(Cabruja) Esa fue casi una consigna, porque nos parecía muy valioso hablar con gente que sigue trabajando, que su trabajo está vigente. Nos parecía importante dejar en claro que es gente a la que el teatro y lo que pasó en la dictadura no los mitigó, no los apagó, no se silenciaron.

—¿Cuáles sienten que son los puntos en común entre este grupo de gente que hizo del teatro un lugar de encuentro y resistencia?

—(Cabruja) Precisamente, son esas dos palabras: resistencia y encuentro. Porque todos pasaron por lo mismo, todos eran investigados, estaban en listas negras, a muchos les allanaban sus casas, se cerraban sus teatros. De todos modos, siempre prevalecía esta idea de que el otro estaba haciendo algo importante, más allá de la típica competencia que es parte del teatro y que, en cierto modo, hizo que la propuesta creciera. En Rosario hubo grupos que siguieron haciendo sus temporadas aún con los patrulleros en la puerta de la sala. También, “resistencia y encuentro” estuvieron apoyados por una gran poética: los artistas sabían de qué no se podía hablar, pero siempre iban un paso adelante e imponían las metáforas necesarias para poder seguir diciendo. Creo que ese es otro de los ejes de este documental. Y no hay que perder de vista que la Liga de la Decencia y la de Madres de Familia tenían mucho poder, mandaban en Rosario.

—(Trasierra) Todos estos relatos que aparecen en el documental están unidos por huellas que están asociadas con el miedo, pero también con una gran pasión por el teatro que fue lo que les permitió sobrevivir. La apuesta por el teatro fue lo que les permitió seguir vivos, respirar, producir en medio de una cotidianeidad muy marcada por la dictadura. No hay que perder de vista que esos años fueron la base de las que fueron dinámicas teatrales posteriores como las creaciones colectivas, que se entramaron en los años de la dictadura.

—¿Cuáles son los títulos que refleja el material como los más emblemáticos de aquellos años?

—(Trasierra) Los clásicos versionados fueron, como pasa siempre, el motor para poner en escena algunas obras que dejaban entrever una denuncia, y era como un modo “legal” de hacerlo. Hay títulos como La casa de Bernarda Alba (Lorca) o Stéfano (Discépolo), también hay una obra de Arteón que es muy mencionada, El último salva a todos, de la que participaron 40 actores, del mismo modo que Bienvenido León de Francia (Arteón) o El señor Galíndez (Tato Pavlovsky), entre muchas otras.

—(Cabruja) Son muchos títulos, pero cuando la dictadura ya se estaba alejando,1979-80, donde baja un poco la mano dura, aparece como gran referente ¿Cómo te explico?, con Chiqui González a la cabeza. La gente de aquél espectáculo cuenta que tenían como tres versiones de la obra: una para cuando aparecían los de la Liga de la Decencia, otra para cuando veían en la platea a algún sospechoso, y otra para los jóvenes y los adolescentes, que en definitiva era a quienes estaba dirigida. Pero hacerla, era toda una proeza.

Eso de lo que no se hablaba

2011-09-10T11:33:00.000-07:00

ESTRENO TEATRO. El dramaturgo y director Daniel Dalmaroni analiza el “El secuestro de Isabelita”, obra de su autoría que es un éxito en la cartelera porteña desde hace dos años, y de la que esta noche, a partir de las 21, en la sala La Nave, de San Lorenzo al 1300, se conocerá una versión rosarina

Por Miguel Passarini (Publicado en El Ciudadano & la gente, en su edición en papel del sábado 10 de septiembre de 2011)

Las obras teatrales del dramaturgo y director teatral Daniel Dalmaroni (La Plata, 1961) tienen como marca indeleble la incorrección política que deviene de un humor negro en el que se fusionan tragedias clásicas con otras más cotidianas o cercanas, y donde la sangre no suele estar ausente. De hecho, títulos como Maté a un tipo, Una tragedia argentina o Splatter rojo sangre, dan cuenta de eso.

Luego de seis meses de trabajo y de dos años en cartel en Buenos Aires, Dalmaroni estrenará esta noche, a las 21, en la sala La Nave (San Lorenzo 1383), una versión local de El secuestro de Isabelita, una pieza que discurre en los vaivenes políticos de los años 70, donde no se priva de su mordacidad para explorar un tema tabú hasta ahora, al menos en el teatro: el papel de las organizaciones armadas en los momentos previos al golpe militar del 76.

En una charla con El Ciudadano, Dalmaroni habló de la puesta local de esta obra que, entre otras particularidades, integrará con su versión porteña la grilla del inminente Festival Internacional de Buenos Aires (Fiba).

—¿Qué te llevó a estrenar una versión local de “El secuestro…”?

—Por un lado, uno de los factores, fue el buen funcionamiento de la obra en Buenos Aires: lleva dos años en cartel en el Teatro del Pueblo, donde por suerte se presenta siempre a sala llena.

—¿Por qué elegiste dirigir también la versión rosarina?

—Es un espectáculo políticamente muy incorrecto, que tenía sus riesgos, pero que está funcionando fantásticamente. Después de que Walter Operto (dramaturgo, director y coordinador de la sala La Nave) la vio en Buenos Aires, surgió la idea de versionarla en Rosario y no de llevar la versión porteña, lo cual me resultó sumamente interesante. Vimos cómo armar la ecuación, porque además de su propuesta de que la dirija yo, es una obra que, independientemente de que no soy un dramaturgo que impongo exigencias sobre mis textos, de hecho la mayoría los han hecho otros directores, es muy particular para mí.

—¿Por qué?

—Porque si es malinterpretada, si se monta paródicamente, no digo que pueda verse como lo contrario de lo que es, pero sí puede ser malentendida. Creo que la obra tiene ese riesgo que yo no quiero que se corra.

—¿El proceso de montaje incluyó un casting rosarino?

—Fue así, y estoy muy contento con el resultado: no sólo con los actores, que son muy buenos, sino también con la sala, con el ámbito en el que hemos trabajado, con todo el equipo. Sobre todo, con el equipo técnico, porque hay que tener en cuenta que yo viajaba los fines de semana y ellos continuaban con los ensayos el resto del tiempo.

—Repasar los años 70 corriéndose de cierta solemnidad o respeto, es de movida algo riesgoso ¿Qué cosas priorizaste en ese proceso?

—En principio, creo que la obra intenta cuestionar el hecho de que haya un sólo discurso, un discurso univoco y progresista respecto de los años 70.

—¿Cuál sería el contenido de ese discurso único?

—Que la militancia de los 70 fue la “juventud maravillosa”, y si decís la palabra “maravillosa”, es intocable: no se cometieron errores, no hubo ingenuidades, no hubo “aciertos y errores”, sino que hubo sólo “aciertos”. Y entonces, el desafío tenía que ver con cómo hacer, desde el progresismo, para apelar a un discurso que pueda cuestionarse a sí mismo. En lo personal, yo no tenía una edad para militar en Montoneros, tenía 14 años, pero sí era simpatizante de la UES (Unión de Estudiantes Secundarios), lo que significa que no lo hago desde afuera, al menos en el sentido político y espiritual de la cuestión. Y bajo ningún punto de vista soy un antiperonista que monta una obra sobre la guerrilla urbana peronista.

—¿Desde dónde partiste?

—En realidad, sobre el tema ya había libros pero no obras de teatro. Por ejemplo: si uno toma la novela La anunciación, de María Negroni; o La voluntad, de Eduardo Anguita y Martín Caparros, un libro con testimonios de la época, ahí ya se muestran los aciertos y los errores con claridad, pero era un tema que aún no había sido tratado en el teatro, y menos aún, desde el humor negro. Ése fue un punto de partida.

—¿Qué cosas se pueden contar del argumento de la obra ?

—Trata acerca de un grupo que se escindió, que fue echado de Montoneros, por ser excesivamente “fierrero”, que decide secuestrar a Isabel Perón. Si bien no es conveniente contar demasiado, sí puedo contar algo que sucede en los primeros cinco minutos. Es enero de 1976, son los últimos momentos del gobierno de Isabel Perón. El problema que tienen estos muchachos, de los cuales en la obra quedan muy claros cuáles eran sus ideales por un país mejor, es que cometen un error: en lugar de secuestrar a Isabel Perón, secuestran a Isabel Pavón, que es la mucama de Isabelita. Así empieza la obra, con esta mujer diciéndoles: “Yo no soy quienes ustedes creen, se equivocaron”. Desde allí hasta que se convencen, pasando por una serie de pruebas, de que se trata de un personal de maestranza de la Quinta de Olivos, deciden devolverla, pero no les es tan fácil, porque el afuera comienza a complicarse políticamente.

—En ese punto, y con cierta ironía, ¿queda velada la idea de varios sectores de aquél momento queriendo sacarse de encima a Isabel?

—Sí, porque claramente, en la obra se da a entender que los militares provocaban el golpe o hacían algo, pero estaban convencidos de que había que sacarse de encima a ésa mujer y a ése gobierno. Cuando en el final de la obra uno cree que ya no puede sorprenderse de nada, hay también una vuelta de tuerca acerca de la identidad de Perón. Pero más allá de todo, el texto tiene un final que hace honor a los caídos tanto sea por parte de la Triple A como los desaparecidos. En ése punto no hay equívoco posible.

Toda la sangre derramada

2011-09-02T08:49:00.000-07:00

CRÍTICA TEATRO

La reconocida compañía catalana La Fura del Baus pasó miércoles y jueves por el Salón Metropolitano con “La degustación de Titus Andrónicus”, una singular fusión de estética “furera” y teatro clásico

Por Miguel Passarini (Publicado en El Ciudadano & la gente, en su edición en papel del viernes 2 de septiembre de 2011)

Una bacanal, la consumación del placer de comer frente al horror de la tragedia más radicalizada. Sin embargo, los invitados a la gran cena siguen comiendo como si nada pasara. La Fura dels Baus parte, entre otros, de ese concepto, y del desafío de sentidos como el gusto y el olfato (el único cuya influencia no se puede “obviar”), muy poco explotados en las artes escénicas, para abordar Tito Andrónico, la tragedia más primitiva, sanguinolenta y horrorosa de William Shakespeare, de la que después se desprendieron otras quizás no tan sangrientas y un poco más románticas, como es el caso de Romeo y Julieta.
Pareciera que algo queda de aquella Fura de los años 80 y 90 que sorprendía con su osadía, descontrol y riesgo escénico, aunque la profesionalización es ahora la marca más fuerte de la agrupación catalana creada en 1979, y mucho de aquel caos que era una marca a fuego de su tan mentado “lenguaje furero” (como se vio en Rosario, en 1997, con Manes), es decir un espacio escénico múltiple y compartido donde todo podía pasar, hoy está algo atomizado.
Por un lado, La Fura, que miércoles y jueves pasó con su nuevo espectáculo, La degustación de Titus Andrónicus, por el Salón Metropolitano (Alto Rosario Shopping), toma la tragedia como tal y la reconstruye en el ámbito de un espacio escénico rectangular, aunque múltiple y articulado por una serie de grandes objetos móviles, delimitado por cuatro pantallas de grandes dimensiones que encierran al público como en un gran “corral”. En ellas se despliegan una serie de proyecciones que, en algunos casos, reconstruyen escenarios (a modo de escenografías virtuales), y en otros se revelan como metáforas del discurrir dramático, donde siempre apareen la sangre y lo trágico como determinantes del ámbito poético.
Esas acciones, que se sustentan en la apropiación del espacio escénico a partir de una serie de “tótems” móviles que sirven a modo de estrados para el ingreso de cada uno de los personajes, se mixturan con la preponderancia de un escenario frontal y otro lateral donde acontecen las escenas más corales.
La compañía privilegia en este montaje la base dramática del texto de Shakespeare, con sus personajes fundantes, cuya impronta y virulencia ha sido asociada a la de las tragedias de Esquilo, aunque como suele pasar con los clásicos las problemáticas asociadas con traiciones, intereses, escándalos sexuales y abusos de poder resuenan más que contemporáneas. La historia que desata la tragedia abreva en la llegada de Tito a Roma luego de su lucha con los Godos del norte. La mayoría de sus hijos murieron en esa guerra, excepto cuatro de ellos. El sacrificio de un prisionero como festejo de la victoria, un hijo de Tamora, reina de los Godos y nueva emperatriz de Roma, abre el sínodo trágico con destino a un final literalmente horroroso: la siguiente víctima será la hija de Tito, Lavinia, a quien le cortan la lengua y las manos, entre otras vejaciones.
Poco después, dos de sus hijos desaparecen, y la posible reaparición dependerá de que Tito se corte una mano y se la envíe a sus enemigos, quienes a cambio le devuelven aún sangrantes las cabezas de sus hijos. Ante la traición, Tito mata a los dos hijos restantes de Tamora, y en una bacanal caníbal los sirve en medio de una cena. No conforme, mata a su mutilada hija para salvar su honra y asesina a los emperadores.
En el contexto de acciones dramáticas que se desarrollan en un espacio muy ligado a lo audiovisual, la puesta pareciera por momentos homenajear la versión cinematográfica de la misma tragedia rodada por la inglesa Julie Taymor, en relación con el intento de aggiornar la tragedia apelando a situaciones contemporáneas, como por ejemplo las escenas épicas, que fueron armadas por animaciones digitales, o las de cacería, en el contexto de un bizarro videojuego, en el momento más adrenalínico para los espectadores.
Aunque el gran condimento parece ser la cocina que se “sirve” de esos cuerpos mutilados para preparar en vivo un plato que 28 comensales comparten sobre el final con los pocos “sobrevivientes” de la tragedia.
Si bien por momentos la puesta en escena repliega toda posibilidad de sustento dramático en vivo, la obra (no hay que olvidar que es un clásico con un texto denso y profuso) tiene algunos pasajes de gran interés teatral, como por ejemplo las dramáticas instancias en las que la mutilada Lavinia se reencuentra con su tío y luego con su padre, donde la profundidad narrativa y el soporte musical crean uno de los pocos momentos de fuerte teatralidad.
Sin embargo, la puesta en escena de gran factura técnica fagocita en varios pasajes lo que acontece en escena: no hay “diálogo” real entre el vivo y lo proyectado, más allá del diálogo virtual que establecen las imágenes previamente editadas. Ese distanciamiento posiciona el trabajo de La Fura en otro lugar, sobre todo teniendo en cuenta que el gran condimento de este equipo de artistas ha sido siempre la verosimilitud del “aquí y ahora”, la puesta a prueba del rigor físico siempre como motor o sustento narrativo, y en particular el riesgo en todas sus formas. Por el contrario, nada parece ser aquí riesgoso, todo está bajo control y todo sale bien, independientemente de toda la sangre “derramada”.

“Sentimos que es la piedra sin pulir de las tragedias"

2011-09-02T05:32:00.000-07:00

ESTRENO TEATRO. El director del grupo catalán La Fura dels Baus, Pep Gatell, habla de “La degustación de Titus Andrónicus”, que esta noche y mañana, a partir de las 21, se presenta en el Salón Metropolitano del Alto Rosario Shopping

Por Miguel Passarini (Publicado en El Ciudadano & la gente, en su edición en papel del miércoles 31 de agosto de 2011)
Volver al lenguaje “furero” es volver a los orígenes, a esa especie de ritual compartido en un espacio común que siempre fue una marca a fuego en las propuestas de la compañía catalana La Fura dels Baus, creada en 1979, que esta noche regresa a la ciudad, a 14 años de su primera presentación, cuando desembarcó en el CEC, en 1997, con Manes.
Ahora, la excusa es Shakespeare y su tragedia más primaria, descarnada y alejada de toda pretensión poética. Se trata de Tito Andrónico, que derivó en La degustación de Titus Andrónicus, una bacanal sanguinolenta para disfrutar en primer plano, que esta noche y mañana, a la 21, se presenta en el Salón Metropolitano (Shopping Alto Rosario) en el marco de una gira nacional y tras su paso por los escenarios europeos.
Bajo la dirección de Pep Gatell, la puesta busca mediar entre un texto atiborrado de escenas truculentas y la representación, donde se suma como gran condimento la cocina, poniendo en jaque un sentido aún poco explotado en el teatro: el gusto, independientemente de que unos pocos podrán disfrutar de la comida que será preparada durante la función y disfrutada en el final.
En una larga charla con El Ciudadano, Gatell habló de los alcances de la puesta, de la elección del texto de Shakespeare y del momento que vive España.
—¿A qué se debe este regreso al lenguaje fuerero, en medio de otros trabajos a la italiana, cómo grandes óperas o puestas al aire libre en diferentes escenarios del mundo?
—Es que es una de las características primarias de nuestra propuesta: compartimos el espacio escénico con el público. En este trabajo, particularmente, invitamos a todo el público a entrar en nuestro gran “escenario”, a estar de pie y a que ellos sean los que tengan que decidir en qué lugar y desde qué punto de vista quieren ver el espectáculo. Lo pueden hacer en un primer plano, casi tocando a los actores; o bien a medio plano, pero dentro de la acción, o también un poco más apartados, aunque en todos los casos los actores intervienen el espacio del público, porque esa es la característica especial y fundante de La Fura.
—¿Por qué eligieron esta tragedia y dónde sienten que resuena hoy como pasa siempre con los clásicos?
—La elección tuvo que ver con dos puntos: por un lado, porque es la primera tragedia que escribe Shakespeare, y sentimos que es la piedra sin pulir de las tragedias que vendrían más tarde. Quizás porque la escribe en una edad temprana y pareciera que hubiese querido que todo pase muy rápido. Ese punto nos venía muy bien para nuestro tipo de lenguaje, que es muy cercano al videoclip. Por otro lado, escogemos esta obra porque acaba con un ágape caníbal en el final, en donde Titus ha desmontado su esquema de valores, destrozado por lo que le ha pasado en la vida y por lo que la vida le ha ido arrancando, y entonces se transforma en una bestia y termina con todo.
—Uno de los tópicos de las tragedias shakespeareanas…
—Es verdad, lo que sucede es que aquí la vida lo ha llevado a Titus a situaciones tan límite, que su bestia se despierta para mal. Creo que aquí se revela una de las grandes metáforas de esta obra, porque pareciera que Shakespeare nos quiere decir que todos llevamos esa bestia adentro y que sólo hace falta que la despertemos; en ese punto se vuelve muy presente. La obra acaba con un ágape final en el que Titus se venga de todo y de todos, pero sobre todo de la masacre que ha sufrido su familia, con un banquete en el que su peor enemiga termina comiéndose a sus propios hijos sin que ella lo sepa. Eso nos interesaba mucho a nivel narrativo porque habla de los seres humanos y de lo buenos o malos que podemos llegar a ser.
—El canibalismo o antropofagia se volvió una marca del espectáculo ¿Fueron conscientes de eso al momento del montaje?
—Es verdad que es un momento fuerte, porque en la continuidad de lo que sucede eso pareciera pasar. Es que el ágape final de la tragedia nos habría la puerta a desafiar un sentido poco explotado, el del gusto, y a una cocina muy singular que se incorpora al espectáculo, en la que durante una hora y media dos cocineros preparan la cena. Es por esto que en ése final, 28 personas que integran el público, pueden saborear el plato preparado junto al emperador y la emperatriz y delante de todos. Para eso, contamos con uno de los tres mejores cocineros del mundo, y entonces, los que están allí se olvidan de la tragedia y comen. Esa es otra reflexión a tener en cuenta: la tragedia pasa y la gente sigue comiendo.
—¿Cuál es la idea de “espectáculo total” que han perseguido a lo largo de los años?
—Tiene que ver con el entrecruzamiento de disciplinas: aquí tenemos una banda sonora especialmente compuesta, y unas pantallas gigantes que son las que contienen el espacio escénico y rodean al espectador, por tanto tenéis también la sensación de haber ido al cine. Las proyecciones nos permiten cambiar los tiempos teatrales para corrernos del texto y jugar con un espacio escénico que es todo el tiempo modificado: por un momento estamos en una plaza pública, y un instante después, en un bosque. Pero además de la banda sonora, las proyecciones y la cocina, está el texto de Shakespeare. Por eso es que todo eso está puesto en función de poder contar una historia. Yo creo que lo bueno de La Fura es que cuando junta todas estas disciplinas las piensa como ingredientes del plato terminado. Es decir: todo tiene un sentido y está por algo. Todo está en su justa medida y no hay una disciplina en disonancia con las demás.
—¿Cómo viven como compañía la crisis económica que atraviesa Europa y en particular España?
—Estamos aquí por eso. Hemos tenido que emigrar como ustedes lo hicieron rumbo a España hace unos años; son los flujos del mundo contemporáneo. Como compañía, podemos continuar gracias a la diversidad de propuestas con las que contamos, que se desarrollan en paralelo y en diferentes lugares del mundo: si no sale bien una cosa, pues vivimos de la otra. La crisis nos ha tocado como a todos. Por ejemplo: en un tiempo de normalidad económica, hubiéramos hecho el doble de funciones de las que hicimos con este espectáculo.
—¿Qué cosas les ofrece el público argentino desde aquella primera vez en Córdoba en el marco del recordado Festival Latinoamericano de Teatro de 1984?
—Desde 1984 hasta ahora, siempre nos han tratado bien, nos hemos sentido del lugar. Vinimos un año después del regreso de la democracia y tanto para nosotros como para los que estuvieron en aquellas funciones fue una experiencia inolvidable; incluso hubo grupos que cambiaron su estética después de vernos y eso fue muy importante para nosotros.

De estados y sensaciones

2011-08-22T14:15:00.000-07:00

ANTICIPO DISCO. El viernes por la noche, en la sala del Centro Cultural Lavardén, la cantante y actriz Vanesa Baccelliere y el trío de músicos con el que integra Pampa Jazz ofrecieron un show íntimo, marcado por la innovación de clásicos del repertorio folclórico y el adelanto de cuatro temas nuevos

Por Miguel Passarini (Publicado en El Ciudadano & la gente, en su edición en papel del lunes 22 de agosto de 2011)

Las coordenadas de una poética comprometida con su voz y con su tiempo; ecos del pasado que resuenan resignificados en un presente profuso, en el que lo diferente y alternativo es, quizás, aquello ya escuchado, y donde prevalece la honestidad escénica por encima de cualquier pretensión estética incómoda o pretenciosa.
Así, la cantante y actriz (el orden no es casualidad) Vanesa Baccelliere presentó el viernes por la noche en la sala Lavardén algunos de los temas que integrarán un disco que en pocos días comenzará a grabar junto con los integrantes del atractivo trío de músicos con el que componen Pampa Jazz, pero también otros que ya forman parte de su repertorio, en una noche con una platea de amigos que conocen de su talento y que disfrutan, junto a otros, de su enorme crecimiento artístico.
Integrado por tres músicos que entienden de zapadas e improvisaciones, Pampa Jazz, es decir Mariano Sayago (contrabajo), Sebastián Mamet (batería) y Mariano Braun (piano), hace honor a su nombre: la “Pampa” se hace presente en la extensión, en el amplio horizonte que se abisma en sus composiciones, mientras que el “jazz” prevalece en la sonoridad de un trío que no le teme a la fusión de musicalidades de orígenes tan diversos como singulares, sobre todo, en la apropiación de aires folclóricos clásicos conjugados con ritmos más contemporáneos, siempre dejando un espacio para la improvisación y haciendo gala de jugados arreglos.
El show del viernes comenzó con un off. Vaccelliere, atenta a correrse de los lugares comunes, arrancó tras bambalinas con una versión de “Dorotea, la cautiva” (inmortalizada por Mercedes Sosa, a quien pareciera homenajear con su repertorio), aunque la presencia femenina en escena la aportó la bailarina Danae Mamet, que, con aires de oriente y como escapada de un cuento de Las mil y una noches, interpuso una visión de una “cautiva” de otras latitudes.
Tras el paso de la incandescente “Soy pan, soy paz, soy más”, de Piero, en una versión reivindicadora, aparecieron “Ponta do areia” (Milton Nascimento) y “La Martiniana”, para desterrar la idea de que nadie puede cantar esa bella canción tradicional mexicana como Lila Downs.
Poco después llego el bloque destinado a los temas nuevos. “Del llano hacia el llano” (Baccelliere), la zamba “Yendo a buscar” (Braun), el candombe “El color de la sombra” (Sayago) y la bella canción “Dejarlo ser” (Baccelliere) contaron con el apoyo de un soporte audiovisual que sirvió como puente a una estética que, seguramente, tendrá su correlato con la búsqueda del nuevo disco.
Un tercer y último bloque sumó a la lista de doce temas renovados y revisitados, versiones de “Cardo o ceniza”, de Chabuca Granda; “Zamba del laurel”, de Armando Tejada Gómez y Cuchi Leguizamon; “Serenata para la tierra de uno”, de María Elena Walsh y “Las golondrinas”, de Jaime Dávalos y Eduardo Falú.
Aunque quizás haya sido el esperado bis el que trajo al escenario uno de los momentos de mayor emoción: aquellos que estuvieron en la inauguración del Museo de la Memoria ya habían podido disfrutar de la recreación superadora de “Razón de vivir”, de Víctor Heredia, que Baccelliere lleva adelante con el trío.
Para esa altura, una platea aunque agradecida se retiraba con ganas de más. Habrá que esperar a mayo del año próximo, cuando el escenario de la Lavardén se vuelva a llenar de talento para la presentación oficial del disco.

Adiós a Héctor Barreiros

2011-08-21T15:18:00.001-07:00

DESPEDIDA
Adiós al actor y director teatral Héctor Barreiros

Por Miguel Passarini

Se conoció ayer la noticia de la muerte del actor, maestro y director teatral Héctor Barreiros, de 82 años, ocurrida el sábado alrededor de las 20. Los restos de quien fuera el creador del histórico grupo local Aquelarre fueron sepultados ayer por la mañana.

Héctor Barreiros, con más de 60 años de teatro, fue el creador del grupo Aquelarre, dirigió más de 100 puestas, y se desempeñó como maestro de actores. Se había formado con Ernesta Robertaccio y Antonio Cunill Cabanellas, y entre otras particularidades de su vasta y ecléctica trayectoria, fue el primer maestro de actuación que tuvo Darío Grandinetti. Con Aquelarre, con el que recorrió el país a lo largo de más de 30 años, versionó clásicos de Shakespeare, Chéjov y montó teatro de repertorio argentino. Barreiros comenzó a actuar en Buenos Aires en 1948. Antes, en Rosario, había integrado el Núcleo Teatral Bohemia. Volvió a la ciudad en 1957 y no paró de producir hasta hace unos pocos años.

En las últimas décadas, la trayectoria de Barreiros se vio ceñida a su labor como director-programador del Teatro Empleados de Comercio (Corrientes 450), donde estrenó la mayoría de sus espectáculos más recientes. En una trayectoria inabarcable, en los años 60, comenzó a trabajar con un nutrido equipo de actores al frente del grupo Aquelarre, con el que estrenó obras clásicas y proyectos más contemporáneos surgidos de la experimentación.

De las últimas dos décadas, se destaca su unipersonal Me queda la palabra, con el que recorrió los escenarios argentinos y de diversos países como España y Estados Unidos. Del mismo modo, en 2000, estrenó Juntando los pedazos y un año después, Bruma en la isla. En los últimos tiempos, antes de que lo aquejara una enfermedad que le impidió continuar con el trabajo teatral, se conocieron versiones de piezas tales como Esperando el lunes, Sofía, como la Loren, un trabajo sobre cuentos de Chéjov y Maldita lengua, obra sobre el lenguaje estrenada en 2004.

Barreiros, que pasó por todos los géneros y que en los 90 se dedicó a la crítica teatral en el diario La Capital, llegó a estrenar hasta cinco obras al año. Se trataba de un referente de la escena rosarina y su nombre era conocido en el resto del país como uno de los precursores de la escena local.

En una de las tantas entrevistas que mantuvo con El Ciudadano, habló acerca del lugar del teatro rosarino en el que sentía que estaba parado, un lugar que siempre lo acercó al público: “Creo que después de muchos años, he generado un público que gusta de lo que hago, que me sigue. Por otra parte, el teatro sin público no existe. Yo veo que algunos grupos que hacen teatro en rosario, esforzados, estudiosos y muy preparados, piensan sólo en ellos, en su entorno, y no piensan en el público. Veo que hay obras buenísimas, que me han gustado mucho porque soy un hombre de teatro, pero que a la gente no le pasa nada porque sienten que ese lenguaje es extraño”.

Entre el deseo y el intelecto

2011-08-17T13:20:00.000-07:00

CRÍTICA TEATRO

Julio Chianetta dirige a Guillermo Almada y Matías Salas en una correcta versión de “Yepeto”, del dramaturgo porteño Roberto Cossa, donde un profesor cincuentón y un joven deportista debaten acerca del amor

YEPETO
Autor: Roberto Tito Cossa
Dirección: Julio Chianetta
Actúan: Guillermo Almada, Matías Salas
Sala: Amma, Urquiza 1539, jueves a las 21

Por Miguel Passarini (Publicado en El Ciudadano & la gente, en su edición en papel del martes 16 de agosto de 2011)
En el frondoso imaginario de un profesor de literatura cincuentón que, como un Quijote, parece querer luchar contra los “molinos de viento” que han sido el paso de los años y sus historias de amor, se esconde, seguramente, un alter ego de Roberto Tito Cossa (Buenos Aires, 1934), uno de los mayores dramaturgos argentinos de todos los tiempos, que en la inoxidable Yepeto dejó las huellas del amor partido, ése que se presenta “dividido” entre lo que dicta por un lado el cuerpo y por otro la mente y la razón.
Yepeto, estrenada 1987 por la inolvidable dupla integrada por Ulises Dumont y Darío Grandinetti, está de regreso en la cartelera local de la mano de un equipo que en escena integran Guillermo Almada y Matías Salas, y desde la adaptación y dirección, el actor y director Julio Chianetta.
La historia es conocida y su universalidad es lo que le ha dado a lo largo de los años el carácter de clásico. Un profesor de literatura que pisa las cinco décadas no puede evitar el encuentro con Antonio, un joven de 17 años novio de Cecilia, alumna del profesor, a quien éste considera con un futuro interesante en la poesía. Así, con los sucesivos encuentros entre el joven, abocado al deporte pero de poco vuelo intelectual, y el profesor, que con humor e ironía puede reconstruir frente al muchacho el imaginario de un vínculo con Cecilia que mucho tiene de platónico, se arma el eje sobre el cual discurre esta obra, en la que, como fuerte metáfora, se ciñe la complitud que estos dos hombres representan para el personaje de Cecilia, el gran objeto de deseo de ambos, quien más allá de su omnipresencia nunca aparece en escena.
En su devenir, el texto, magníficamente escrito, deja entrever los pensamientos de Cossa acerca de la literatura y el arte, y de cómo todo conocimiento se puede “diluir” ante el amor y el deseo (tan propio de la primera juventud), algo que el profesor añora y que Antonio no sabe bien cómo manejar o administrar.
La puesta de Chianetta tiene a favor dos actores cuya dinámica escénica ya había sido probaba con anterioridad por una versión compartida entre ambos de El hombre de la flor en la boca, de Luigi Pirandello, texto donde también, en cierta forma, se pone a prueba un contrapunto de “sabidurías” aunque de otro orden.
Acá los actores sostienen el conflicto que los enfrenta: por un lado, Almada impone cierta frescura, cierto vuelo y locura que el profesor necesita para enfrentar la juventud y la belleza física de Antonio; al tiempo que Salas puede afrontar los momentos de duda e incertidumbre de un personaje que no termina de entender qué es lo que Cecilia encuentra en su profesor que le resulta tan atractivo y con lo que él no puede competir, algo que lo enferma de celos.
De igual modo, en el devenir del conflicto, en esa necesidad de ambos personajes de “desnudarse” el uno frente al otro (aunque en uno el desnudo sea físico y en el otro, emocional), se nota el correcto trabajo de dirección de Chianetta, que encontró cierta dinámica que le permite, por un lado, acercar el conflicto a Rosario y a sus lugares más reconocibles, y por otro, jugar con el ritmo de un texto plagado de guiños al mundo de la literatura y el arte.
De todos modos, esta versión de Yepeto, adolece a la hora de innovar, dado que no busca correr ningún riesgo más allá de aquellos “riegos” que el texto le impone a los actores, lo que la pone en una marco de correccion, teniendo en cuenta que se trata de uno de los textos más representados de la dramaturgia nacional contemporánea, incluso con varias versiones en el extranjero.
Por un lado, porque sustenta la demanda de un espacio escénico dividido entre la casa del profesor y un bar en el que acontecen algunos de los encuentros tal como lo sugiere el autor en las primeras líneas, circunstancia de puesta en escena que requeriría de un trabajo con la luz que avale esos contrastes. Pero por otro, la puesta necesita de un voto más de confianza en los actores, que con poco más podrían (tal como lo hacen en algunos pasajes) potenciar el contrapunto hasta poner de manifiesto la actuación por encima de todo lo demás, apelando a ciertos matices que no son explotados en su totalidad.
De todos modos, el equipo logra salir airoso ante el desafío de poner en escena un texto del que se ha conocido, incluso, una versión cinematográfica, y que además, a partir de una segunda adaptación del propio autor, también regresó recientemente a las tablas porteñas con una temporada en el Teatro Nacional Cervantes.

Entre la euforia breve y el desasosiego profundo

2011-08-07T13:40:00.000-07:00

CRÍTICA TEATRO

La actriz y cantante Virginia Innocenti, junto al pianista Diego Vila, reconstruye en “Dijeron de mí”, momentos de la vida de la inolvidable Tita Merello, haciendo gala de su enorme talento y sensibilidad

DIJERON DE MÍ
Dramaturgia: Virginia Innocenti
Dirección: Luciano Suardi
Actúa: Virginia Innocenti
Músico en escena: Diego Vila
Sala: Broadway
Foto: Marcelo Manera

Por Miguel Passarini (Publicado por El Ciudadano & la gente, en su edición en papel del lunes 8 de agosto de 2011)

Lo dicho, dicho está. La historia es inmodificable, y hay un dolor latente que trasciende la gloria y la muerte. Tita, la de Buenos Aires, la de todos, la de la gente, la solitaria, la abandonada, la estrella del Bataclán y del Maipo, la “vedette rea”, la que amó con locura y no fue correspondida, la que cantó los tangos que la narraron, la que mandó a las “muchachas argentinas” a hacerse el Papanicolau, la que dejó todo y se recluyó para morir; todas esas están en el cuerpo y en la presencia escénica de Virginia Innocenti, mucho más que una actriz que canta; por encima de todo, una artista que entiende a la claras de sensibilidades, dolores y pasiones, y que las puede expresar a través de su maravilloso arte.
Dijeron de mí (el tiempo pasado en el título pone de manifiesto algo que ya no tiene remedio), que el viernes se presentó en el Broadway por primera vez fuera del escenario del Maipo Kabaret que lo vio nacer en 2010, es un unipersonal que por momentos sobrevuela y en algunos pasajes se sumerge en las profundidades de la vida de la actriz y cantante Tita Merello, de la mano de otra actriz y cantante, Virginia Innocenti, quien además tuvo a su cargo la investigación y escritura de la dramaturgia de una propuesta en el que, como pasa pocas veces, acción dramática, parlamentos, canciones, música y dispositivo escénico hablan un mismo idioma y regalan al espectador la posibilidad de redescubrir la esencia de una artista única.
Es el 24 de diciembre de 2002, víspera de una Navidad distinta en la que Tita, cansada de tantas navidades en soledad, y con 98 años, decide partir para siempre. Una profusión de voces deja oír claramente la de la Tita de los comienzos, cuando debutó con apenas 16 años, del mismo modo que la de la más irreverente, la de la Tita consejera de la televisión (“yo nunca he cantado, yo he dicho”, se oirá), la del cine, la voz de la mujer que al final del camino recuperó la fe y se volvió casi mística.
Innocenti se propone recrear un personaje que sin forzar imitaciones incómodas, poco a poco, se vuelve Tita en escena. Jugando con el imaginario colectivo y apelando a un parecido físico notable (tanto en la contextura corporal como en lo que el maquillaje logra en su rostro), la actriz arranca un viaje en el que cada canción (16 en total) es el sustento de una acción dramática que repasa con singular revisionismo los momentos culminantes de una vida que del mismo modo que brillaba en lo público se apagaba en lo privado.
Sin excesos, con muy pocos recursos (apenas unos objetos escénicos como una mesa, una silla y un telón), y con la notable presencia del pianista Diego Vila, Innocenti arranca cantando “Niebla del Riachuelo”, como primer mojón de un viaje en el que aparecerán canciones que, entre letras y partituras de un repertorio ecléctico, se revelarán como una singular biografía musical hecha a mano y corazón.
Así, en medio de recuerdos que deambulan entre la alegría y la tristeza, y por momentos, entre la euforia breve y el desasosiego profundo, “La milonga y yo” sirve de puente para que aparezca la Felisa Roverano de “Arrabalera”, en medio de relatos de deseos suicidas a puerta cerrada y una “Tita en el País de las Maravillas” que brillaba en las marquesinas porteñas, enamorada de un hombre público que se casó con otra.
Haciendo eje en esos tangos y milongas que la hicieron deslumbrar en el cine, “Cambalache”, de Enrique Santos Discépolo, es otro puente que termina en la alegre “Pipistrela”, independientemente de que en el transcurrir quede más que claro que “no hay maquillaje que tape la tristeza en la mirada”, como dirá esta “narradora” que juega a ser la Merello, y que cada tanto dice al público, en medio de risas y saltos al vacío, “yo la conocí, ella me lo contó”.
Tanto es así, que en todo momento prevalece la sensación que, desde algún lugar, la estrella porteña de todos los tiempos le susurrara al oído una aprobación que, de antemano, cuenta con el apoyo del público, que a lo largo de los 70 minutos que dura el espectáculo parece estar en un permanente estado de conmoción.
De paso por “Milongón porteño”, que brilló en la versión que Tita cantó en Filomena Marturano, en 1949, también serán de la partida “Tata, llevame pal centro”, “Dónde hay un mango”, “Me enamoré una vez”, una hermosa versión de “Llamarada” y otra, maravillosa e intensa, de la milonga “Graciela oscura”, que como ninguna parece pintar el universo de la verdadera Laura Ana Merello, una mujer “que crece entre manos que castigan”, como dice la letra.
De este modo, con idas y vueltas en tiempo y espacio, el espectáculo se vale de la fuerte organicidad de una actriz que con su enorme talento tapa todas las “costuras” de un hilo dramático que la lleva de hablar a cantar, siempre poniendo delante la intensidad de su interpretación y haciendo gala de una voz sutil pero intensa.
Tanto es así, que más allá de todo el recorrido, lo más entrañable de este espectáculo es el enorme trabajo de reconstrucción estético-dramática hecho por Innocenti, donde también se ve la mano del director y actor rosarino Luciano Suardi, que con sensibilidad supo llevarla a esos lugares a los que ella quería llegar para que el concepto del espectáculo, esa idea fundante de una actriz-cantante que “le presta” su cuerpo a otra para volver a vivir en escena varias décadas de una vida plagada de contradicciones y momentos maravillosos, tuviera real sentido.
En ese trascurrir, las marcas de los sucesivos abandonos y quizás como única compañía la del perro Corbata, son puestas de manifiesto por una actriz que parece poder con todo, incluso con un escenario enorme y un auditorio aún más grande, como el del Broadway, que multiplica varias veces el ámbito en el que fue concebido el espectáculo. Desde allí, desde ese lugar casi de soledad, la actriz “azuzó” a la platea con su ductilidad para pasar de la Tita de 16 años a la de 40 o a la de 98, en uno de los pasajes más conmovedores de la puesta donde describe su partida. La vuelta, con una boa de plumas y un esplendor que no casualmente parece traerla desde el “más allá”, son un regalo extra: hay paz en ella, una paz tan deseada en la que los recuerdos, los felices y los más dolorosos, parecen haber quedado atrás definitivamente.

Resistir, a pesar de todo

2011-07-28T08:51:00.000-07:00

ANIVERSARIO.

Se cumplen hoy 30 años de “Teatro abierto”, fenómeno cultural acontecido en medio de la última dictadura militar, que a partir del 28 de julio de 1981 devolvió masivamente el público a las salas

Por Miguel Passarini (Publicado en El Ciudadano & la gente, en su edición en papel del 28 de julio de 2011)
El teatro ha sido desde siempre un espacio de reflexión sobre los acontecimientos políticos. Sin embargo, en la historia reciente, un fenómeno que partió del teatro como señal de protesta, se erige como el gran mojón a la hora de pensar la cultura como espacio de resistencia. Hoy se cumplen 30 años de Teatro abierto, el más relevante de los hechos artísticos acontecidos durante la última dictadura militar, que comenzó el 28 de julio de 1981 en el emblemático Teatro el Picadero, hoy en ruinas, y a la espera de su recuperación como espacio de la memoria.
Aquél día, exactamente a las seis de la tarde, y en medio de los más feroces embates de la dictadura, con muchos teatristas desaparecidos, amenazados o exiliados, Jorge Rivera López, por entonces presidente de la Asociación Argentina de Actores, abrió Teatro abierto con la lectura, frente al Picadero, de un texto escrito por el dramaturgo Carlos Somigliana, que trascendió el tiempo como la más honesta y reveladora carta de presentación de un fenómeno que se ramificó y que devolvió a las salas a miles de argentinos atemorizados por la dictadura.
La carta decía: “Porque queremos demostrar la existencia y vitalidad del teatro argentino tantas veces negada; porque siendo el teatro un fenómeno cultural eminentemente social y comunitario, intentamos mediante la alta calidad de los espectáculos y el bajo precio de las localidades, recuperar a un público masivo; porque sentimos que todos juntos somos más que la suma de cada uno de nosotros; porque pretendemos ejercitar en forma adulta y responsable nuestro derecho a la libertad de opinión; porque necesitamos encontrar nuevas formas de expresión que nos liberen de esquemas chatamente mercantilistas; porque anhelamos que nuestra fraternal solidaridad sea más importante que nuestras individualidades competitivas; porque amamos dolorosamente a nuestro país y éste es el único homenaje que sabemos hacerle; porque, por encima de todas las razones, nos sentimos felices de estar juntos”.
Allí estaban presentes grandes artistas que tenían la convicción de que algo iba a pasar, aunque muchos, con el paso de los años, hayan reconocido que ni siquiera imaginaban la repercusión que tendría el fenómeno, que continuó en los años siguientes, e incluso tuvo sus réplicas en algunas ciudades del interior, entre las que se incluyó Rosario.
Entre otros grandes nombres de la escena nacional de los primeros años 80, el primer grupo de Teatro abierto estuvo integrado por Osvaldo Dragún, Roberto Cossa, Jorge Rivera López, Luis Brandoni y Pepe Soriano, apoyados fervientemente por Adolfo Pérez Esquivel, quien un año antes había sido reconocido con el Premio Nobel de la Paz.
Aunque el ciclo se repitió en 1982, 1983 (con el lema de “ganar la calle”) y 1985 (con la intención de defender y fortalecer la joven democracia que había regresado en 1983), el primero de los ciclos fue el más revelador, con cientos de porteños abarrotando las salas, buscando una respuesta a miles de preguntas en los textos de grandes autores, donde las feroces metáforas dejaban entrever un dura crítica y repudio a la dictadura imperante.
Entre las obras que brillaron en el ciclo inicial de Teatro abierto aparecen títulos como Decir sí, de Griselda Gambaro, donde el encierro dentro una singular peluquería abría para el teatro argentino uno de los primeros duetos de la relación sometedor-sometido, del mismo modo que Lejana tierra prometida, de Ricardo Halac (foto, con Virginia Lago, Norberto Díaz y Víctor Laplace); Gris de ausencia, de Roberto Cossa; Tercero incluido, de Eduardo Pavlovsky y Oficial primero, de Carlos Somigliana.
También figuraron Coronación, de Roberto Perinelli; La cortina de abalorios, de Ricardo Monti; Criatura, de Eugenio Griffero y la emblemática El acompañamiento, de Carlos Gorostiza. Si bien el fenómeno comenzó por la convocatoria de los autores, al grupo inicial comenzaron a sumarse directores como Rubens Correa, Carlos Gandolfo y Francisco Javier; actores como Carlos Carella, Ulises Dumont, Pepe Novoa, Mirta Busnelli y Cipe Lincovsky; músicos como Rodolfo Mederos o Lito Vitale, y escenógrafos como Gastón Breyer o Emilio Basaldúa, además de artistas plásticos y técnicos, muchos de los cuales estaban en las tristemente célebres “listas negras” del gobierno militar y por lo tanto estaban desocupados, o bien habían sufrido atentados o amenazas.
El ciclo arrancó con 21 obras breves, “escritas y puestas en escena con la libertad expresiva como única consigna”, según se detallaba. De este modo, cada día de la semana, entre las 18 y las 21, se ofrecían tres obras diferentes. A los pocos días, la gente hacía cola desde la mañana para ver las obras cuyos textos se publicaron y se agotaron antes del final del ciclo, un hecho que también puso en valor la escritura dramática, por entonces desdibujada frente al peor teatro comercial.
Con Teatro abierto, la escena argentina independiente abrió un debate respecto de los verdaderos significantes de un arte para muchos efímero, cuyos alcances aún resuenan hoy, sobre todo en otros fenómenos del teatro frente a los acontecimientos políticos y sociales, tal como pasó en la última década con la irrupción de Teatro x la identidad, otro fenómeno que, como Teatro abierto, puso la problemática de la memoria en escena como un gran espejo en el cual las nuevas generaciones aprendieron a mirarse.

Historias de un apasionado

2011-07-26T13:34:00.000-07:00

ENTREVISTA. En elmarco del V Festival de Humor y Primer Congreso de Dramaturgia de la Patagonia argentina, el juez de menores de Zapala Hugo Saccoccia habla de su gran obsesión: la literatura dramática y su difusión, una tarea que lleva adelante a través de la Biblioteca Hueney, hoy de trascendencia internacional

Por Miguel Passarini (Publicado en el diario El Ciudadano, en su edición en papel del dábado 16 de mayo de 2009)
Nada de lo que pueda decirse acerca deHugo Saccoccia sin conocerlo previamente, un juez de menores que está por cumplir 60 años y que eligió la ciudad de Zapala como destino de vida, será suficiente para tratar de describir lo que el teatro significa para él y lo que esa pasión ha generado en su entorno, que ya no conoce fronteras. Su singular historia de vida, marcada por grandes pasiones, partidas de amigos queridos, largas distancias, encuentros y desencuentros, enmarcan el anecdotario de un hombre que, como pocos, puede hacer gala de su equilibrio entre hemisferio derecho, dominado por la pasión por el arte, e izquierdo, controlado por la razón.
Saccoccia (o Sacco como lo conocen en el sur) nació el 25 de diciembre de 1949 en la provincia de BuenosAires aunque de muy joven se fue a vivir a Córdoba para estudiar derecho. Allí se caso con Emilia, el gran amor de su vida, con la que tuvo dos hijos, y en 1980 se fue a vivir a Zapala donde encontró definitivamente su lugar en el mundo. Ya en el sur, cuando la dictadura daba sus últimos y más feroces coletazos, trató de reponerse de la pérdida de amigos queridos buscando un refugio en un grupo de teatro que él mismo creó y que se llamó Hueney (amistad), para luego, casi de modo casual, poner a la luz su otra gran pasión: la literatura dramática, que en las últimas dos décadas ha tomado carnadura en la Biblioteca Hueney, uno de los mayores archivos de obras teatrales que se puedan encontrar en el país, hoy de trascendencia internacional.
En una charla quemantuvo con El Ciudadano en elmarco del reciente V Festival de Humor y Primer Congreso de Dramaturgia de la Patagonia argentina (Zapala y SanMartín de los Andes), Saccoccia desgranó, con la informalidad de una mesa de café, fragmentos de su historia, plagada de momentos inolvidables, otros dolorosos, otros altamente emotivos, que se funden y se esfuman en la memoria de aquellos que habitan los bucólicos paisajes sureños.
—¿De dónde viene tu pasión por la literatura dramática?
—Creo que viene de chico, dado que siempre tuve inclinaciones por la escritura, aprendí a leer desde muy pequeño, incluso desde chico hice mentalismo y magia, me encantaba. Creo que de algún modo fui niño prodigio o avanzado: recordaba cientos de palabras del derecho al revés, recordaba números de memoria y se los decía una y otra vez a la gente que me miraba sorprendida, tendría unos nueve años y un entorno familiar muy estimulante. Me acuerdo que leía todo y era una esponja: los clásicos, libros de aventura, JulioVerne, Salgari, las revistas, los cómic de la época.
—Quizás haya tenido que ver con que tu formación primaria fue en un momento muy bueno del sistema en la Argentina.
—Eso sin duda, tanto fue así que tras mi formación secundaria me fui a estudiar derecho a Córdoba, aunque seguía con mis funciones de magia, prestidigitación, ilusionismo y mentalismo, así me pagué la carrera. Me llevómuchos años, porque solía irme con los circos, pero siempre volvía para rendir las materias y no perder las regularidades, me gustaba mucho la joda. En ese tiempo, fines de los 60 y comienzos de los 70, tenía 19 años y descubrí el teatro independiente, participé de grupos, y el último me marcó mucho: éramos doce miembros y quedamos dos, los otros diez desaparecieron durante la dictadura. Fue muy duro para mí, nunca lo superé.
—¿Cómo llegás a Zapala?
—Porque apenas me recibo de abogado me caso con Emilia, y a ella le sale una propuesta de trabajo para venirnos al sur, ella era farmacéutica y bioquímica (falleció hace dos años, fue su gran pilar), y así fue, vinimos y nos quedamos.
—¿Cómo viviste el contraste de pasar de Córdoba a Zapala?
—La verdad es que lo viví con felicidad, porque de chico viví un tiempo en Rawson, y me gustan las comunidades pequeñas: te conoce todo el mundo, saben quién sos y cómo sos, ganás identidad y siempre hay más cosas por hacer. Por ejemplo: en este momento es muy difícil ser juez, y sobre todo de menores como en mi caso, en cualquier parte del país, se mete a todo el mundo dentro de la misma bolsa, la gente descree de la Justicia. En cambio, la gente de Zapala primero conoció al hombre y después al juez, acá nos conocemos todos.
—¿Cómo se relaciona el mundo de la Justicia con el del teatro?
—Hay un contacto muy estrecho aunque no lo parezca, porque además se trata de dos cosas que forman parte de mi vida: la necesidad de un mundo más justo y la pasión de encontrarme con la gente de teatro. En los tiempos de la dictadura, cuando vivía enCórdoba, me refugié en casa de Emilia, en un barrio, y zafé de ser “chupado”. Eso me generó culpa. ¿Por qué yo me había salvado y no mis compañeros?. Viví las desapariciones de mis amigos de un modo muy doloroso: me superaron la culpa y un odio inmanejable; nunca hice terapia hasta hace dos años después de la muerte de mi mujer. Tenía la sensaciónde que esos sentimientos me iban a destruir. Cuando llegamos a Zapala, en 1980, tuve la necesidad de hacer algo para los demás más allá del tema del derecho: formé un grupo de teatro y arranqué con actividades comunitarias, era un momento difícil en cualquier lugar.
—¿Cómo llegás por esos años a crear la Biblioteca Hueney?
—En1984, casi de unmodo casual, tomo conciencia de que tenía 300 textos teatrales en un lugar como la Patagonia donde casi no había material. Como siempre estuve ligado con el arte y la cultura, se me ocurrió lo de la biblioteca. Me acuerdo como si fuera ahora: fue el 3 de noviembre de 1984, un sábado, esa es la fecha fundacional. Como a las 10 de la noche se me ocurrió que Emilia me dictara los títulos y yo los tipiaba en la máquina de escribir. Terminamos como a las 3 de la mañana, ahí empezó algo que no terminó nunca más. A partir de una sugerencia de Emilia, ordené las obras alfabéticamente. Todo eso en una sola noche. Fueron 312 títulos. Al día siguiente empecé a ofrecer las obras y Emilia me dijo: “Sabés lo que sos, un agrandado, los teatristas te van a volver loco”, y tenía razón; me gustaba eso de tener y poder dar, era una cantimplora de agua en medio del desierto.
—¿Cómo se da el gran despegue hasta llegar al momento actual, de trascendencia internacional?
—Fue un proceso de crecimiento que no paró: estábamos a un par de años de la vuelta de la democracia, viajaba a Buenos Aires y me volvía aZapala con cajas y cajas de usados que clasificaba e integraba a la biblioteca. La gente había sacado libros que habían estado ocultos durante la dictadura, no podía parar de comprar. Llegué a hacer cinco listados con todas las obras. Antes de que terminara 1985 teníamás de 1.500 títulos, eso, sumado a los pedidos, me generó un entusiasmo imparable. Me obsesioné, me volví loco, me gastaba el sueldo en libros. Era un placer ingenuo pero intenso que mantengo.
—¿Fantaseabas con lo que ibas a generar en la comunidad teatral argentina el cariño y el respeto que te tienen?
—Para nada, fue la suma de muchas gauchadas lo que llevó a esto. La Hueney, que significa amigo en idioma Mapuche, es el resultado de mucho trabajo y de muchos amigos apoyando el proyecto. Además, tiene que ver con el desinterés de mi parte de ganar dinero con esto: qué les iba a cobrar a los teatristas si nunca tienen un mango. Entonces se empezó a correr la bola de que en el sur había un loco que te mandaba las obras de teatro que vos le pedías y que ni siquiera te cobraba el franqueo, ése era yo.
—¿Porqué solicitás que los pedidos se hagan por carta y no por correo electrónico?
—En primer lugar, porque estamos hablando de gente a la que le cuesta escribir, entonces, el que se toma la molestia es porque tiene una necesidad real. De algún modo, es un filtro natural, simple pero funciona. Recibo un mínimo de 80 cartas por mes y he llegado a superar las 100, tanto del país como del exterior. Ahora hay una chorrera de amigos confianzudos, serán unos 50, que me piden el material por correo electrónico. Para todos aquellos que estén interesados, en la página web (www.bibliotecahueney.com.ar) están todos los detalles respecto de cómo hacer los pedidos y yo gustoso les mandaré el material.
—En la biblioteca convivís con objetos maravillosos: cartas, fotos, recuerdos de los encuentros, y una baldosa transformada en objeto de arte. ¿Cómo llegó a vos?
—Hugo Grandi, creador de efectos especiales, un gran maquillador, vino hace muchos años a dar un seminario de asistencia técnica. En ese momento, él descubre en mi archivo una obra de un autor inglés que no estaba en ninguna parte y que mucha gente estaba buscando, no era tampoco una publicación formal. Unos días después, me llama para decirme que esa gente en Buenos Aires pedía por favor una fotocopia de la obra: se trataba de El vestidor, y yo se las mandé. No lo podían creer, porque la gente de teatro es muy de prometer cosas y después no cumplirlas: se juran amor eterno, y después no pasa nada (risas). Volviendo a Grandi, al día siguiente del pedido, fotocopié la obra, la metí en un sobre y me dirigí a la terminal de ómnibus. El empleado me dice: “Saccoccia, el envío es una encomienda y tiene que pesar por lo menos un kilo”, entonces salí a la calle ymetí en el sobre un pedazo de baldosa. Lo mandé sin explicación alguna, y los llamé para avisarles que iba el material. A los pocos días me llega una caja y me encuentro con la misma piedra trabajada por Grandi, transformaba en un objeto de arte maravilloso. Cuando vi eso sentí un gran estímulo: son esos los hechos que me animan a seguir porque ganas de bajar los brazos he tenido muchas veces.
—En una de las repisas están las botitas que usaba NiniMarshall para uno de sus personajes, ¿cómo llegaron a vos?
—Me las trajo Edda Díaz cuando vino a uno de los Festivales de Humor. Se las había regalado la familia y ella sintió que la biblioteca era el lugar donde debían estar, qué más puedo decir.
—¿Cuáles son los apoyos oficiales con que cuenta Hueney?
—Tengo una suma del Instituto Nacional del Teatro y otra de Argentores que llegaron en estos últimos años, son sumas mínimas y en muchos casos llegan tarde. La biblioteca tiene un costo de funcionamiento de más de 3 mil pesos por mes del que me hago cargo yo. De todos modos, esto es una elección: yo no tengo una 4 x 4, una casa en lago o viajo dos veces al año a Europa. Tengo un buen sueldo y me da placer poder ahorrar y gastarlo en esto, independientemente de que si hago la cuenta, en los últimos veinte años invertí mucha plata, de todos modos si volviera a empezar haría exactamente lo mismo. Además, siento que la tarea tiene sus frutos, me lo dicen los dramaturgos permanentemente, se sorprenden a los lugares que llegan sus obras tanto en el país como en el exterior a partir de la gestión que hace Hueney. Además, los libros que publico se los mando a la gente de teatro, que son cientos, y no los reparto como suelen hacer algunas instituciones por cuestiones protocolares.
—¿Cuáles son tus expectativas a futuro?
—No difieren de las que he tenido desde el comienzo: no me interesa acumular bienes materiales,
mi hijo me dice siempre que me compre otra camisa, que me cambie la ropa, que me vista mejor, ¿para qué? Mientras tenga algo rico para comer o cocinar (otra de sus grandes pasiones), un buen whisky, en lo posible importado, y las obras de teatro, soy feliz.

En la ciudad de los aplausos

2011-07-20T10:46:00.000-07:00

BALANCE. Finalizó el domingo pasado, luego de seis días, la VII edición del Festival de Teatro de Rafaela. Más de 12 mil espectadores en 50 funciones, con la presentación de 26 espectáculos de gran calidad y de diferentes puntos del país, posicionan al encuentro entre lo más destacado de la escena nacional

Por Miguel Passarini (Publicado en El Ciudadano & la gente, en su edición en papel del martes 19 de julio de 2011)
Lejos de cualquier especulación, y con la clara decisión de hacer gestión desde la puesta a punto y proyección de bienes culturales de calidad, la ciudad de Rafaela, desde su gestión municipal, volvió a sorprender con la capacidad con la que llevó adelante la VII edición del Festival de Teatro (FTR2011), con la que alcanza un profesionalismo que coloca a este evento anual en primer plano frente a otros que se gestionan tanto desde el ámbito de lo público como desde lo privado.
De este modo, de martes a domingo, con la presentación de 26 espectáculos aunque con más de 50 funciones, sumando propuestas de sala, calle y la experiencia individual Los Filántropos-Audiotour Ficcional, más de 12 mil personas disfrutaron de la presente edición del FTR2011, con una programación que ofreció funciones pagas (todas a 15 pesos) y gratuitas, de espectáculos caracterizados, más allá de su poética específica, por una notable calidad merced al gran trabajo que desde la dirección artística lleva adelante Marcelo Allasino.
El FTR2011 cerró el domingo tras la presentación en el imponente cine-teatro Belgrano de ¡Dolly Guzmán no está loca!, último espectáculo de la actriz porteña Mónica Cabrera, quien con el paso de los años se ha convertido en “número fijo”, por el fuerte vínculo que logró entablar con el público local y, sobre todo, por su incuestionable talento.
De una programación cuidada y diversa, en el marco de una edición donde se sumó una jornada, completando seis días, y se agregó una primera subsede en Sunchales, se destacaron trabajos como La familia argentina, texto de Alberto Ure estrenado en 2010 en Rosario por Rody Bertol, que llegó a Rafaela en versión porteña, bajo la dirección de Cristina Banegas. La obra, que desarma los conflictos de una familia que se construye a partir de los despojos de otra, pone en valor la actuación a partir de las estupendas performances de los rosarinos Claudia Cantero y Luis Machín, a quienes se suma la actriz porteña Carla Crespo.
Siguiendo del lado de la actuación, dos propuestas pusieron en valor el ejercicio de pisar con certeza un escenario: por un lado, la rosarina Baby Jane confirmó el buen momento que atraviesa Hijos de Roche, que comanda Romina Mazzadi Arro, con los enormes desempeños de Paula García Jurado y Elisabet Cunsolo. Se trata de una obra teatral actualmente en cartel en Rosario, basada en el film ¿Qué pasó con Baby Jane? (1962), de Robert Aldrich, que apuesta a registros complejos y, tal como pasó en Rafaela, al aprovechamiento del espacio, dado que la puesta fue concebida en un ámbito articulado que fusiona diferentes ambientes de una casa.
Por otro lado, la actriz porteña Karina K, de vasta trayectoria en el musical, deslumbró junto al actor, bailarín y pianista Pablo Rotemberg en Souvenir, donde se carga al hombro fragmentos de la singular vida de Florence Foster Jenkins. Se trata de una versión de la magnífica pieza de Stephen Temperley, en la que la actriz, de conocido talento para el canto, tiene que representar a
una cantante definitivamente desafinada y de oído casi nulo, pero de una infrecuente personalidad que la hizo famosa y hasta la llevó a cantar en el Carnegie Hall de Nueva York. Karina K demuestra junto a Rotemberg porqué no hay límites entre teatro comercial y no comercial, sino que el límite lo aporta la presencia o ausencia de talento. Momentos de gran ternura con otros de humor, posicionan a Souvenir entre los espectáculos más recomendables de la cartelera porteña.
Con Manipulaciones II: Tu cuna fue un conventillo, el director porteño Diego Starosta, siempre dispuesto a la experimentación al frente de su compañía Muererío Teatro, armó una versión del clásico sainete de Alberto Vacareza en la que los actores son “manipulados” unos con otros, abrevando a singulares formas del movimiento, en lo que se revela como una nueva manera de construir ficción y donde, una vez más, el registro de actuación es el gran protagonista.
Con Proyecto vestuarios el director y dramaturgo porteño Javier Daulte construye un entramado de situaciones que giran en torno a la intimidad de dos grupos: uno de hombres y otro de mujeres, donde, cada uno a su tiempo, dado que se trata de dos espectáculos que integran un díptico, muestra acciones y reacciones referidas a las performances de sendos grupos argentinos de un deporte amateur que se presentan en una final en Hungría. La sexualidad, el racismo, la homofobia y lo atroz de lo íntimo que se vuelve público, son caminos por los que discurren ambas propuestas que, lejos de cualquier eufemismo, desnudan (literal y metafóricamente) la intimidad de un mundo poco revisado por la escena.
Del mismo lado del riesgo, aunque partiendo de una poética del cuerpo en otro sentido, el bailarín y coreógrafo porteño Pablo Rotemberg también sorprendió a los rafaelinos y se llevó, con La idea fija, uno de los mayores aplausos de todo el festival.
Rotemberg pone aquí a funcionar la máquina del sexo: utiliza los cuerpos de sus bailarines-performers como disparadores para narrar situaciones o formas de vincular un cuerpo con el otro a partir de la sexualidad, en el contexto de un espectáculo en el que movimiento, en su gran mayoría, reproduce escenas sexuales que adquieren el carácter de coreografía, y donde los desplazamientos de los cinco extraordinarios intérpretes transitan un sinnúmero de posibilidades
vinculadas al campo de lo sexual.
También se destacaron dentro de la sólida programación las propuestas Rosa brillando, de Juan Parodi, sobre textos de la poeta uruguaya Marosa di Giorgio, con la extraordinaria presencia de la actriz Vanesa Maja, quien sale más que airosa en su delicada visión del universo de la autora, del mismo modo que Llanto de perro, de Andrés Binetti, a cargo de un grupo mendocino dirigido
por Juan Comotti.
Por el lado de Rosario, también se presentaron, además de la referida Baby Jane, dos espectáculos de la Compañía de Objetos El Pingüinazo, que integran Silvia Lenardón y Guillermo Martínez; Colón agarra viaje a toda costa, de Adela Basch, por The Jumping Frijoles, y Arlequín, servidor de dos patrones, una versión de calle del clásico de Carlo Goldoni, montada sobre un carro móvil por la Compañía Tablas Rodantes.
En el marco de un evento que, como cada año, incluyó un cronograma de actividades especiales, todas de carácter gratuito, donde se ofrecieron charlas, presentaciones de libros, muestras, encuentros con los creadores, seminarios dictados por algunos de los artistas participantes y jornadas de devoluciones a cargo de periodistas de distintos puntos del país, quizás sea la experiencia sensorial Los Filántropos - Audiotour Ficcional, uno de los puntos más atractivos de
todo el encuentro, a tal punto que seguirá su recorrido por fuera del FTR2011 dado que el municipio no sólo lo produjo sino que también adquirió el formato. Se trata de un proyecto de los artistas Christina Ruf (Alemania) y Ariel Dávila (Córdoba), quienes llevan adelante el grupo de trabajo y experimentación BiNeural-MonoKultur, y que apela a lo intimo e individual para conjugar con mucha inteligencia elementos propios de una revisión e investigación histórica, con otros devenidos del cine de suspenso y espionaje, mediante la utilización de un audio guía que, de modo individual, lleva a cada participante a recorrer rincones de la ciudad desconocidos u olvidados. Con la ciudad como escenario y muñido de un reproductor MP3, el invitado sale a recorrer calles, plazas, veredas y edificios públicos con la conciencia de que en algún momento, de dejarse llevar por la convención, se transformará en el sujeto protagonista de la historia.
El desembarco BiNeural-MonoKultur en Rafaela es, también, la confirmación de un gran interés del municipio por poner en valor su historia y su cultura, un hecho que va en paralelo con la marcada identidad que el encuentro teatral adquirió desde su aparición en 2005 y que ha llevado, con estoicismo, hasta la fecha, en el contexto de una comunidad que quiere ser la gran protagonista de una ciudad donde se multiplican, año tras año, los aplausos.

El Kamasutra coreografiado

2011-07-20T10:33:00.000-07:00

VII EDICIÓN DEL FESTIVAL DE TEATRO DE RAFAELA

Con el extraordinario espectáculo de danza-teatro “La idea fija”, el bailarín, músico y coreógrafo porteño Pablo Rotemberg desafía formas, conductas y maneras de entender la sexualidad

Por Miguel Passarini (Publicado en El Ciudadano & la gente, en su edición en papel del domingo 17 de julio de 2011)
Las instancias de una especie de Kamasutra coreografiado donde los involucrados parecen estar alejados de toda posibilidad de vínculo afectivo; la desafectación total de cualquier condicionante erótico para dar paso a la desacralización del cuerpo donde el encuentro con el otro se automatiza y se repite. Un poco de este sustrato es el que prevalece en La idea fija, uno de los espectáculos más potentes y singulares de los presentados en el VII Festival de Rafaela (FTR2011), que finaliza hoy luego de cinco exitosas jornadas.
El bailarín, coreógrafo, actor y músico porteño Pablo Rotemberg pone a funcionar la máquina del sexo: utiliza los cuerpos de sus bailarines-performers como disparadores para narrar situaciones o formas de vincular un cuerpo con el otro a partir de la sexualidad, en el contexto de un espectáculo en el que el movimiento, en su gran mayoría, reproduce escenas sexuales que adquieren el carácter de coreografía, y donde los desplazamientos de los cinco extraordinarios intérpretes transitan un sinnúmero de posibilidades vinculadas con el campo de lo sexual.
“Lo que me interesó trabajar en mi obra fue la ausencia de vínculo. Después de que comenzamos a ensayar, alguien me dijo que hay una frase de (Jacques) Lacan que dice que uno nunca está más solo que en el momento de la relación sexual. A partir de esa idea, se reforzó el concepto de que la sexualidad es una excusa para hablar de un cuerpo que está solo”, relató Rotemberg acerca de la génesis de La idea fija, donde arriesga un escalón más en la utilización del desnudo en escena, un campo bastante explotado por la danza desde los años 60 hasta la actualidad, independientemente de que su propuesta no se parezca a ninguna otra.
“Empezamos a trabajar con un grupo que fue cambiando, porque fue un proceso largo y conflictivo. En un principio arrancamos con mi modo habitual de investigar, que es bastante tradicional, y el tema era el suicidio. En esa primera etapa, sentí que se agotó el tema, que ya no daba para más, y yo venía de hacer El lobo como protagonista, donde estaba bastante desnudo en algunos pasajes. De todos modos, tampoco tenía la intención de trabajar con el desnudo de antemano, porque en la danza es un lugar muy cliché, más allá de que siempre sigue teniendo posibilidades. Tampoco soy de reflexionar demasiado en el momento del trabajo, y un día, en un ensayo, probamos la desnudez. Así apareció de inmediato lo sexual como forma, y cierta cosa vulgar que me interesaba probar, para correr la propuesta del lugar común de la desnudez en la danza que por lo general está asociada a la belleza, a algo extremadamente plástico y poético”, relató el director acerca del proceso, quien un día después del estreno en Rafaela de La idea fija volvió a sorprender como uno de los protagonistas de Souvenir, junto a Karina K, donde actúa y toca el piano para contar los entretelones de la extraordinaria vida de Florence Foster Jenkins (1868-1944), una soprano estadounidense que se hizo famosa por su completa falta de habilidad musical y hasta llegó a tocar en el Carnagie Hall neoyorkino.
“Con el tiempo y los ensayos, la propuesta se corrió hacia cierto lugar que tenía que ver con trabajar, más allá de lo hermoso que es el cuerpo desnudo, con cierta cosa vulgar, algo más cotidiano, algo que por lo general no aparece en la danza, al menos acá (en la Argentina). Tampoco creo que hayamos hecho nada que ya no se conozca afuera, porque la danza es, a diferencia del teatro, un arte abstracto y espectáculos con desnudos hay por todos lados, sobre todo en Europa. Ese fue otro conflicto, porque en algún momento pensé que la propuesta, al menos para mí, era un poco infantil, aunque después el público y la crítica opinaron lo contrario”, detalló el creador.
De este modo, la sexualidad en todas sus formas atraviesa La idea fija, pero lo más interesante del espectáculo es el desprejuicio con el que el director y su equipo abordan el tema, corriéndose de ciertas “tradiciones” en materia de sexo y desnudez, para abordar instancias en las que los géneros pasan a un segundo plano y lo que se juega es el sexo porque sí, cierta cosa impúdica y festiva, desde un lugar en el que se prioriza lo primitivo. Al mismo tiempo, el espectáculo aporta una fuerte impronta kitsch, sobre todos desde la música, donde se pasa sin pudor ni remilgos de la inmaculada belleza de “Romance”, de Georgy Sviridov, al desparpajo de Rafaella Carrá o a lo más meloso de Giorgio Moroder, para hablar, también, de la necesidad de amor que en algún momento reclaman los personajes cuando, sobre el final, se reconocen “humanos”.
“También quería trabajar con la confusión de los géneros, con una sexualidad que está mucho más allá de hombre o mujer. En ese sentido, fue muy valioso el trabajo del bailarín Alfonso Barón, con quien me identifico mucho por su forma de bailar, porque además él tiene un cuerpo hipertónico que le permite hacer cosas inusuales. Él, por momentos, y como también pasa con Juan González, que es otro gran bailarín, tienen una calidad de cuerpo que puede ser femenino o masculino, según ellos lo trabajen, y eso fue determinante, del mismo modo que en el espectáculo se evidencian calidades de cuerpos muy diferentes, un hecho que vuelve todo un poco más real”.
Así, de la risa al espanto, del dolor al goce supremo, de la violencia a la quietud, Rotemberg aporta con su “idea fija” un mensaje que invita a relajar, a entender el sexo como una parte más de la vida, con muchas más variantes y asociaciones que las que suelen considerarse como “aceptadas” en Occidente, y sobre todo, si se trata de una sociedad como la argentina, que recién en los últimos años ha comenzado a entender que la clave de la sexualidad está, precisamente, en la más absoluta diversidad.

Benefactores que vendrán

2011-07-20T10:20:00.000-07:00

VII EDICIÓN DEL FESTIVAL DE TEATRO DE RAFAELA

El grupo BiNeural-MonoKultur, de Córdoba, deslumbra diariamente con “Los Filántropos - audiottour ficcional”, una singular intervención urbana que llevan adelante los artistas Christina Ruf y Ariel Dávila

Por Miguel Passarini (Publicado por El Ciudadano & la gente en su edición en papel del viernes 15 de julio de 2011)
La experiencia de descubrir lo oculto de una ciudad, la posibilidad de recorrerla a través de una ficción imbricada pero irresistible, la tentación de volverse, al menos por algo más de una hora, una especie de espía y “flaneur”, y a la vez cómplice de un suceso que está por venir, irremediablemente ocurre con la propuesta Los Filántropos - audiottour ficcional, una de las grandes atracciones de la presente edición del Festival de Teatro Rafaela 2011 (FTR2011).
Es un proyecto de los artistas Christina Ruf y Ariel Dávila, quienes llevan adelante el grupo de proyección internacional BiNeural-MonoKultur de Córdoba.
Se trata de un grupo de investigación interesado en lo performático, fundado en 2004 por Ruf (Alemania) y Dávila (Argentina) para investigar formatos artísticos que intervengan en el límite de la realidad y la ficción. Sus trabajos experimentan con espacios no convencionales y dan cuenta de un cruce de diferentes disciplinas, aunque el resultado pareciera reconstruir una nueva, armada a partir de otras “fundantes” como el cine, el radioteatro y, sobre todo, las intervenciones urbanas.
Esta nueva propuesta, que podría definirse como una intervención de “baja incidencia” para la ciudad, apela a lo íntimo, a lo individual, y conjuga con mucha inteligencia elementos propios de una revisión e investigación histórica, con otros devenidos del cine de suspenso y espionaje, mediante la utilización de un audio guía que, de modo individual, lleva a cada participante a recorrer rincones de la ciudad desconocidos u olvidados.
Así, con la ciudad como escenario y una simple tecnología como recurso (un reproductor MP3 y unos auriculares), el invitado, que es citado en día y horario, sale a recorrer calles, plazas, veredas y edificios públicos con la conciencia de que en algún momento, de dejarse llevar por la convención, se transformará en el sujeto protagonista de la historia.
“El proyecto Audiotour Ficcional es una experiencia sonora individual donde se toma a la ciudad como escenario para un recorrido de ficción. El espectador recorre solo con un MP3 y auriculares las calles de la ciudad elegida, escuchando una historia que mezcla hechos reales-históricos con otros de ficción. Por día, millones de peatones transitan por las calles de las ciudades, ciegos por su propia cotidianidad. Edificios emblemáticos, puntos históricos, intervenciones gráficas y hasta otros habitantes que comparten el mismo espacio urbano son ignorados por estos transeúntes”, detallan los creadores de este proyecto que tras conocerse en el Festival del Mercosur de Córdoba, en 2005, no ha parado de funcionar allí para sumar en los años siguientes otras cinco versiones en diferentes ciudades de Brasil, incluida San Pablo, y que ahora prepara su desembarco en España.
“Por lo general, el proyecto implica un mes de trabajo previo, que tiene que ver con la recopilación de material y la escritura de un guión inicial. Este es nuestro séptimo audiotour, y más allá de una idea de formato, son siempre proyectos diferentes”, relató Ariel Dávila acerca de la propuesta que seguirá vigente hasta el final del FTR2011, pero que luego, también, tendrá un espacio dentro de los proyectos que llevará adelante el municipio en los próximos meses del año, hecho que permitirá que muchos más rafaelinos puedan descubrir esa otra cara “oculta” de su ciudad.
“El proyecto, además del proceso relacionado con lo histórico y la construcción del guión, se graba en cada lugar con actores locales y se crea para cada uno una banda sonora con músicos del lugar. Por otro lado, siempre trabajamos a partir de historias o mitos de cada ciudad; en particular, sobre aquello que la ciudad dice o cuenta desde diferentes campos”, relató Dávila.
Por su parte, la artista Christina Ruf explicó: “El proceso se pone en marcha cuando nos mandan el material histórico. De allí sacamos aquello que nos pueda resultar interesante y lo confrontamos luego con los lugares físicos al momento de llegar a la ciudad. En este sentido, no sólo consideramos aspectos que tengan que ver con lo histórico, sino también lugares o personajes que tengan que ver con la idiosincrasia del lugar y de su gente. También, juegan un papel muy importante en todo el proceso aquellos lugares que a nosotros, como realizadores, nos resultan interesantes, y muchas veces pasa que esos lugares que encuentran un espacio dentro del relato nada tienen que ver con lo histórico”.
Mitos y leyendas ligados con la masonería que ponen de relieve la presencia de algunos bustos frente a edificios emblemáticos de la ciudad como pasa, entre otros, con el de Juan Bautista Alberdi, del mismo modo que un recorrido por aquello que ocultan los despojos de los viejos Almacenes Ripamonti y la mansión familiar que hoy se erige como el Museo Histórico Municipal, aparecen dentro del recorrido diferenciados y resignificados a partir de detalles que a primera vista parecen insignificantes, pero que luego accionan dentro de una trama que juega a mitad de camino entre lo posible y lo puramente ficcional.
El recorrido propuesto por Los Filántropos…, una supuesta nueva logia masónica que estaría funcionando desde el anonimato en Rafaela para ayudar cuando la ciudad sea tapada por el agua, sirve para encontrar sentido a muchos otros espacios que tienen un lugar dentro de la trama urbana pero que, por cotidianos, pasan generalmente desapercibidos.
El proyecto, que además de Ruf y Dávila incluye a Guillermo Ceballo en el diseño sonoro y música original, el asesoramiento histórico de Jerónimo Rubino y la participación de los actores locales Sebastián Zoppi, Inés Nosti, Ricardo Croce y Oscar Godoy, sirve para correr la vista de lo obvio para luego mirar lo obvio con el objetivo de descubrir aquello que se oculta detrás de símbolos, palabras, colores, morfologías, dimensiones, direcciones, acciones y modificaciones, buscando repensar la ciudad a partir del par dialéctico ciudad vivida-ciudad construida, dado que el proyecto se revela como un gran desafío a los sentidos, un juego en el que la tan mentada “mentira” del teatro, por una vez, se acerca mucho a la “realidad”, una realidad donde el espectador pasa a ser el gran protagonista.

Apertura con clima de fiesta

2011-07-20T10:07:00.000-07:00

VII EDICIÓN DEL FESTIVAL DE TEATRO DE RAFAELA

El encuentro rafaelino comenzó anteayer con un multitudinario desfile callejero, el acto inaugural y la presentación de, entre otras, “La familia argentina”, de Alberto Ure, dirigida por Cristina Banegas

Por Miguel Passarini (Publicado en El Ciudadano & la gente, en su edición en papel del jueves 14 de julio de 2011)
La fiesta regresó a Rafaela. Como en ningún otro lugar del país, una ciudad a pleno festejó en la tarde del martes la vuelta del encuentro a nivel teatral más importante del interior del país, por convocatoria, calidad de programación y proyección nacional.
Tras el recorrido de una enorme araña realizada con globos, manteniendo los colores rojo y negro, representativos de la presente edición, el VII Festival de Teatro de Rafaela (FTR) dio el puntapié inicial con la complicidad de todos los rafaelinos que en estos años han aprendido a hacer propio un encuentro que no sólo nació con buena estrella sino que además llegó para quedarse.
Tras la fiesta callejera, alrededor de las 18.30, dio comienzo el acto inaugural, con la presencia de funcionarios, invitados y público en general, en el histórico teatro Lasserre. Lejos de cualquier tentación hacia el discurso político, en un año en el que abundan, una vez más, fueron las palabras iluminadas de la ministra de Innovación y Cultura de la provincia, Chiqui González, las que movilizaron a una platea que venía conmovida tras la pasada de un video recopilatorio del vasto y prolífico recorrido que ha hecho el FTR en estos años, donde el público ha sido uno de los grandes protagonistas. Para dar paso luego a las palabras del intendente Omar Perotti, convirtiéndose de este modo en los dos únicos oradores de la jornada.
Tras repasar algunas acepciones buscando definir qué es teatro, Chiqui González expresó: “Dijeron que el teatro estaba muerto, pero este festival demuestra que está más vivo que nunca. Este es el festival de la gente, y es un milagro. Y es tan bueno porque el teatro de Rafaela ha sido bueno siempre, muy experimental, en una ciudad que es muy experimental, que ha decidido traer el mundo a su casa”.
Por otra parte, la funcionaria, quien acredita una vasta carrera como directora y puestista, remarcó: “Este es un encuentro tan federal que están las mejores obras de Buenos Aires del mismo modo que aquellas que vienen de un pueblito perdido, o de Córdoba, Rosario o de la misma Rafaela. Este es un festival donde las cosas no están hechas sólo para quedar bien, porque los artistas locales pusieron tan alto el nivel, que ahora, a la hora de programar, se preguntan si lo que viene estará a la altura del público que se ha creado en Rafaela”.
Y finalmente, la funcionaria destacó el riesgo como uno de los grandes motores de este encuentro: “El riesgo está siempre presente, está en las obras, en el público, en la calle. Nada es puro, lo único puro aquí es que todo es impuro y eso es lo bueno; porque una de las marcas de este festival está en la hibridación de estéticas y propuestas, donde el escenario puede estar en el escenario, en las calles o en las plazas; por eso quiero decirles que este es, sobre todas las cosas, un gran invento de Rafaela y su gente. Y me permito un comentario que me remite a mi infancia: una vez una maestra le dijo a mi madre, que no era una intelectual, que yo era muy imaginativa. Yo le pregunté a mi madre si eso era ser mentiroso, y ella me respondió muy sabiamente: «Dijo que inventabas y el invento nunca es una mentira»”.
A su tiempo, Perotti resaltó el periplo que ha llevado adelante con su equipo en estos años y el crecimiento y la proyección que ha tenido Rafaela desde los bienes culturales: “Hoy, en cada barrio de la ciudad hay un espacio para el teatro, y eso se lo debemos a este festival que ha crecido tanto y del que se ha apropiado la gente, que nos acompaña masivamente año tras año”.
“Pero, este año, el festival se ha expandido también hacia otros lugares: tenemos una subsede en Sunchales y agregamos un día más a la grilla (de martes a domingo), al tiempo que es la primera edición que se erige con la ciudad declarada Capital Provincial del Teatro”, completó el funcionario, que de este modo comenzó a despedirse de su gestión, que finaliza el próximo 10 de diciembre luego de dos provechosos períodos al frente del municipio.

Deconstrucción de familia
Luego del acto de apertura, se presentó en el mismo escenario del Lasserre la maravillosa versión de La familia argentina, texto de Alberto Ure estrenado en 2010 en Rosario por Rody Bertol, que llegó aquí en versión porteña, bajo la dirección de Cristina Banegas. La obra, que esta noche ofrecerá en el Centro Cultural del Parque de España (Sarmiento y el río), a las 21, su segunda y última función en Rosario, desmenuza los conflictos de una familia que se construye a partir de los despojos de otra.
Compuesta por un largo prólogo y un breve epílogo, la puesta de Banegas, que cuenta con las estupendas actuaciones de los rosarinos Claudia cantero y Luis Machín, y la actriz porteña Carla Crespo, discurre a través de un texto que está plagado de guiños, en los que se evidencia la inteligencia de un observador iluminado: Ure es despiadado en su análisis de un modo de construcción de familia que se desmiembra, que se traiciona a sí misma, que se vuelve sinuosa, y hasta quizás improbable, pero que va en paralelo con el país que vendría en los 90, donde, como pasa con el triángulo que revela la pieza, imperó el individualismo por encima de los proyectos colectivos, y entonces, como en la nueva familia, el único destino es el fracaso.
(ver comentario completo en http://puroteatrorosario.blogspot.com/2011/07/una-comedia-atormentada.html)

Una gran vidriera que privilegia el talento y el valor artístico

2011-07-20T09:52:00.000-07:00

VII FESTIVAL DE TEATRO RAFAELA 2011

Desde hoy y hasta el domingo se verán 26 espectáculos de diferentes ciudades, en el marco del evento que el municipio rafaelino organiza conjuntamente con el Instituto Nacional del Teatro y el gobierno de la provincia

Por Miguel Passarini (Publicado en El Ciudadano & la gente, en su edición en papel del martes 12 de julio de 2011)
Una nueva edición del Festival de Teatro de Rafaela (FTR2011) se pone en marcha hoy con la convicción se haberse convertido en estos años en uno de los espacios más convocantes y valiosos del teatro de arte dentro del mapa de festivales argentinos contemporáneos.
Declarada Capital Provincial del Teatro en 2010, durante seis jornadas, Rafaela recibirá 26 elencos provenientes de Buenos Aires, Rosario y Córdoba, entre otras ciudades, con una grilla que, como pasa en los últimos años, obligará a los organizadores a agregar funciones debido a que muchas funciones ya están agotadas.
El Municipio de Rafaela organiza el evento en cogestión con el Instituto Nacional del Teatro (INT) y el gobierno de Santa Fe, al tiempo que este año se agrega como novedad la realización de una serie de funciones en la ciudad de Sunchales que suma como subsede, del mismo modo que un importante cronograma de actividades especiales, todas con entrada libre y gratuita, entre las
que se destacan las devoluciones de periodistas especializados a los elencos participantes y público en general, que se realizarán diariamente de 10 a 13.
“Estamos felices porque el sábado, cuando habilitamos la boletería, la demanda superó nuestras expectativas; de hecho, fue la apertura más exitosa de todas las ediciones. El festival nos moviliza mucho a todos, es muy intenso el trabajo, porque es una edición muy especial: tiene un día más en la grilla y sumamos una subsede. Además, estos 26 espectáculos que vienen de todo el país tienen requerimientos de producción muy especiales, y como siempre, nosotros privilegiamos lo artístico por encima de todo. Creo que ése es el gran secreto del éxito de este evento”, contó a El Ciudadano el director artístico del festival, Marcelo Allasino, quien acredita una vasta trayectoria como director teatral en Rafaela al frente de los grupos Punto T y La Máscara.
De la atractiva programación se destacan propuestas tales como La familia argentina, de Alberto Ure, con dirección de Cristina Banegas, que se verá hoy en la jornada de apertura, del mismo modo que Jesucristo, de Mariano Moro (Buenos Aires); Proyecto vestuarios, de Javier Daulte (Buenos Aires); La idea fija, de Pablo Rotemberg (Buenos Aires), y Rosa brillando, de Juan Parodi, sobre textos de Marosa di Giorgio (Buenos Aires).
“Este año recibimos una gran cantidad de propuestas por lo que el trabajo de selección fue muy complejo. Los espectáculos que terminamos programando son maravillosos, y estamos muy felices por la calidad de los artistas que se van a acercar a Rafaela en estos días. A nivel de producción, hay puestas de mucha exigencia, pero que también implican un desafío. Por ejemplo:
Rosa brillando la programamos en una casa que queda en las afueras de la ciudad, donde va a ser una delicia ver ese espectáculo tan lleno de poesía. Del mismo modo, también programamos Baby Jane con la intención de que se viera en un espacio similar al que fue concedido en Rosario (una casa de los años 50). Será en el hall del Centro Cultural Municipal, que tiene una impronta parecida a la original”, señaló Allasino.
También serán de la partida el espectáculo de danza Eclipse, de Carlos Casella y Gustavo Lesgart (Buenos Aires); Comedia cordobesa, de Gonzalo Marull (Córdoba); Llanto de perro, de Andrés Binetti, a cargo de Teatro Nuevo Cuyo Asociación Civil, de Mendoza; Los filántropos–audio tour ficcional, de Christina Ruf y Ariel Dávila al frente del grupo BiNeural-MonoKultur (Córdoba) y ¡Dolly Guzmán no está loca!, de Mónica Cabrera (Buenos Aires), que tendrá a su cargo el cierre del domingo por la noche.
Respecto del complejo montaje que requiere Proyecto vestuarios, con dos numerosos elencos, uno integrado por hombres y otros por mujeres, el director expresó: “Fue complicado traerlos, porque queríamos que esté presente el proyecto completo porque así lo imagino su director, Javier Daulte, y así lo lleva adelante. Hicimos un gran esfuerzo para traer los dos montajes, para que, conceptualmente, la gente pueda verlos a ambos en días consecutivos, un hecho que se convierte en uno de los puntos más fuertes del festival”.
De Rosario se verán los espectáculos El Caldero Circo, de Silvia Lenardón y Guillermo Martínez, al frente de la Compañía de Objetos El Pingüinazo; Colón agarra viaje a toda costa, de Adela Basch, por The Jumping Frijoles; la referida Baby Jane, de Romina Mazzadi Arro, al frente de Hijos de Roche, y Arlequín, servidor de dos patrones, una particular versión de calle del clásico de Carlo Goldoni, montada sobre un carro móvil por la Compañía Tablas Rodantes.
“Este es el cuarto año en relación con las coproducciones municipales, y a partir de una convocatoria tenemos dos espectáculos que se consagraron ganadores y que van tener su estreno en el marco del festival”, relató Allasino respecto de La fiesta, de Paula Rossignoli y Grupo Sobredanza, y una versión de Las reglas de urbanidad en la sociedad moderna, el muy representado texto de de Jean-Luc Lagarce, que en este caso contará con una versión del grupo rafaelino Caldo de Cultivo, con puesta del director y dramaturgo Diego Ferrero.
Finalmente, y respecto de algunos otros condimentos de una programación que se erige entre lo más destacado de la escena nacional, Allasino remarcó: “También tenemos gente que viene de Mendoza, como Juan Comotti; de Córdoba, como Gonzalo Marull o Jazmín Sequeira; amigos de Rosario como los chicos de The Jumping Frijoles, y El Pingüinazo que van a ir a un espacio súper especial que es la Biblioteca Sarmiento, donde podrán mostrar su atractiva propuesta de teatro con pequeños objetos. Y quiero destacar la apertura de esta noche con La familia argentina, con los trabajos de Luis Machín, Claudia Cantero y Carla Crespo, tres actores increíbles, a lo que se suma la dirección de Cristina Banegas. Abrir con ellos y con esa obra de Alberto Ure, dice mucho de lo que nosotros pretendemos con este festival”.